Musical Anna Karenina, który gra główne role. „Anna Karenina”, czyli koszmar Lwa Nikołajewicza…

W tym sezonie teatralnym mam tradycję – na wszystkie musicale chodzę po dwa razy. Dziś po raz drugi odwiedziłam „Annę Kareninę” w Teatrze Operetki. A to mój absolutny faworyt, w którym wszystko jest piękne – muzyka, teksty, fabuła, aktorzy, kostiumy, scenografia. Przyjdę ponownie po raz trzeci! Musimy się spotkać ze wszystkimi trzema Annami i drugim Wrońskim.

W dzisiejszym składzie było wielu artystów, których nie widziałem ostatnim razem. Największą rozkoszą jest Valeria Lanskaya w roli Anny Kareniny. Tę aktorkę uwielbiam od dawna z innych musicali Teatru Operetki i z Zorro, a rola Kareniny jest absolutnie jej rolą. To tak, jakby wszystkie poprzednie role były krokami w kierunku zagrania Anny. Po raz pierwszy spotkałem Annę-Olgę Belyaevę i pomimo całego piękna tej aktorki, w jej Annie nie miałem dość dramatycznego aktorstwa i głosu. Lanskaya to idealna Karenina, namiętna, zakochana, cierpiąca, wyczerpana... Patrzyłam i patrzyłam, słuchałam i słuchałam! Belyaeva miał zakochaną kobietę, porzuconą przez kochanka. Lanskaya okazała się prawdziwą tragiczną bohaterką, bardzo głęboką, z odsłoniętymi nerwami i krwawiącym sercem.

Wroński – Siergiej Li. Dostojny, odważny, szlachetny... Przepiękny wokal w solówkach i duetach z Anną. Myślę, że serce każdego widza na sali bije szybciej, gdy ten Wroński szerokim gestem rzuca Annie cały świat pod nogi ze słowami „Jeśli tak, królowo”. Jednak nie tak na zewnątrz wyobrażam sobie bohatera Tołstoja. Nadal chcę zobaczyć w tej roli Dmitrija Ermaka.

Karenin – Aleksander Marakulin. Znany artysta muzyczny Teatru Operetki, wspaniały głos. Ciekawie było zobaczyć go w tej roli. Ale mimo to mój wirtualny bukiet jest dla Igora Bałałajewa, którego ostatnim razem widziałem w roli Karenina. Wydawało mi się, że jego bohater bardziej kocha Annę i cierpi z powodu jej niewdzięczności. Natomiast Marakulin jest bardziej zraniony niż psychicznie zdradą żony i bardziej martwi się o swoją zszarganą reputację niż o zniszczoną rodzinę.
Kitty – Natalya Bystrova. Ostatnim razem urzekła mnie Daria Yanvarina, tym razem spełniło się moje marzenie - zobaczyłam Bystrovą. Obie aktorki są urocze i romantyczne, można wczuć się w obie i obie mają złote głosy. W tej kategorii nie będzie faworytów, oba są dobre!

Levin – Denis Demkiw. Dla mnie także nowy aktor. W roli Levina podobał mi się zarówno wizualnie, jak i dramatycznie bardziej niż Vladislav Kiryukhin. Levin Kiryukhina był zbyt śmieszny i niezdarny, więc nie do końca wierzyłem w miłość Kitty do niego. Damkiv gra swoją postać bardziej romantycznie i wzruszająco, a razem z Bystrovą utworzyli bardzo delikatny i jasny duet. W przeciwieństwie do niszczycielskiej pasji Kareniny i Wrońskiego, ta para jest ucieleśnieniem miłości i harmonii.

Stiwa Obłoński – Andriej Aleksandrin. Ostatnim razem Maxim Novikov zabłysnął w tej roli ognistą solówką „Musisz żyć łatwiej, łatwiej, łatwiej”. Alexandrin też jest dobry – umiarkowanie imponujący, dumny, przystojny mężczyzna!

Księżniczka Betsy – Natalya Sidortsova. Była Katarzyna Wielka z „Hrabiego Orłowa” wniosła do roli księżniczki Betsy imponującą, ostrość i bezkompromisowość. Karine Asiryan, którą zobaczyłam po raz pierwszy, wydała mi się bardziej świecką, ciekawską plotkarką. Potępia Annę bardziej z nudów niż z potępienia. A Betsy Sidortsowej jest bardziej niebezpieczna i podstępna – uważa się za sędzię i demaskatorkę moralności, a prześladowania, jakie zadaje Annie na premierze opery, wyglądają jeszcze bardziej dramatycznie.

Menedżer – Andriej Birin. Moja ulubiona postać z pierwszego serialu. Jest jeszcze dwóch wykonawców tej roli, ale nawet nie chcę porównywać. Bardzo się cieszę, że po raz drugi przyjechałem do Birin. Jego głęboki głos i sugestywne nawyki stanowią główną atrakcję musicalu, a postać, która nie pojawiła się w powieści, odgrywa w musicalu jedną z głównych i zapadających w pamięć ról.

Patti – Olga Kozłowa. Nie pamiętam, kto grał ostatnim razem. Ale wtedy i teraz – Patti jest po prostu genialna, a jej głos można porównać do śpiewu aniołów. Słuchałbym i słuchał! Chcę, żeby taka Patti poszła na solowy koncert.

Hrabina Wrońska – Anna Guczenko. Ostatnim razem była wspaniała Lika Rulla, z wiekiem lepiej nadaje się na matkę Wrońskiego i odpowiednio zachowuje się wobec swojego „syna” - bardziej rygorystycznie i władczo. Zderzenie charakterów w tej parze jest ostrzejsze – oboje są silnymi osobowościami i każde chce postawić na swoim. Matka pragnie, aby syn wypełnił jej wolę, lecz syn buntuje się i przypomina mu, że jest już dorosły i nie będzie tolerował ingerencji w jego życie. Młoda Anna Guchenkova, postarzana makijażem, nie ustępuje swojemu starszemu koledze pod względem aktorskim i wokalnym, ma już wiele ról w musicalach. Ale jej interpretacja roli Wrońskiej jest inna - jej bohaterka nie wydawała mi się tak silną osobowością jak Lika Rulla. Jest raczej potulną matką, która martwi się o syna i życzy mu wszystkiego najlepszego, ale nie ma na niego wpływu, a jedynie udziela rad.

Jestem bardzo zadowolony z musicalu, mimo że to już drugi raz – ale oba akty i tak są bardzo proste. Cieszę się, że zobaczyłem Valerię Lanską, wniosła do musicalu jeszcze więcej dramatyzmu i pasji. Szczerze polecam każdemu – Anna Karenina jest warta obejrzenia chociaż raz. I przyjdę po raz trzeci - po żywe wrażenia i gęsią skórkę od występów na żywo i niesamowitej muzyki.

Swoją recenzję musicalu „Anna Karenina” muszę poprzedzić krótkim wstępem. Zatem ostrzeżenie: jeśli czule podchodzisz do tego spektaklu, jeśli z trudem znosisz krytykę, a zwłaszcza jeśli sam jesteś zaangażowany w produkcję, natychmiast zamknij tę stronę i przeczytaj recenzje innych autorów. Dasz sobie radę bez moich pism, a twoje nerwy będą nienaruszone.

No cóż, sezon muzycznych premier rozpoczęty. I osobiście to otworzyłem "Anna Karenina". To prawda, że niespodziewanie trafiłem na pokaz jeszcze przed oficjalną premierą (jeszcze raz dziękuję wszystkim, którzy przyczynili się do tego) i nie miałem pojęcia, jaki skład mi obiecano. Radość stała się jeszcze większa po zakupie programu i zapoznaniu się z nazwiskami artystów, którzy grali tego dnia. Naprawdę, gdybym osobiście, długo i przemyślanie wybrał termin wyjścia do Teatru Operetki, lepszego wyniku nie osiągnąłbym.

Problem był jeden: z góry byłem przekonany, że z pomysłu przeniesienia Lwa Nikołajewicza na scenę muzyczną nic dobrego nie wyniknie. Przynajmniej w tym przypadku. Bo przykłady były zbyt odkrywcze (no cóż, jak tu przemilczeć).

Ale wciąż nieśmiało liczyłem na najlepsze. A co jeśli wybuchnie?.. Niestety, nie wyszło. Już po pierwszej scenie sformułowałem swoją opinię na temat „Anny Kareniny”, która od tamtej pory nie zmieniła się ani na jotę: to bzdura.

Nie, nie, wychodząc z teatru i paląc konwulsyjnie przed wejściem, na próżno próbując dojść do siebie, słyszałem oczywiście tymi uszami liczne zachwyty innych widzów. Ale muzyczny Bóg ich osądzi, tych mało wymagających i wszystkożernych, życzliwych ludzi.

Długo zastanawiałem się, jak napisać recenzję. Ponieważ wszechogarniające: „To jest bzdura!” — z pewnością przekaże maksimum moich uczuć i emocji, ale nie zdradzi szczegółów. Złośliwe przekleństwa znudzą się już w drugim akapicie, a epitety w tekście szybko zaczną się powtarzać. I wtedy przypomniała mi się notatka o arcydziele skierowana do krytyka teatralnego. Ten:

Krzycząc „Eureka!” — Zatańczyłam tarantellę i teraz zaczynam pisać recenzję według odpowiedniego schematu…

8 października w Teatrze Operetki odbyła się długo oczekiwana premiera musicalu „Anna Karenina”. Miłośnicy gatunku wyczekiwali tego spektaklu i delektowali się rzekomymi szczegółami akcji, bo w produkcji brała udział dobrze znana widzom Alina Chevik.

Reżyser ten ma swój niepowtarzalny styl, który można rozpoznać od pierwszej chwili. Rzeczywiście, gdy tylko kurtyna się otworzy, od razu chcesz zawołać: „Tak, to jest Chevik!”

Najlepsze odkrycia reżysera przenoszone są ze spektaklu na spektakl. Należą do nich charakterystyczne mise-en-scène, niezliczone tańce i pozwolenie artystom na samodzielne poszukiwanie głębi roli, bez jakiejkolwiek presji reżyserskiej z góry. Reżyserkę można zrozumieć: po co wymyślać rower na nowo, skoro wiele lat temu znalazła tę samą kopalnię złota, która pozwala jej stosować te same techniki ku wielkiej radości widzów?

Sarkastyczny widz może zauważyć, że trudno rozpoznać, jakie przedstawienie dzisiaj ogląda. Przecież we wszystkich projektach Cevika obserwuje podobne tańce, dialogi i kostiumy. Nie mogę się zgodzić z tą uwagą. Pomyślcie sami: przed wejściem do teatru wisi plakat z nazwą dzisiejszego spektaklu. Jak można to czytać i nie rozumieć, co dokładnie pokazują Wam na scenie?

Wykonano wiele pracy , bo trzeba było nie tylko wyplenić najbardziej udane elementy produkcyjne „Monte Christo” i „Hrabiego Orłowa”, ale także ułożyć je we właściwej kolejności dla „Anny Kareniny”.

Chciałbym szczególnie zwrócić uwagę na łatwość prezentacji materiału. Jak wiadomo, do teatrów trafiają różni widzowie, także ci, którzy trafiają do świątyni sztuki przez przypadek. Oznacza to, że reżyser nie powinien uczynić spektaklu zbyt pretensjonalnym i przeładowanym warstwami planów.

Jak wiadomo, musical to gatunek rozrywkowy. Dlatego na reżyserze podejmującym smutną historię z tragicznym zakończeniem ciąży podwójna odpowiedzialność. Widzowi trzeba pozwolić się zrelaksować i nie popaść w zbytnią rozpacz. Cevik po mistrzowsku radzi sobie z tym zadaniem, zostawiając za kulisami wszystkie momenty, które można by zinterpretować dwuznacznie… A przynajmniej po prostu jakoś zinterpretować.

W rezultacie Alinie udało się stworzyć spektakl, który bez wątpienia można nazwać szczytem jej umiejętności. Zastosowane w poprzednich produkcjach ruchy i autorskie triki stały się obecnie głównymi technikami reżyserskimi. Chevik nie spieszy się i nie prowadzi twórczych badań. Z pomocą doświadczonego mistrza hojnie sieje w glebie swoje rozwiązania wydajnościowe, które zostały przetestowane publicznie.

Ciekawa interpretacja spektaklu pozwoliło nam pozostawić za kulisami większość powieści Tołstoja. Rzeczywiście dwie godziny musicalu to zbyt wąskie ramy, aby objąć wszystkie zawiłości fabuły. Dlatego w Annie Kareninie obserwujemy narrację linearną, nierozpraszaną drobnymi szczegółami. Oznacza to, że nawet widzowie, którzy nigdy nie czytali powieści, zrozumieją, co dzieje się na scenie.

Można odnieść wrażenie, że granica pomiędzy Levinem a Kitty jest zbędna, gdyż postacie te w minimalnym stopniu przecinają się z resztą fabuły. Pozwolę sobie jeszcze raz zakwestionować tę tezę. Pomyślcie sami: gdyby Levin pozostał poza fabułą, jak moglibyśmy cieszyć się scenami Peisan z żytem i błękitnym niebem na ekranie?

Zarówno reżyser, jak i autor libretta, stały Yuliy Kim, znają główną zasadę musicalu: aby widz się nie nudził, potrzebny jest nie tylko żywiołowy taniec, ale także zmiana sceny, a co za tym idzie – zmiana całościowego obrazu i projekcji na ekranie, którą publiczność przyjmuje z hukiem (nikt, nie będę twierdził, że w naszych czasach technika ta wciąż wygląda nowatorsko).

Sceptycy mogą stwierdzić, że spektakl okazał się nudny i nieciekawy, a jego zakończenie było przewidywalne. Mówią, że autorom udało się przedstawić znaną fabułę w taki sposób, że chce się ją oglądać wielokrotnie, ale „Kareninie” się nie udało. I znowu błąd.

„Anna Karenina” to opowieść, która daje twórcom możliwość nie tylko opowiedzenia historii miłosnej, ale także zaimponowania widzom splendorem XIX wieku, zanurzenia ich w historię własnego kraju i wprowadzenia w życie szlachetność i szyk (nie bez powodu te tezy są nieustannie powtarzane w notatkach prasowych).

Być może musical „Anna Karenina” skierowany jest przede wszystkim nie na umysł i słuch publiczności, ale na inny, nie mniej istotny zmysł - wizję. Szykowne kostiumy (przy ich tworzeniu ponownie kierowano się zasadą „Weź to, co najlepsze z poprzednich projektów”), pompatyczna przemieniająca sceneria (i tutaj wykorzystano bogate doświadczenie poprzednich produkcji), niekończące się projekcje – cały ten splendor wysuwa się na pierwszy plan i gra na pierwszych skrzypcach.

Jeśli chodzi o teksty poetyckie, nie sposób nie zauważyć próby autora jak najdokładniejszego przekazania publiczności ich treści. Większość fraz powtarza się kilkukrotnie, dzięki czemu najbardziej nieuważny widz zdaje sobie sprawę, o czym mówią bohaterowie.

Na szczególną pochwałę zasługuje próba tworzenia słowa. Zapamiętajmy zdanie: „Patti jest bardzo poszukiwana”. Wszyscy wiemy, co oznaczają „duże zapotrzebowanie” i „na skrzydłach”. Kim nie trzyma się szablonów i tworzy coś świeżego i nieznanego.

Z całą pewnością oświadczam, że podobnie jak dla Chevika, dla Kim „Anna Karenina” stała się kwintesencją talentu twórcy. Tutaj osiągnął pewien absolut, po którym inni autorzy będą się wstydzić pisać teksty do przyszłych projektów. Bo to jest szczyt, szczyt, Everest!..

Podobny obraz można zaobserwować w komponencie muzycznym. Kompozytor Roman Ignatiew skomponował wiele wspaniałych musicali, ale w końcu doszedł do wniosku, że w swojej twórczości trzeba polegać na tym, co najlepsze. Dlatego też stałemu widzowi Teatru Operetki wszystkie melodie z „Kareniny” będą wydawać się przyjemnie znajome. Tutaj zabrzmiały nuty z „Monte Christo”, a tutaj – plujący obraz „Hrabiego Orłowa”.

Każdy wie, że widz z reguły ma trudności z zaakceptowaniem dla siebie czegoś nowego. Przywita Annę Kareninę jak swojego własnego, bo wszystkie elementy spektaklu będą mu się wydawać znajome.

Doświadczony widz to zauważy że w musicalu jest dużo piosenek, a czasem nie niosą one żadnego ładunku semantycznego – czysto estetycznego. Twórcy dają nam maksymalne możliwości zanurzenia się w muzyce, a osobnym plusem jest to, że trudno znaleźć melodię wyróżniającą się na tle ogólnej serii. Jeśli w „Monte Christo” czy „Hrabiu Orłowie” pojawiały się czasem tak zwane „muzyczne filmy akcji”, to kontemplacja „Kareniny” nie sprawi, że oderwiesz się od strumienia dźwięku.

Niektórzy mogą powiedzieć, że melodie muzyczne są nudne. Te sprzeczki są zupełnie nie na miejscu, bo na sali mogą znajdować się widzowie, którzy spędzili nieprzespaną noc, a teraz mają szansę wygodnie zasnąć przy kojących dźwiękach „Kareniny”.

Podsumowując wszystko powyższe, zauważam, że oczywiście interpretacja „Anny Kareniny” budzi kontrowersje, ale ma prawo istnieć. Ostatecznie większość widzów akademii nie ukończyła studiów, ale tutaj są wprowadzani w klasykę w przystępny i muzyczny sposób. Tak, być może nie przeczytasz powieści ani nie obejrzysz ani jednego filmu, ale nadal będziesz przesiąknięty problemami bohaterów.

Wreszcie dostaliśmy kolejny musical, przeznaczony nie dla mądrych mądrali, ale dla masowego widza. Odpuść sobie polityka cenowa teatru wydaje się odważna, Można już powiedzieć, że w dniach, w których wystawiana jest Anna Karenina, sala Teatru Operetki będzie pełna.

Jestem pewien, że przedstawienie będzie się rozwijać z występu na występ, choć już dziś widać, że musical to prawdziwy diament. Nie jest to zaskakujące, ponieważ w tworzeniu „Kareniny” brały udział takie potwory gatunku jak Chevik i Kim.

A jeśli komuś nie podoba się nowy projekt, spieszę, aby cię zadowolić: Ciasta w formie bufetu są pyszne.

Cóż, mam szczerą nadzieję, że udało mi się przekazać moje przemyślenia na temat Anny Kareniny. A jeśli w najbliższej przyszłości odwiedzę ten spektakl ponownie, to tylko w gorączkowym delirium lub za dużą sumą pieniędzy przelaną na moją kartę.

Ale jest w tym musicalu połączenie, które jest nie tylko dobre, ale i świetne. mówię o artyści. Po raz kolejny projekt Teatru Operetki zjednoczył całą śmietankę aktorską, zmuszając biednych, niefortunnie utalentowanych ludzi do egzystowania w niewoli. (Tak, ale teraz będą słuchać, czytać wiele pochwalnych recenzji i naiwnie wierzyć, że „Karenina” jest fajna…)

Powiem więcej: to właśnie dzięki zaangażowanym w spektakl artystom wielu pozytywnie ocenia „Kareninę”. Kretyńskie libretto z brakującą fabułą, tekstami idiotycznymi, drugorzędnymi i nieciekawymi – bzdura. Aktorzy są inteligentni i dlatego mi się to podobało.

I sądzę, że nawet wysiłki wielkich artystów, próbujących wycisnąć z płaskich, niepisanych postaci jak najwięcej (przepraszam, ona, ona), nie czynią „Kareniny” choćby w najmniejszym stopniu godną pokazania w centrum Moskwy.

Opowiem wam trochę o tych, których widziałem.

Książę i księżniczka Szczerbackie – Wiaczesław Shlyakhtov i Elena Soshnikova. Drobne filmy, w których możesz jedynie pochwalić się swoimi kostiumami. Ale nawet z tej „świetności” Szlachtow i Sosznikowa wyłaniają się w całej okazałości. I tak, nie pozwolili mi śpiewać - tylko w zespole.

Hrabina Wrońska – Anna Guczenko. Ile razy biednej Annie można przydzielać role odpowiednie do wieku... Bohaterka, jak wszyscy, jest niczym, za sprawą autora libretta i reżysera (nie będę już powtarzać tych sformułowań, można je ekstrapolować na wszyscy inni). Ale potem Guczenkowa. Oznacza to, że jest to przyjemność dla oczu i uszu (dziękuję, pozwolili mi cieszyć się wokalem Anny).

Patti – Oksana Lesnichaya. Pojedyncza scena składająca się z jednej piosenki. I napisałbym, że nie rozumiem sensu takiego włączenia, gdyby nie to, co pokazała Lesnichaya. To jest to, co mi się podobało.

Menedżer – Maksim Zausalin. Osoba, która wywołuje opinię: „To bzdura!” - zamienił się w: „To drań i Zausalin”. Nie tylko ze względu na niezaprzeczalny talent Maxima. Tyle, że jego postać wydaje się egzystować w jakościowo i ideologicznie odmiennym przedstawieniu. Jest „Anna Karenina” – banalna, nudna, zwyczajna, a potem są steampunkowe sceny z menadżerem. Ta postać to lokalny Der Todd, „demon Kareniny”. Nie mam pojęcia, co gryzło Cevik, kiedy inscenizowała te momenty. Ale gdyby tylko reszta była choć trochę podobna do oryginałów, byłoby cudownie. Menadżer jest ciekawy do oglądania i w ogóle wyróżnia się z tłumu innych artystów. Wydaje się, że przy masie wspólnie opracowanych projektów ludzie dobrze się ze sobą dogadywali i pracują w tym samym duchu. A oto Zausalin, istniejący na własnych falach. Ogólnie rzecz biorąc, gdyby nie Maxim, prawdopodobnie umarłbym z nudów w teatrze.

Księżniczka Betsy – Natalya Sidortsova. Nigdy nie wybaczę produkcjom, które nie wykorzystują w pełni talentu Sidortsowej. Tak właśnie jest w „Kareninie” – niby jest postać, ale po co?.. Usuńcie tę Betsy z musicalu – nic się nie zmieni. Nie niesie ze sobą żadnego obciążenia semantycznego. Natasza oczywiście jest wspaniała zawsze i wszędzie, ale przepraszam… rola nie jest na jej skalę.

Stiwa Obłoński – Andriej Aleksandrin. No cóż, nadchodzimy... Podobał mi się Alexandrin! Nie kłamię, szczerze! Mimo że grał w to strasznie, nadal wyglądał uroczo. I śpiewał dobrze. Oto moje nowe spojrzenie na teatr.

Konstantin Levin – Władysław Kiryukhin. To także rola, którą spokojnie można wyrzucić (Kotek poradziłby sobie bez niego – cóż, biorąc pod uwagę umiejętność Teatru Operetki wyodrębniania postaci i wątków z fabuły). Ale jest też plus: można się po prostu cieszyć obecnością na scenie Kiryukhina, który dużo śpiewa. Choć wolałabym dla niego jaśniejszy charakter.

Kitty Szczerbacka - Daria Yanvarina. To jedyny, który mi się tak naprawdę nie podobał. Może się martwiłem, rozumiem. Ale aktorsko nie byłem przekonany (o co w tym wszystkim chodziło?..), ale wokalnie podciągnąłem się do drugiego aktu. Chociaż to też nie jest fontanna.

Aleksiej Karenin – Aleksander Marakulin. Czy powinnam tu coś napisać, czy po prostu jeszcze raz zanotować, że „nie ma nic piękniejszego niż Marakulinaaa”?.. Nie, zupełnie nie jest jasne, dlaczego Anna nie była zadowolona z takiego męża. Nie mówię jednak tylko o talencie i charyzmie Marakulina, ale także – po raz kolejny – o klarowności libretta.

Aleksiej Wroński – Siergiej Li. Absolutnie wspaniały Wroński w danych warunkach. No cóż, jak mogłoby być inaczej, skoro mówimy o Lee? Tak, idź i zrozum, co stało się z Anną w finale, skoro Wroński tak wzruszająco śpiewa o tym, jak ona rzekomo go obwinia i w końcu nie rozumie (na scenie nie pokazują nam czegoś takiego). Ale jeśli zaoferujemy nam Siergieja Lee w musicalu, to na pewno będzie cudownie.

Anna Karenina – Olga Belyaeva. Jedyna Anna, na którą początkowo się zgodziłam (i nawet nie będę tego ukrywać). I byłem taki szczęśliwy. Niestety, i tutaj libretto płatało figle. Najważniejsze, że powód wrzucenia pod pociąg jest niejasny – Olga zrobiła jednak wszystko, co w jej mocy, aby usprawiedliwić działania i myśli swojej bohaterki. Było potężnie i przenikliwie... A wokal... Wcześniej wierzyłam, że tylko Sidortsova poradzi sobie z partiami Anny. Teraz wiem - także Belyaeva. Ostatnia piosenka Kareniny jest czymś wyjątkowym. Warto w tym miejscu zaznaczyć, że jest on także bardzo ciekawy melodycznie, stylistycznie wyróżniający się na tle reszty materiału. A kiedy Olga to zaśpiewała... Nie, nie wybaczyłam musicalowi nudności i bezsensu i nie chciałam go oglądać ponownie, ale po skórze przeszła mnie gęsia skórka. Jeśli więc nagle chcesz obejrzeć Annę Kareninę, wybierz daty Belyaevy.

To bardzo smutne, że jesteśmy zapchani takimi dziełami, nazywając je musicalami. To podwójnie smutne, że ta rzecz będzie miała swoich fanów – i to w dużych ilościach. Potrójna szkoda, że ludzie znający i ceniący gatunek wymyślają dla Kareniny wymówki, szukają pozytywów i odkopują wyimaginowane perły w stosie znalezisk z Chevika.

Co ze mną? Będę się tylko cieszyć, że ostatnia pieśń po nabożeństwie w końcu zakończy się nie słowem „miłość”, ale słowem „szczęście”. Jest już pewna ewolucja...

PS. I o orkiestrze na żywo nic nie napiszę, bo jej obecność to oczywiście ogromny plus, ale dołączę do tych widzów, którzy uważali, że fonogram często brzmi negatywnie... Może jestem głuchy, nie nie kłócić się.

Musical oparty na rosyjskiej klasyce literatury zawsze budzi pewien skandal. Moskiewska publiczność jest przyzwyczajona do importowanych historii z Broadwayu, jednak obawia się decyzji o „usłyszeniu” jednego z filarów literatury rosyjskiej. Nic więc dziwnego, że musical „Anna Karenina” stał się najchętniej omawianym wydarzeniem teatralnym ubiegłorocznej jesieni. Kiedyś Dostojewski nazwał powieść Tołstoja „ogromnym psychologicznym rozwojem ludzkiej duszy” - niektórzy krytycy teatralni narzekali, że w muzycznej adaptacji historii miłosnej Kareniny nie pozostało wystarczająco dużo z tego „rozwoju psychologicznego”. Za podstawę musicalu można przyjąć dowolne źródło; najważniejsze jest, aby pamiętać, że musical i to źródło będą realizować różne cele artystyczne i znajdować się na różnych płaszczyznach estetycznych. Dla masowego widza, sądząc po popularnych recenzjach filmów i seriali, decydujące jest kryterium bliskości tekstu: nie jest w stanie wybaczyć najwybitniejszej muzyki czy ociężałych postaci, ale nie „oryginalnego odczytania”.

Dlatego pracując nad spuścizną Tołstoja, zespół twórczy musicalu „Anna Karenina” wykazał się niemal religijną powagą. W rezultacie masowe sceny „salowe” wydają się duszne ze względu na obfitość krynolin i peruk, stylistycznie nawiązują raczej umownie do awangardowych tańców w scenach „ulicznych”. Na szczęście bóle porodowe Kareniny nie są pokazywane widzom, ale podczas przedstawienia dwukrotnie na scenie pojawia się chłopiec, Seryozha Karenin, który wypowiada tylko jedno słowo (zgadnij jakie). Producenci musicalu Władimir Tartakowski i Aleksiej Bolonin mówią, że dzięki postaci Siergieja Karenina udało im się przekazać widzowi skalę działań głównego bohatera: „Jeśli kobieta zdecyduje się opuścić ukochane dziecko, jaka więc jest siła jej uczuć do Wrońskiego!” Nadmiar koloru w akcji rekompensuje znakomita scenografia Wiaczesława Okuniewa i projektanta oświetlenia Gleba Filsztinskiego.

Postaci kluczowych bohaterów nie można nazwać szkicowymi, choć często ma to miejsce w przypadku „lekkiego” gatunku muzycznego. Nie ma postaci negatywnych, a nawet po prostu odrażających lub demonicznych - to dobry znak. Aleksiej Karenin budzi tyle samo współczucia, co Anna Karenina. Wśród bohaterów musicalu jest jeden – niejaki Menedżer – którego nie ma w powieści Tołstoja: postać średnia, która pojawia się w różnych obrazach, gdziekolwiek jest obecna Anna. Producenci opisują go następująco: „To przewodnik woli sił wyższych na ziemi. Początkowo był pomyślany jako konduktor, który dyktuje pasażerom zasady zachowania i warunki w „pociągu życia”. To on ustala „zasady postępowania” bohaterów, nadaje warunki gry i ton całemu przedstawieniu. On jest przeznaczeniem.” Strefa wpływu Menedżera jest znacznie większa niż stacja. W najbardziej dramatycznej scenie z jego udziałem bohater nie wypowie ani słowa - w tym momencie Anna wysłucha divy operowej Patti, która śpiewa: „Ugaś mnie winem, orzeźwij mnie owocami”. Nawiasem mówiąc, wers ten nawiązuje do podobnej pieśni z Pieśni nad Pieśniami: „Wzmocnij mnie winem, orzeźwiaj mnie jabłkami, bo osłabłem z miłości” – to „jajko wielkanocne” pozostawione w tekście przez autor libretta, Julius Kim.

Mocną stroną musicalu „Anna Karenina” jest obsada. Rolę Wrońskiego otrzymali Siergiej Lee i Dmitrij Ermak – ten ostatni został w zeszłym roku nagrodzony Złotą Maską za rolę Upiora w operze. W różnym czasie obaj wykonawcy ról Aleksieja Karenina byli nominowani do Złotej Maski: Igor Balalaev i Alexander Marakulin. Valeria Lanskaya i Ekaterina Gusiewa tworzą niesamowitą Annę: na początku powściągliwą, pod koniec szaloną i zdezorientowaną. Ekaterina mówi, że pracując nad rolą, zmieniła swój stosunek do bohaterki, która wcześniej nie wywoływała w niej reakcji emocjonalnej: „Anna Julia Kima jest miłością samą w sobie! Zeszła skądś nad nami, zaszeleściła, dotknęła nas i odeszła. Nie ma dla niej miejsca na naszej ziemi, nikt nie jest w stanie jej przyjąć. I Wroński poniósł porażkę. To ziemski, zwyczajny człowiek, jeden z wielu. Spadła na niego lawina wszechogarniającej miłości, a on się załamał, nie miał nic, co mógłby odpowiedzieć na tak wszechogarniające uczucie. Przestałem oceniać, zakochałem się w mojej Annie, jest mi jej bezgranicznie żal. I cieszę się, że mam okazję wyjść na scenę w tej roli. Istnieć w przeszywającej muzyce Romana Ignatiewa, kochać, umierać, rodzić się na nowo i kochać na nowo.” Bohaterka Gusiewy wywołuje silną reakcję emocjonalną: opuszcza pokój ze łzami w oczach. Oznacza to, że magia działa i kwestia żywotności musicalu „Anna Karenina” może być zamknięta.

Dziś wieczorem pojechaliśmy z żoną do teatru operetki na ten musical.
Pragnąłem tego od dawna. Nie ma mowy. Postanowili więc, jak zawsze, zrobić to zaimprowizowani. Bez biletów w ręku. Żona się martwiła – jak się dostaniemy, jeśli w Internecie będzie napisane, że wszystkie bilety zostały sprzedane? Byłem spokojny. I intuicja mnie nie zawiodła.
W kasie w sprzedaży był tylko balkon drugiego poziomu, ostatni rząd. 400 rubli za sztukę. Ogólnie rzecz biorąc, na odludziu. Nie potrzebujemy takiej sytuacji hokejowej - zdecydowałem i wyszliśmy na zewnątrz. Wtedy podszedł do nas kolczasty, inteligentny facet i zaproponował bilety do amfiteatru za 2500 re. Wiedziałem, że tam jest taniej, ale żona tak bardzo chciała iść na musical, że wyciągnąłem czerwoną kartkę i dałem wujkowi. Później okazało się, że po mojej lewej stronie siedziały dwie panie, które również kupiły bilety w spikulu, tyle że za 3000 rubli. A po naszej prawej wylądowała para, której udało się kupić bilety po 4500 od osoby. Więc nie ucierpieliśmy jeszcze tak bardzo finansowo. Odnośnie sąsiadów.
Ale miejsca, niestety, nie były wspaniałe. Rząd 7, ostatni amfiteatr. Z tyłu jest tylko ściana. Jeśli chcesz iść na ten musical, lepiej kupić 1. rząd koła sukni, skąd będziesz doskonale widzieć. Miałem jednak jedną niewątpliwą zaletę – mogłem filmować kamerą wideo to, co się działo, bo za mną nie było żadnych kasjerów Cerberusa, którzy natychmiast reagowaliby na takie próby. I dzięki temu nakręciłem mnóstwo materiału do musicalu, a także nakręciłem 10-minutowy film.

Krótko o wrażeniach. Lepszego musicalu w życiu nie widziałem. Mieliśmy też szczęście, że znaleźliśmy się w pierwszym składzie. Rolę Anny Kareniny zagrała wspaniała Katia Gusiewa, a rola Wrońskiego jest Dmitrij Ermak. To on wystąpił jako solista w musicalu „Upiór w operze”.

Oto oni w jednej ze scen musicalu.

Na scenie spotkania na stacji Anna wyjeżdża do Petersburga.

Levin (Vladislav Kiryukhin) i Kitty Shcherbitskaya (Natalia Bystrova).

Hrabina Wrońska (Anna Gurczenkowa)

Stiva Oblonsky (Andrey Alexandrin)

Niezrównana Katia Gusiewa (Anna Karenina)

Artyści kłaniają się.

Nastroje po występie były świetne! Teraz będę czekać na udostępnienie pełnej wersji musicalu w Internecie. Mówią, że DVD jest usuwane w celu przyszłej sprzedaży.
Gorąco polecam wszystkim wizytę u Anny Kareniny. Podobało mi się tam dosłownie wszystko! Muzyka, głosy, gra aktorska, scenografia, kostiumy. A to, co zrobiło na mnie największe wrażenie, to fakt, że słychać każde słowo wykonawców. To nie zawsze się zdarza. Na przykład w „Hrabiu Orłowie” muzyka często zagłuszała głos piosenkarza lub piosenkarza. Dopiero później zrozumiałem to wszystko po obejrzeniu klipu wideo. A tu - pełna jasność.

Wynik - 10 punktów na 10!

Na zakończenie - mój filmik z fragmentami musicalu.