Meesterwerken van Byzantium. Meesterwerken van de Byzantijnse kunst worden tentoongesteld in de Tretyakovgalerij
Gisteren binnen Tretjakovgalerij De tentoonstelling “Meesterwerken van Byzantium” werd geopend als onderdeel van het jaar van interculturele communicatie tussen Rusland en Griekenland. De gepresenteerde iconen, geïllustreerde manuscripten en kleine plastic voorwerpen uit musea en privécollecties in Griekenland behoren tot verschillende tijdperken (van de 10e tot de 16e eeuw), stilistische stromingen en territoriale stromingen en geven een idee van de diversiteit en rijkdom van het artistieke erfgoed van het grote Oost-christelijke rijk.
Het unieke karakter en de waarde van de tentoonstelling zijn moeilijk te overdrijven. Ten eerste is Byzantijnse kunst nogal slecht vertegenwoordigd in binnenlandse musea, en de aandacht voor deze rijke en interessante cultuur in ons land is onverdiend weinig. (Dit weerspiegelt zowel het vooroordeel van het Sovjettijdperk tegen het spiritueel en kerkelijk georiënteerde erfgoed, als de moeilijkheid voor de gemiddelde, slecht voorbereide moderne kijker om deze verfijnde, verfijnde en sublieme kunst waar te nemen).
Ten tweede is elk van de gepresenteerde objecten een absoluut meesterwerk, elk is een welsprekende getuige van de diepte van het filosofische begrip van het bestaan, het hoogtepunt van het theologische denken en de intensiteit van het spirituele leven van de hedendaagse samenleving.
Het vroegste exemplaar dat op de tentoonstelling te zien is, is een prachtig zilveren processiekruis uit het einde van de 10e eeuw, gegraveerd met afbeeldingen van Christus, Onze-Lieve-Vrouw en heiligen. De strengheid van de lijnen en de perfectie van proporties die kenmerkend zijn voor die tijd, worden aangevuld door de gratie van fijngetekende gegraveerde medaillons die Christus Pantocrator, de Moeder van God en heiligen uitbeelden.
NAAR XII eeuw verwijst naar het rode achtergrondpictogram “De opwekking van Lazarus”, een meesterwerk uit de zogenaamde “Comneniaanse Renaissance”. Harmonie van proporties, verfijning en plasticiteit van gebaren, volle, driedimensionale figuren, expressieve scherpe blikken - karaktereigenschappen tijdperk. Dit is een tijd van terugkeer naar de oude principes, waarvan de Byzantijnse kunst echter, in tegenstelling tot de West-Europese kunst, nooit radicaal afscheid heeft genomen. Daarom kunnen dergelijke perioden van bijzondere belangstelling voor de esthetiek van de oudheid, met betrekking tot Byzantium, slechts voorwaardelijk ‘renaissances’ worden genoemd.
In deze context is de icoon van de Heilige Grote Martelaar George zeer interessant, die een zeldzaam voorbeeld vertegenwoordigt van de onderlinge penetratie van westerse en oosterse tradities. Het reliëfbeeld van de heilige in het midden behoort tot de zogenaamde ‘kruisvaarderskunst’ uit de 13e eeuw, toen Constantinopel bijna een eeuw lang onder de heerschappij van westerse ridders stond en ambachtslieden uit Europa in de oostelijke hoofdstad arriveerden. Het genre van het geschilderde reliëf zelf, kenmerkend voor gotische beelden, heeft een afgerond, licht geprofileerd volume, een enigszins provinciale expressiviteit van de figuur met grote handen en hoofd, lokale, felle kleuren zijn duidelijke kenmerken van ‘barbaarse’ kunst. De glanzende gouden achtergrond en de verfijndere beschildering van de keurmerken verraden echter de hand van een Griekse meester. In de hagiografische afbeeldingen in de marge vallen de fractionele vormen van de juwelier, de sierlijke plasticiteit van figuren, meer genuanceerde kleuren, ondersteund door de kleuren van het centrum, en subtiele langwerpige gelaatstrekken op.
De achterkant van de icoon met de afbeelding van de heilige martelaren Marina en Irina brengt ons opnieuw terug naar de expressiviteit van de ‘kruisvaarder’ met benadrukte, grote gelaatstrekken, ‘pratende’ handen en expressieve blikken. De glans van gouden ‘lichten’ in het gewaad van Christus onthult echter de onvoorwaardelijke bewondering van de auteur voor de modellen van Constantinopel in de hoofdstad.
Van alle meesterwerken in de tentoonstelling is vooral het prachtige dubbelzijdige icoon van Onze Lieve Vrouw Hodegetria en de Kruisiging uit het Byzantijnse en Christelijke Museum in Athene, daterend uit de 14e eeuw, indrukwekkend. Het monumentale, halve lengte beeld van de Moeder Gods met het Kind in haar armen is gemaakt in de beste tradities van de school van de hoofdstad Constantinopel uit het Palaiologan-tijdperk. Dit is de statige figuur van Maria, een elegant silhouet dat afsteekt tegen een gouden achtergrond, en de gratie van gebaren, en haar buitengewoon mooie gelaatstrekken: amandelvormige ogen, een dunne neus, een kleine ronde roze mond, een gezwollen, meisjesachtige ovaal van het gezicht. Het zou een bijna aardse, sensuele schoonheid zijn, ware het niet dat de uitstraling van een andere wereld dit volmaakte gezicht zou doorboren met stralen van gaten en het zou verlichten met spiritueel licht.
Sinds het midden van de 14e eeuw weerspiegelt de schilderkunst nieuwe theologische leringen en spirituele ervaring Hesychast-monniken, volgelingen van St. Gregory Palamas, over ongeschapen goddelijke energieën. Het is dit licht, de harmonie van de stilte die de scherp expressieve compositie van de kruisiging van Christus op de achterkant van de icoon transformeert in een bovenalledaags en boven-emotioneel beeld, vol stil verdriet en gebedsvol branden. Tegen een lichtgevende gouden achtergrond lijkt de figuur van de rouwende Maagd Maria in glanzend blauwe gewaden op een kaars met een vlam naar boven gericht. Het is belangrijk op te merken dat met alle verlenging en verfijning van de verhoudingen de oude basis van het hele artistieke systeem van de Byzantijnen elk detail ademt: de pose van de in tranen gebogen apostel Johannes weerspiegelt bijvoorbeeld de ronding van het lichaam van Christus, wat de statische compositie beweging en vibratie geeft.
Daterend uit het begin van de 14e en 15e eeuw is een groot icoon van de heilige martelaar Marina, uiteraard geschilderd in dezelfde laat-paleologische traditie als “Onze Lieve Vrouw Hodegetria met de Twaalf Feesten” uit de tweede helft van de 14e eeuw . De mooiste gouden ruimtes doordringen deze beelden, het licht trilt en verlevendigt, spiritualiseert de beelden.
Op de tentoonstelling zijn ook verschillende post-Byzantijnse iconen te zien, geschilderd na de val van Constantinopel in 1453. Kreta werd in die tijd een belangrijk artistiek centrum, maar geleidelijk verloor de Griekse iconenschilderij de monumentale expressiviteit en spirituele intensiteit van beelden die de werken van hun voorgangers onderscheidden.
In het beeld van Onze Lieve Vrouw Cardiotissa uit de eerste helft van de 15e eeuw kun je al de neiging voelen tot een ornamentalisatie van een raster van ruimtes, naar de complexiteit van poses, die tegelijkertijd onnatuurlijk ontplooid, gebroken en bevroren zijn.
Het icoon van Sinterklaas, gemaakt rond 1500, onderscheidt zich door de duidelijke invloed van de Italiaanse renaissancekunst op het gebied van kleur en interpretatie van plooien. Interessant is de iconografie van de heilige op de troon, die wijdverspreid werd in de post-Byzantijnse kunst.
Zowel de manuscripten als de objecten van decoratieve en toegepaste kunst die naar de tentoonstelling worden gebracht, zijn uniek. Samen met prachtige iconen dompelen ze de kijker onder in de sublieme en verfijnde wereld van de Byzantijnse beeldtaal. Ze lijken voor onze ogen reflecties te reconstrueren van die pracht die voortkwam uit het oude idee van schoonheid, oosterse expressie en christelijke spirituele volheid.
Het belangrijkste in deze kunst, net als in deze tentoonstelling, is de toestand van bovenaardse verhevenheid en gejuich van de geest, die elk beeld, elke getuigenis van dat verbazingwekkende land doordringt, waar theologie niet het lot was van een selecte minderheid, maar de basis van het leven van het rijk, waar het koninklijk hof soms als een klooster leefde, waar grootstedelijke verfijnde kunst zowel in afgelegen streken van Noord-Italië als in grot tempels Cappadocië. We hadden het geluk de onbekende facetten van dit culturele continent te mogen aanraken, waaruit ooit de enorme boom van de Russische kunst groeide.
Maar. Matrons zijn dagelijkse artikelen, columns en interviews, vertalingen van de beste Engelstalige artikelen over familie en onderwijs, redacteuren, hosting en servers. Zodat u begrijpt waarom wij uw hulp vragen.
Bijvoorbeeld 50 roebel per maand - is het veel of weinig? Een kop koffie? Niet veel voor een gezinsbudget. Voor Matrons - veel.
Als iedereen die Matrona leest ons steunt met 50 roebel per maand, zullen ze een enorme bijdrage leveren aan de mogelijkheid om de publicatie te ontwikkelen en aan de opkomst van nieuwe relevante en interessante materialen over het leven van een vrouw in moderne wereld, gezin, kinderen opvoeden, creatieve zelfrealisatie en spirituele betekenissen.
Over de auteur
Kunstcriticus, specialist in Byzantijnse schilderkunst, curator van tentoonstellingsprojecten, oprichter van zijn eigen galerie voor hedendaagse kunst. Het allerleukst vind ik het om over kunst te praten en te luisteren. Ik ben getrouwd en heb twee katten. http://arsslonga.blogspot.ru/
Het kruisjaar van Rusland en Griekenland eindigt met een cultureel project dat vandaag van start gaat in de Tretyakov Gallery - de tentoonstelling "Meesterwerken van Byzantijnse kunst". Unieke monumenten uit de X-XV eeuw, verzameld uit Griekse musea en privécollecties. Bezoekers kunnen zich de geschiedenis van het grote rijk voorstellen en de wederzijdse invloed van de tradities van de oosterse en westerse christelijke kunst traceren.
Artefacten van de verdwenenen Byzantijnse rijk. Het vroegste is een kerkkruis uit de 10e eeuw. Tijdgenoot van de doop van Rus'. In het midden bevindt zich een ander metaal, niet het originele. Het inzetstuk verscheen toen een relikwie, een stuk van het Heilig Kruis, hieruit werd gescheurd.
“Jij en ik zien de twee handen van de grote martelaar, die naar Christus zijn opgeheven. En zijn figuur is hier duidelijk zichtbaar, volumineus. Het lijkt bijna uit het oppervlak van de icoon te komen, vanuit het vlak van de icoon naar ons, naar degenen die bidden”, zegt tentoonstellingscurator Elena Saenkova.
De curator van de tentoonstelling bevindt zich bij het 'volumetrische' icoon - deze verschenen in de 13e eeuw, na de komst van de kruisvaarders. Twee christelijke werelden kwamen met elkaar in botsing: de westerse en de oosterse. De snijtechniek, kleding en zelfs het schild aan de voeten van St. George zijn Europees en de schildertechniek is Byzantijns.
En dit zijn niet alle verrassingen van Byzantijnse meesters. Dubbelzijdige iconen zijn een zeldzaamheid. Deze, uit het einde van de 14e eeuw, toont bijvoorbeeld de kruisiging van Christus aan de ene kant en de Moeder van God aan de andere kant. Dergelijke iconen worden ook wel processie genoemd, dat wil zeggen dat ze eraan deelnamen kerkdiensten, feesten, religieuze processies. Maar het meest interessante is dat kunsthistorici suggereren dat ze zich op een speciale manier in de tempel bevonden. De ene kant was gericht naar de aanbidders, dat wil zeggen hier. En de andere kant - binnen het altaar, richting de geestelijkheid.
De verdroogde randen, hier en daar verloren kleuren en op sommige plaatsen de opzettelijk weggeslagen heiligengezichten zijn schokkender dan de gerestaureerde afbeeldingen. Deze iconen ademen tijd, leven in elke scheur, ondanks alle veroveraars van Byzantium.
“Toen de Turken Constantinopel innamen, begonnen ze de versiering van kerken te vernietigen en iconen te misvormen: ze trokken de ogen en gezichten van heiligen uit”, zegt Fedra Kalafati, een medewerker van het Byzantine and Christian Museum.
De unieke 18 tentoonstellingen waren afkomstig uit musea en privécollecties in Griekenland. Dit bezoek is een tegenbezoek: in het najaar van 2016 vond in Athene een tentoonstelling van Russische iconen plaats. Het crossjaar Rusland-Griekenland is op de kalender al geëindigd, maar wordt nu feitelijk afgesloten.
Het evangeliemanuscript uit de 14e eeuw bevindt zich in een kostbare omgeving, met rijke miniaturen, perfect bewaarde tekst en aantekeningen in de kantlijn. De basis is kalfsleer van de beste kwaliteit.
Vlakbij is een nog minder bekende "lucht" - een geborduurde omslag voor de Heilige Gaven. Het werd gebruikt tijdens de liturgie. Afgaande op het patroon bedekten ze wijn. Zelfs de draden behouden hun helderheid van Byzantijnse meesters, omdat de kleurstoffen zijn gemaakt van natuurlijke pigmenten. Cinnaber is rood, lapis lazuli is blauw, oker is vleesoranje. Het palet is klein, maar hoe vakkundig hebben de kunstenaars ermee omgegaan.
“Het kijken naar deze iconen is een groot genot voor het oog, omdat dit het mooiste schilderij is, het mooiste werk met verf, met kleur, met goud”, zegt directeur van de Staat Tretjakovgalerij Zelfira Tregulova.
En ook - details. Het lijkt erop dat dit een canoniek beeld is van de Moeder Gods met het Kind, maar hoe menselijk en speels glijdt de sandaal van een van de voeten van Christus.
Nieuwe tentoonstelling in de Tretyakov Gallery - “Meesterwerken van Byzantium”. Dit zijn achttien tentoonstellingen uit Griekse musea. Hun ouderdom varieert van het einde van de 10e eeuw tot het begin van de 16e eeuw, toen het Oost-Romeinse rijk niet meer bestond en de naam Byzantium nog niet bestond. De zeldzaamste voorbeelden van iconenschilderij bevinden zich naast de zalen van oude Russische kunst. Je kunt dus meteen de werken van de grondleggers van de stijl en hun studenten vergelijken, waaronder de grootste van hen, Andrei Rublev.
Voltaire geloofde dat de Byzantijnse cultuur als geheel een verzameling pompeuze uitdrukkingen en beschrijvingen van wonderen was die de menselijke geest oneerde. Het was tijdens het tijdperk van de verlichting, zoals algemeen wordt aangenomen, dat alle mythen over Byzantium, over zijn despotisme, bijgeloof, hebzucht en moreel verval, ontstonden. Zoals je weet is het niet de moeite waard om mythen te bestrijden. We moeten studeren. Tentoonstelling Byzantijnse meesterwerken- een zeer nuttig studieonderwerp, het staatshoofd toonde er belangstelling voor.
De tentoonstelling “Meesterwerken van Byzantium” is ontworpen met de ascese van een kloostercel. Maar zoals je weet, is alles wat echt de moeite waard is niet erg indrukwekkend. Normaal gesproken nemen correspondenten vóór het filmen altijd contact op met de tentoonstellingscurator om de exploitant een opdracht te geven: wat moet worden gefilmd en wat kan worden overgeslagen. Maar deze keer kreeg Culture News het advies om alle exposities te verwijderen. Er zijn hier geen secundaire werken.
“Eerste helft van de 14e eeuw. "Kruisiging" is een dubbelzijdig pictogram. Dit is echt een meesterwerk. Constantinopel meesters, kapitaalwerk. Kijk hoe minimalisme artistieke middelen maximale expressiviteit wordt bereikt! Er is hier goud, we zien verschillende tinten blauw en verschillende tinten oker. Niks anders. Kijk naar de rijkdom aan kleuren”, zegt tentoonstellingscurator Elena Saenkova.
Op deze tentoonstelling kun je zowel briljante voorbeelden zien van iconenschilderij gemaakt in de werkplaatsen van Constantinopel voor de kathedralen van de hoofdstad, als afbeeldingen geschilderd in de stilte van kloostercellen voor kleine provinciale kerken. Er zijn er ook, waarvan je niet kunt zeggen dat dit een icoon is.
“Heilige Grote Martelaar George. Dit is eigenlijk een beeldhouwwerk van hout, beschilderd, omgeven door de sporen van de grote martelaar. De traditie van geschilderd reliëf is niet typisch voor Byzantium. Dit is de eerste ontmoeting tussen Byzantium en het Westen”, legt Elena Saenkova uit.
Degenen die denken dat er in de Tretyakov Gallery een tentoonstelling over de kunst van Byzantium is geopend, hebben het mis. Deze tentoonstelling gaat niet over kunst en zelfs niet over Byzantium zelf. Het gaat over iets onmetelijk groters, waar de kruisvaarders die het rijk teisterden, ook niet in slaagden vroege XIII eeuw, noch de Ottomanen, die Byzantium in het midden van de 15e eeuw veroverden. Byzantium werd alleen echt begrepen in Rusland.
“Het bijzondere van deze tentoonstelling is niet alleen dat Byzantijnse kunst voor het eerst in de galeriezalen wordt getoond. Voor het eerst hebben we de kans om echt de oorsprong te ervaren van alles wat we Rusland, Rusland, het Heilige Rus noemen”, zegt Natalya Sheredega, hoofd van de oude Russische kunstafdeling van de Tretyakov Gallery.
Vladimir Poetin, die afgelopen zomer de berg Athos bezocht voor de vieringen gewijd aan het millennium van de Russische aanwezigheid op de Heilige Berg, was een van de eerste tentoonstellingen waarbij een klein icoon werd getoond dat op de tentoonstelling werd gepresenteerd. Directeur van de Tretjakovgalerij Zelfira Tregulova zegt: de stilistische kenmerken van de icoon werden later overgenomen door Russische iconenschilders.
Een nog ouder monument van Byzantium is een zilveren processiekruis uit het einde van de 10e eeuw. Het was toen dat Rus het christendom adopteerde. Misschien heeft Sint Prins Vladimir zijn volk met hetzelfde kruis gedoopt.
De tentoonstelling toont vijf eeuwen briljante Byzantijnse cultuur. Er zijn hier tentoonstellingen die de achteruitgang ervan formeel aantonen. De icoon van Sint-Nicolaas werd bijvoorbeeld 50 jaar na de val van Byzantium geschilderd. Maar in werkelijkheid leeft Byzantium nog steeds en niet alleen in de monumenten van iconenschilders die na de ineenstorting van het rijk naar Kreta vertrokken. Allereerst leeft het in de cultuur van Rus, de erfgenaam van Byzantium.
De tentoonstelling “Meesterwerken van Byzantium” is een geweldig en zeldzaam evenement dat je niet mag missen. Voor het eerst werd een hele verzameling Byzantijnse iconen naar Moskou gebracht. Dit is vooral waardevol omdat het niet zo eenvoudig is om een serieus idee te krijgen van de Byzantijnse iconenschilderij uit verschillende werken in het Poesjkinmuseum.
Het is bekend dat alle oude Russische iconenschilderijen voortkwamen uit de Byzantijnse traditie, en dat veel Byzantijnse kunstenaars in Rus werkten. Er zijn nog steeds meningsverschillen over veel pre-Mongoolse iconen over wie ze schilderde: Griekse iconenschilders die in Rus werkten, of hun getalenteerde Russische studenten. Veel mensen weten dat de Byzantijnse iconenschilder Theophanes de Griek tegelijkertijd met Andrei Rublev werkte als zijn senior collega en waarschijnlijk leraar. En hij was blijkbaar zeker niet de enige van de grote Griekse kunstenaars die rond de eeuwwisseling in Rusland werkte.
En daarom is het Byzantijnse icoon voor ons praktisch niet te onderscheiden van het Russische. Helaas heeft de wetenschap tot het midden van de 15e eeuw nooit precieze formele criteria ontwikkeld om ‘Russisch-zijn’ te bepalen als we het over kunst hebben. Maar dit verschil bestaat, en je kunt het met eigen ogen zien op de tentoonstelling in de Tretyakovgalerij, omdat verschillende echte meesterwerken van de Griekse iconenschilderkunst naar ons toe kwamen vanuit het "Byzantijnse en Christelijke Museum" in Athene en enkele andere collecties.
Ik wil nogmaals de mensen bedanken die deze tentoonstelling hebben georganiseerd, en in de eerste plaats de initiator en curator van het project, onderzoeker bij de Tretyakov Gallery Elena Mikhailovna Saenkova, het hoofd van de afdeling oude Russische kunst Natalya Nikolajevna Sharedega, en de gehele afdeling oude Russische kunst, die actief heeft deelgenomen aan de voorbereiding van deze unieke tentoonstelling.
Opwekking van Lazarus (12e eeuw)
Het vroegste pictogram dat wordt weergegeven. Kleine maat, bevindt zich midden in de hal in een vitrine. De icoon maakt deel uit van een tyabl (of epistilium) - een geschilderde houten balk of groot bord, dat in de Byzantijnse traditie op het plafond van marmeren altaarbarrières werd geplaatst. Deze kapellen vormden de basis van de toekomstige hoge iconostase, die ontstond aan het begin van de 14e-15e eeuw.
In de 12e eeuw werden de 12 grote feestdagen (de zogenaamde Dodekaorton) meestal op het epistijl geschreven, en de Deesis werd vaak in het midden geplaatst. De icoon die we op de tentoonstelling zien is een fragment van zo’n epistijl met één scène uit ‘De opwekking van Lazarus’. Het is waardevol dat we weten waar deze epistijl vandaan komt – van de berg Athos. Kennelijk is het in de 19e eeuw in stukken gezaagd, waardoor het geheel is beland verschillende plaatsen. De afgelopen jaren hebben onderzoekers verschillende delen ervan kunnen ontdekken.
De opwekking van Lazarus. XII eeuw. Hout, tempera. Byzantijns en Christelijk Museum, Athene
De opwekking van Lazarus bevindt zich in het Byzantijnse Museum van Athene. Een ander deel, met de afbeelding van de Transfiguratie van de Heer, belandde in de Staatshermitage, het derde - met de scène van het Laatste Avondmaal - bevindt zich in het Vatopedi-klooster op Athos.
Het icoon, dat niet Constantinopel is, en geen grootstedelijk werk, bewijst dat hoogste niveau, die de Byzantijnse iconenschilderij in de 12e eeuw bereikte. Afgaande op de stijl dateert de icoon uit de eerste helft van deze eeuw en is met grote waarschijnlijkheid op de berg Athos zelf geschilderd voor monastieke doeleinden. In de schilderkunst zien we geen goud, dat altijd een duur materiaal is geweest.
De traditionele gouden achtergrond voor Byzantium wordt hier vervangen door rood. In een situatie waarin de meester niet over goud beschikte, gebruikte hij een symbolische vervanger voor goud: de kleur rood.
Hier hebben we dus een van de vroegste voorbeelden van Byzantijnse iconen met een rode achtergrond - de oorsprong van een traditie die zich in Rusland ontwikkelde in de 13e en 14e eeuw.
Maagd en Kind (begin 13e eeuw)
Dit icoon is niet alleen interessant vanwege zijn stilistische beslissing, die niet helemaal past in de puur Byzantijnse traditie. Er wordt aangenomen dat het icoon op Cyprus is geschilderd, maar misschien heeft een Italiaanse meester deelgenomen aan de creatie ervan. Stilistisch lijkt het sterk op de iconen van Zuid-Italië, dat eeuwenlang in de baan stond van de politieke, culturele en religieuze invloed van Byzantium.
De Cypriotische oorsprong kan echter ook niet worden uitgesloten, omdat er aan het begin van de 13e eeuw op Cyprus totaal verschillende stilistische stijlen bestonden en ook westerse meesters naast de Griekse werkten. Het is heel goed mogelijk dat de speciale stijl van dit icoon het resultaat is van interactie en een eigenaardige westerse invloed, die in de eerste plaats tot uiting komt in de schending van de natuurlijke plasticiteit van de figuur, die de Grieken gewoonlijk niet toestonden, en de doelbewuste expressie van het ontwerp, evenals decoratieve details.
De iconografie van dit icoon is merkwaardig. De baby wordt afgebeeld in een blauw-wit lang shirt met brede strepen die van de schouders naar de randen lopen, terwijl de benen van de baby bloot zijn. Het lange overhemd is bedekt met een vreemde mantel, meer een draperie. Volgens de auteur van de icoon ligt er voor ons een soort lijkwade waarin het lichaam van het Kind is gewikkeld.
Naar mijn mening hebben deze gewaden een symbolische betekenis en worden ze geassocieerd met het thema van het priesterschap. Het Kind Christus wordt ook voorgesteld als Hogepriester. Verbonden met dit idee zijn de brede clave-strepen die van de schouder naar de onderkant lopen - een belangrijk onderscheidend kenmerk van het koorhemd van de bisschop. De combinatie van blauwwitte en goudhoudende kleding houdt blijkbaar verband met het thema van de bedekkingen op de altaartroon.
Zoals je weet heeft de troon in zowel de Byzantijnse als de Russische kerk twee hoofddeksels. Het onderkleed is een lijkwade, een linnen hoes, die op de troon wordt geplaatst, en daar bovenop ligt kostbaar indium, vaak gemaakt van kostbare stof, versierd met gouden borduurwerk, dat hemelse glorie en koninklijke waardigheid symboliseert. In de Byzantijnse liturgische interpretaties, in het bijzonder in de beroemde interpretaties van Simeon van Thessaloniki aan het begin van de 15e eeuw, komen we precies dit begrip van twee sluiers tegen: de lijkwade en de gewaden van de hemelse Heer.
Een ander zeer karakteristiek detail van deze iconografie is dat de beentjes van de Baby bloot zijn tot aan de knieën en dat de Moeder van God Hem met haar hand vasthoudt. rechter hiel. Deze nadruk op de hiel van het kind is aanwezig in een aantal Theotokos-iconografieën en wordt geassocieerd met het thema Offer en de Eucharistie. We zien hier een echo met het thema van Psalm 23 en de zogenaamde Edense belofte dat de zoon van de vrouw het hoofd van de verleider zal vermorzelen, en de verleider zelf de hiel van deze zoon zal vermorzelen (zie Gen. 3:15).
De blote hiel is dus zowel een toespeling op het offer van Christus als op de komende verlossing - de belichaming van de hoge spirituele ‘dialectiek’ van de bekende paashymne ‘Trampling on Death’.
Reliëficoon van St. George (midden 13e eeuw)
Reliëficonen, die voor ons ongebruikelijk zijn, zijn goed bekend in Byzantium. Sint-Joris werd overigens vaak in reliëf afgebeeld. Byzantijnse iconen ze waren gemaakt van goud en zilver, en er waren er behoorlijk veel (we weten dit uit de inventarissen van Byzantijnse kloosters die ons hebben bereikt). Verschillende van deze opmerkelijke iconen zijn bewaard gebleven en zijn te zien in de schatkamer van de Basiliek van San Marco in Venetië, waar ze werden meegenomen als buit van de Vierde Kruistocht.
Houten reliëfpictogrammen zijn een poging om sieraden te vervangen door zuinigere materialen. Wat mij aantrok in hout was de mogelijkheid van de sensuele tastbaarheid van een sculpturaal beeld. Hoewel beeldhouwkunst als icoontechniek niet erg wijdverspreid was in Byzantium, moeten we niet vergeten dat de straten van Constantinopel, vóór de verwoesting door de kruisvaarders in de 13e eeuw, vol stonden met oude beelden. En de Byzantijnen hadden sculpturale beelden, zoals ze zeggen, ‘in hun bloed’.
Het grote icoon toont de biddende Sint-Joris, die zich tot Christus wendt, alsof hij uit de hemel vliegt, in de rechterbovenhoek van het midden van dit icoon. In de marges staat een gedetailleerde levenscyclus. Boven de afbeelding worden twee aartsengelen getoond die het niet bewaarde beeld van de “Voorbereide Troon (Etymasia)” flankeren. Het introduceert een zeer belangrijke tijdsdimensie in het icoon, die herinnert aan de komende wederkomst.
Dat wil zeggen, we hebben het niet over de werkelijke tijd, of zelfs over de historische dimensie van de oude christelijke geschiedenis, maar over de zogenaamde iconische of liturgische tijd, waarin verleden, heden en toekomst met elkaar verweven zijn tot één geheel.
In deze icoon zijn, net als bij veel andere iconen uit het midden van de 13e eeuw, bepaalde westerse kenmerken zichtbaar. Gedurende deze tijd werd het grootste deel van het Byzantijnse rijk bezet door de kruisvaarders. Aangenomen kan worden dat de persoon die het icoon heeft besteld, in verband kon staan met deze omgeving. Dit blijkt uit het zeer niet-Byzantijnse, niet-Griekse schild van George, dat sterk doet denken aan schilden met de wapenschilden van westerse ridders. De randen van het schild zijn omgeven door een bijzonder ornament, waarin gemakkelijk een imitatie van het Arabische Kufische schrift te herkennen is; in deze tijd was het vooral populair en werd het beschouwd als een teken van het heilige.
Linksonder, aan de voeten van St. George, bevindt zich een vrouwenbeeldje in rijke, maar zeer strikte gewaden, dat in gebed aan de voeten van de heilige valt. Dit is de onbekende klant van deze icoon, blijkbaar dezelfde naam als één van de twee heilige vrouwen afgebeeld op de achterkant van de icoon (één is gesigneerd met de naam “Marina”, de tweede martelaar in koninklijke gewaden is een afbeelding van St. Catherine of St. Irene).
Sint-Joris is de patroonheilige van de strijders, en hiermee rekening houdend kan worden aangenomen dat de icoon die in opdracht van een onbekende vrouw is gemaakt een votiefbeeld is met een gebed voor haar echtgenoot, die in deze zeer turbulente tijd ergens aan het vechten is en de hulp nodig heeft meest directe bescherming van de hoofdkrijger uit de rang van martelaren.
Icoon van de Moeder Gods en Kind met de kruisiging op de achterkant (XIV eeuw)
Het artistiek meest opmerkelijke icoon van deze tentoonstelling is de grote icoon van de Moeder Gods en Kind met de kruisiging op de achterzijde. Dit is een meesterwerk uit de schilderkunst van Constantinopel, hoogstwaarschijnlijk geschilderd door een voortreffelijke, je zou zelfs kunnen zeggen, grote kunstenaar in de eerste helft van de 14e eeuw, de hoogtijdagen van de zogenaamde ‘Palaeologische Renaissance’.
Tijdens deze periode verschenen de beroemde mozaïeken en fresco's van het Chora-klooster in Constantinopel, bij velen bekend onder de Turkse naam Kahrie-Jami. Helaas heeft de icoon zwaar geleden, kennelijk door opzettelijke vernietiging: letterlijk zijn er enkele fragmenten van het beeld van de Moeder Gods en het Kind bewaard gebleven. Helaas zien we vooral late toevoegingen. De kruisigingscène is veel beter bewaard gebleven. Maar zelfs hier heeft iemand doelbewust de gezichten vernietigd.
Maar zelfs wat bewaard is gebleven, spreekt van de hand van een uitstekende kunstenaar. En niet alleen een groot meester, maar een man met buitengewoon talent die zichzelf speciale spirituele doelen stelde.
Hij verwijdert alle onnodige dingen uit de kruisigingscène en concentreert de aandacht op de drie hoofdfiguren, waarin enerzijds de oude basis kan worden gelezen die nooit is verdwenen in de Byzantijnse kunst: verbluffende sculpturale plasticiteit, die echter wordt getransformeerd door spirituele energie. De figuren van de Moeder Gods en Johannes de Evangelist lijken bijvoorbeeld geschreven te zijn op de grens tussen het reële en het bovennatuurlijke, maar deze grens wordt niet overschreden.
De figuur van de Moeder Gods, gehuld in gewaden, was geschilderd in lapis lazuli, een zeer dure verf die letterlijk goud waard was. Langs de rand van de maforia is een gouden rand met lange kwastjes. De Byzantijnse interpretatie van dit detail is niet bewaard gebleven. In een van mijn werken suggereerde ik echter dat het ook verband houdt met het idee van het priesterschap. Omdat dezelfde kwastjes langs de rand van het gewaad, ook aangevuld met gouden bellen, een belangrijk kenmerk waren van de gewaden van de oudtestamentische hogepriester in de tempel van Jeruzalem. De kunstenaar herinnert hieraan heel subtiel intercom De Moeder van God, die Haar Zoon offert, met als thema het priesterschap.
De berg Golgotha is weergegeven als een kleine heuvel; daarachter is de lage stadsmuur van Jeruzalem zichtbaar, die op andere iconen veel indrukwekkender is. Maar hier lijkt de kunstenaar de scène van de kruisiging op vogelooghoogte te tonen. En daarom verschijnt de muur van Jeruzalem in de diepte, en wordt alle aandacht, vanwege de gekozen hoek, geconcentreerd op de hoofdfiguur van Christus en de ingelijste figuren van Johannes de Evangelist en de Moeder van God, waardoor het beeld ontstaat van een sublieme ruimtelijke actie.
De ruimtelijke component is van fundamenteel belang voor het begrijpen van het ontwerp van het gehele dubbelzijdige icoon, dat meestal een processiebeeld is, waargenomen in ruimte en beweging. De combinatie van twee beelden – de Moeder Gods Hodegetria aan de ene kant en de Kruisiging – heeft zijn eigen hoge prototype. Deze zelfde twee afbeeldingen bevonden zich aan beide zijden van het Byzantijnse palladium - het icoon van Hodegetria van Constantinopel.
Hoogstwaarschijnlijk reproduceerde dit icoon van onbekende oorsprong het thema van Hodegetria van Constantinopel. Het is mogelijk dat het verband houdt met de belangrijkste wonderbaarlijke actie die Hodegetria van Constantinopel elke dinsdag overkwam, toen ze naar het plein voor het Odigon-klooster werd gebracht en daar een wekelijks wonder plaatsvond: het icoon begon naar binnen te vliegen een cirkel in het vierkant en draai rond zijn as. We hebben hiervan het bewijs van veel mensen - vertegenwoordigers van verschillende naties: Latijnen, Spanjaarden en Russen, die deze verbazingwekkende actie hebben gezien.
De twee zijden van de icoon op de tentoonstelling in Moskou herinneren ons eraan dat de twee zijden van de icoon van Constantinopel een onlosmakelijke dubbele eenheid vormden van de Incarnatie en het Verlossende Offer.
Icoon van Onze Lieve Vrouw Cardiotissa (XV eeuw)
Het icoon werd door de makers van de tentoonstelling gekozen als centrale icoon. Hier is een zeldzaam geval voor de Byzantijnse traditie als we de naam van de kunstenaar kennen. Hij signeerde dit icoon, in de ondermarge staat in het Grieks geschreven: "Hand van een engel". Dit is de beroemde Angelos Akotantos - een kunstenaar uit de eerste helft van de 15e eeuw, van wie er nog heel veel over is groot aantal pictogrammen We weten meer over hem dan over andere Byzantijnse meesters. Er zijn een aantal documenten bewaard gebleven, waaronder zijn testament, dat hij in 1436 schreef. Hij had geen testament nodig; hij stierf veel later, maar het document bleef bewaard.
De Griekse inscriptie op het icoon "Moeder van God Kardiotissa" is geen kenmerk van het iconografische type, maar eerder een epitheton - een kenmerk van het beeld. Ik denk dat zelfs iemand die niet bekend is met de Byzantijnse iconografie, wat kan raden we praten over: we kennen het woord allemaal cardiologie. Cardiotissa – hart.
Icoon van Onze Lieve Vrouw Cardiotissa (XV eeuw)
Bijzonder interessant vanuit iconografisch oogpunt is de houding van het Kind, dat enerzijds de Moeder van God omhelst en anderzijds achterover lijkt te kantelen. En als de Moeder van God naar ons kijkt, kijkt de Baby naar de hemel, alsof ze ver van Haar verwijderd is. Een vreemde houding, die in de Russische traditie ook wel Leaping werd genoemd. Dat wil zeggen, op het pictogram lijkt het alsof er een baby speelt, maar hij speelt nogal vreemd en helemaal niet als een kind. Het is in deze houding van het omvallende lichaam dat er een indicatie, een transparante hint is van het thema van de kruisafneming, en dienovereenkomstig het lijden van de God-Mens op het moment van de kruisiging.
Hier ontmoeten we het grote Byzantijnse drama, wanneer tragedie en triomf worden gecombineerd tot één, een feestdag - dit is zowel het grootste verdriet als tegelijkertijd een prachtige overwinning: de redding van de mensheid. Het Spelende Kind voorziet Zijn komende offer. En de Moeder van God, lijdend, aanvaardt het goddelijke plan.
Deze icoon bevat de eindeloze diepgang van de Byzantijnse traditie, maar als we goed kijken, zullen we veranderingen zien die zeer binnenkort tot een nieuw begrip van de icoon zullen leiden. De icoon is geschilderd op Kreta, dat destijds toebehoorde aan de Venetianen. Na de val van Constantinopel werd het het belangrijkste centrum van de ikonenschilderkunst in de hele Griekse wereld.
In dit icoon van de uitmuntende meester Angelos zien we hoe hij balanceert op de rand om van een uniek beeld een soort cliché te maken voor standaardreproducties. De beelden van lichtspleten worden al enigszins mechanistisch; ze zien eruit als een stijf raster op een levende plastic basis, iets wat kunstenaars uit vroegere tijden nooit toestonden.
Icoon van Onze Lieve Vrouw Cardiotissa (XV eeuw), fragment
Voor ons ligt een bijzonder beeld, maar in zekere zin al op de grens, op de grens van Byzantium en post-Byzantium, wanneer levende beelden geleidelijk veranderen in koude en enigszins zielloze replica's. We weten wat er op Kreta gebeurde minder dan 50 jaar nadat dit icoon werd geschilderd. Contracten tussen de Venetianen en de belangrijkste iconenschilders van het eiland hebben ons bereikt. Volgens een dergelijk contract uit 1499 moesten drie workshops voor het schilderen van iconen in 40 dagen 700 iconen van de Moeder Gods produceren. Over het algemeen is het duidelijk dat er een soort artistieke industrie begint, spirituele dienstbaarheid door het creëren van heilige beelden verandert in een ambacht voor de markt, waarvoor duizenden iconen worden geschilderd.
Het prachtige icoon van Angelos Akotanthos vertegenwoordigt een opvallende mijlpaal in het eeuwenlange proces van devaluatie van de Byzantijnse waarden, waarvan we allemaal erfgenamen zijn. Des te waardevoller en belangrijker wordt de kennis van het ware Byzantium, de mogelijkheid om het met eigen ogen te zien, die ons werd geboden door de unieke ‘tentoonstelling van meesterwerken’ in de Tretyakovgalerij.
Engel. Fragment van de icoon “Grote Martelaar George, met scènes uit zijn leven. Grote Martelaren Marina en Irina (?).” Dubbelzijdig icoon. XIII eeuw. Hout, snijwerk, tempera. Byzantijns en Christelijk Museum, Athene. Foto met dank aan de persdienst van de Tretjakovgalerij.
Datum van: 8 februari - 9 april 2017
Plaats: Lavrushinskylaan, 10, kamer 38Beheerder: ETEN. Saenkova
Deelnemende musea: Byzantijns en Christelijk Museum, Benaki Museum, collectie van E. Velimezis - H. Margaritis
Verbinding: 18 tentoonstellingen: 12 iconen, 2 geïllustreerde manuscripten, liturgische voorwerpen - processiekruis, lucht, 2 katsei
Een interessante tentoonstelling opent in de Tretyakov Gallery. Er zullen werken van Byzantijnse en post-Byzantijnse kunst te zien zijn uit musea en privécollecties in Griekenland. Dit zijn monumenten uit het einde van de X eeuw, die geven een idee van de verschillende perioden van de Byzantijnse kunst. De kunst van Byzantium is een onschatbare schat van de wereld, vooral belangrijk voor de ontwikkeling van de Russische cultuur. De tentoonstelling "Meesterwerken van Byzantium" bevindt zich naast de zalen van de permanente tentoonstelling van oude Russische kunst uit de 11e-17e eeuw, waardoor de kijker parallellen kan traceren en de kenmerken kan zien van de werken van Russische en Griekse kunstenaars.
« Op de tentoonstelling is elk van de werken een uniek monument uit zijn tijd. De tentoonstellingen bieden de mogelijkheid om de geschiedenis van de Byzantijnse cultuur te presenteren en de wederzijdse invloed van de tradities van de oosterse en westerse christelijke kunst te traceren. Het vroegste monument in de tentoonstelling is een zilveren processiekruis uit het einde van de 10e eeuw met afbeeldingen van Christus, de Moeder Gods en heiligen erin gegraveerd.
De kunst van de 12e eeuw wordt vertegenwoordigd door het icoon 'De opwekking van Lazarus', dat de verfijnde, verfijnde schilderstijl van die tijd belichaamt. De collectie van de Tretjakovgalerij bevat het icoon “Onze Lieve Vrouw van Vladimir” uit dezelfde tijd, gecreëerd in Constantinopel in het eerste derde deel van de 12e eeuw en vervolgens naar Rus gebracht.
Een van de meest opvallende stukken van de tentoonstelling is een reliëf met de afbeelding van de Grote Martelaar George met scènes uit zijn leven. Het dient als voorbeeld van de interactie tussen Byzantijnse en West-Europese meesters, die de basis legde voor het fenomeen van de kruisvaardersateliers - een zeer interessante pagina in de geschiedenis van de 13e eeuw. De houtsnijtechniek waarmee de figuur van Sint-Joris is gemaakt, is niet typisch voor de Byzantijnse kunst en is duidelijk ontleend aan Westerse traditie, terwijl het prachtige frame van postzegels is gemaakt in overeenstemming met de canons van de Byzantijnse schilderkunst.
Het icoon van ‘De Maagd en het Kind’, geschilderd aan het begin van de 13e eeuw, vermoedelijk door een Cypriotische meester, demonstreert een andere manier van wederzijdse beïnvloeding tussen middeleeuwse kunst van Oost en West. In de artistieke cultuur van deze periode, geassocieerd met de heropleving van het rijk en de Palaiologan-dynastie, werd de beweging naar oude tradities gezien als een zoektocht naar iemands culturele identiteit.
De volwassen kunststijl uit het Palaiologan-tijdperk behoort tot het dubbelzijdige beeld 'Onze Lieve Vrouw Hodegetria, met de twaalf feesten'. De troon werd voorbereid” aan het einde van de 14e eeuw. Deze icoon is een tijdgenoot van het werk van Theophanes de Griek. Beide kunstenaars gebruiken dezelfde artistieke technieken; in het bijzonder de dunne lijnen die de gezichten van de Moeder van God en het Kind doorboren en de energieën van goddelijk licht symboliseren. Deze afbeelding is duidelijk een kopie van het wonderbaarlijke Constantinopel-icoon van Hodegetria.
Verschillende voorwerpen vertellen over de rijkdom aan decoratieve en toegepaste kunst van Byzantium, waaronder een katsea (wierookvat) met de afbeelding van de Grote Martelaren Theodore en Demetrius en een geborduurde lucht (omslag) voor de Heilige Gaven. De techniek van de kunstenaars was bijzonder virtuoos en versierde manuscripten met complexe, prachtige ornamenten in hoofddeksels, initialen en miniaturen met afbeeldingen van evangelisten. Het niveau van hun vaardigheid wordt gedemonstreerd door twee evangeliecodes: de 13e en het begin van de 14e eeuw.
De post-Byzantijnse periode wordt vertegenwoordigd door drie iconen van Griekse meesters die na de val van Constantinopel in 1453 naar Kreta vertrokken. Deze werken stellen ons in staat de synthese van creatieve bevindingen van de Europese kunst en de traditionele Byzantijnse canon te traceren.
De Byzantijnse artistieke traditie stond aan de oorsprong van de kunstvorming van veel volkeren. Vanaf het allereerste begin van de verspreiding van het christendom in het Kievse Rijk hebben Griekse kunstenaars en architecten de vaardigheden van tempelbouw, frescoschilderen, iconenschilderen, boekontwerp en sieradenkunst doorgegeven aan Russische ambachtslieden. Deze culturele interactie duurde vele eeuwen. Van de 10e tot de 15e eeuw evolueerde de Russische kunst van leerling naar hoog meesterschap, waarbij de herinnering aan Byzantium als vruchtbare bron behouden bleef. lange jaren geestelijk gevoede Russische cultuur." - meldt de persdienst van de Tretjakovgalerij.