Mesterverk av Byzantium. Mesterverk av bysantinsk kunst vises på Tretyakov Gallery
I går i Tretyakov-galleriet Utstillingen "Masterpieces of Byzantium" åpnet som en del av året for tverrkulturell kommunikasjon mellom Russland og Hellas. De presenterte ikonene, illustrerte manuskriptene og små plastgjenstander fra museer og private samlinger i Hellas tilhører forskjellige tidsepoker (fra 10. til 1500-tallet), stilistiske bevegelser og territoriale skoler og gir en idé om mangfoldet og rikdommen til det kunstneriske arv fra det store østkristne imperiet.
Det unike og verdien av utstillingen er vanskelig å overdrive. For det første er bysantinsk kunst representert i innenlandske museer ganske dårlig, og oppmerksomheten til denne rike og interessante kulturen i landet vårt er ufortjent liten. (Dette gjenspeiler både sovjettidens fordommer mot den åndelig og kirkelig orienterte arven, og vanskeligheten for den gjennomsnittlige, dårlig forberedte moderne betrakteren å oppfatte denne sofistikerte, raffinerte og sublime kunsten).
For det andre er hvert av de presenterte objektene et absolutt mesterverk, hver er et veltalende vitne til dybden av filosofisk forståelse av tilværelsen, høyden av teologisk tankegang og intensiteten av det åndelige livet i det moderne samfunnet.
Det tidligste gjenstanden som vises i utstillingen er et vakkert prosesjonskors i sølv fra slutten av 900-tallet, inngravert med bilder av Kristus, Vår Frue og helgener. Alvorligheten av linjer og perfeksjon av proporsjoner som er karakteristiske for epoken, komplementeres av nåden til fint tegnede graverte medaljonger som viser Kristus Pantocrator, Guds mor og helgener.
TIL XII århundre refererer til det røde bakgrunnsikonet "The Raising of Lazarus", et mesterverk fra den såkalte "Comnenian Renaissance". Harmoni av proporsjoner, sofistikert og plastisitet av gester, fyldige, tredimensjonale figurer, uttrykksfulle skarpe blikk - karaktertrekkæra. Dette er en tid for tilbakevending til de eldgamle prinsippene, som imidlertid bysantinsk kunst, i motsetning til vesteuropeisk kunst, aldri skilte seg radikalt fra. Derfor, i forhold til Byzantium, kan slike perioder med spesiell interesse for antikkens estetikk kun kalles "renessanser" betinget.
I denne sammenhengen er ikonet til den hellige store martyr George veldig interessant, og representerer et sjeldent eksempel på gjensidig gjennomtrenging av vestlige og østlige tradisjoner. Relieffbildet av helgenen i midten tilhører den såkalte «korsfarerkunsten» på 1200-tallet, da Konstantinopel var under styret av vestlige riddere i nesten et århundre, og håndverkere fra Europa ankom den østlige hovedstaden. Sjangeren malt relieff i seg selv, karakteristisk for gotiske bilder, har et avrundet, lett profilert volum, noe provinsiell uttrykksfullhet av figuren med store hender og hode, lokale, lyse farger er åpenbare trekk ved "barbarisk" kunst. Imidlertid forråder den skinnende gullbakgrunnen og det mer raffinerte maleriet av kjennetegnene en gresk mesters hånd. I de hagiografiske bildene i margene er gullsmedens brøkformer, grasiøse plastisitet av figurer, mer nyanserte farger, opprettholdt i midtens farger og subtile langstrakte ansiktstrekk slående.
Baksiden av ikonet med bildet av de hellige martyrene Marina og Irina returnerer oss igjen til "korsfarerens" uttrykksevne med fremhevede, store ansiktstrekk, "snakende" hender og uttrykksfulle blikk. Imidlertid avslører utstrålingen av gylne "lys" i Kristi kappe forfatterens ubetingede beundring for hovedstadens Konstantinopel-modeller.
Blant alle mesterverkene i utstillingen er det praktfulle tosidige ikonet Vår Frue Hodegetria og korsfestelsen fra det bysantinske og kristne museet i Athen, som stammer fra 1300-tallet, spesielt imponerende. Det monumentale halvlange bildet av Guds mor med barnet i armene er laget i de beste tradisjonene fra hovedstaden Konstantinopel-skolen i Palaiologan-tiden. Dette er den statueske figuren av Maria, en elegant silhuett som skiller seg ut mot en gylden bakgrunn, og bevegelsens ynde, og hennes utsøkt vakre trekk: mandelformede øyne, en tynn nese, en liten rund rosa munn, en hoven, jenteaktig oval av ansiktet. Det ville vært nesten jordisk, sensuell skjønnhet, hvis ikke for utstrålingen fra en annen verden, å gjennombore dette perfekte ansiktet med stråler av hull, og opplyse det med åndelig lys.
Siden midten av 1300-tallet reflekterer maleriet ny teologisk lære og åndelig opplevelse Hesychast-munker, tilhengere av St. Gregory Palamas, om uskapte guddommelige energier. Det er dette lyset, stillhetens harmoni som forvandler den skarpt uttrykksfulle komposisjonen av Kristi korsfestelse på baksiden av ikonet til et overnaturlig og overemosjonelt bilde, fullt av stille sorg og bønnfull brenning. Mot en lysende gylden bakgrunn ligner figuren til den sørgende jomfru Maria i skinnende blå kapper et lys med en flamme rettet oppover. Det er viktig å merke seg at med all forlengelse og forfining av proporsjonene, puster det eldgamle grunnlaget for hele det kunstneriske systemet til bysantinene i alle detaljer: for eksempel, stillingen til apostelen Johannes bøyd i tårer gjenspeiler kroppens kurve av Kristus, som gir den statiske komposisjonen bevegelse og vibrasjon.
Fra begynnelsen av 1300- og 1400-tallet er et stort ikon av den hellige martyren Marina, selvfølgelig malt i den samme senpaleologiske tradisjonen som «Vår Frue Hodegetria med de tolv høytidene» fra andre halvdel av 1300-tallet. . De fineste gyldne rom gjennomsyrer disse bildene, lyset vibrerer og liver opp, åndeliggjør bildene.
Utstillingen inneholder også flere post-bysantinske ikoner malt etter Konstantinopels fall i 1453. Kreta ble et stort kunstnerisk senter på denne tiden, men gradvis mistet det greske ikonmaleriet den monumentale uttrykksevnen og den åndelige intensiteten til bilder som utmerkte verkene til forgjengerne.
I bildet av Vår Frue Cardiotissa fra første halvdel av 1400-tallet kan man allerede føle en tendens til en ornamentalisering av et rutenett av rom, mot kompleksiteten i positurer, samtidig unaturlig utplasserte, ødelagte og frosne.
Ikonet til St. Nicholas, laget rundt 1500, utmerker seg ved den åpenbare innflytelsen fra italiensk renessansekunst innen farge og tolkning av folder. Ikonografien til helgenen på tronen, som ble utbredt i post-bysantinsk kunst, er interessant.
Både manuskriptene og gjenstandene til dekorativ og brukskunst som bringes til utstillingen er unike. Sammen med storslåtte ikoner fordyper de seerne i den sublime og raffinerte verdenen til bysantinsk bilder. De ser ut til å rekonstruere foran øynene våre refleksjoner av den prakten som ble født fra den eldgamle ideen om skjønnhet, orientalsk uttrykk og kristen åndelig fylde.
Hovedsaken i denne kunsten, som i denne utstillingen, er tilstanden av overjordisk sveving og jubel av ånden, som gjennomsyrer hvert bilde, hvert vitnesbyrd om det fantastiske landet, der teologi ikke var partiet til en utvalgt minoritet, men grunnlaget for imperiets liv, hvor det kongelige hoff noen ganger levde som et kloster, charter, hvor storbyforfinet kunst kunne dukke opp både i avsidesliggende regioner i Nord-Italia og i hule templer Kappadokia. Vi var så heldige å berøre de ukjente fasettene til dette kulturelle kontinentet, som det enorme treet av russisk kunst en gang vokste fra.
Men. Matroner er daglige artikler, spalter og intervjuer, oversettelser av de beste engelskspråklige artiklene om familie og utdanning, redaktører, hosting og servere. Så du kan forstå hvorfor vi ber om din hjelp.
For eksempel 50 rubler i måneden - er det mye eller lite? En kopp kaffe? Ikke mye for et familiebudsjett. For Matroner - mye.
Hvis alle som leser Matrona støtter oss med 50 rubler i måneden, vil de gi et stort bidrag til muligheten for å utvikle publikasjonen og fremveksten av nye relevante og interessante materialer om en kvinnes liv i moderne verden, familie, barneoppdragelse, kreativ selvrealisering og åndelige betydninger.
om forfatteren
Kunstkritiker, spesialist i bysantinsk maleri, kurator for utstillingsprosjekter, grunnlegger av sitt eget galleri for samtidskunst. Mest av alt elsker jeg å snakke og lytte om kunst. Jeg er gift og har to katter. http://arsslonga.blogspot.ru/
Kryssåret til Russland og Hellas avsluttes med et kulturprosjekt som starter i dag ved Tretyakov Gallery - utstillingen "Mesterverk av bysantinsk kunst". Unike monumenter fra X-XV århundrer, samlet fra greske museer og private samlinger. Besøkende vil kunne forestille seg historien til det store imperiet og spore den gjensidige innflytelsen fra tradisjonene til østlig og vestlig kristen kunst.
Artefakter av de forsvunne Bysantinske riket. Det tidligste er et kirkekors fra 900-tallet. Samtidig fra dåpen til Rus. I midten er det et annet metall, ikke det originale. Innsatsen dukket opp da en relikvie, et stykke av det hellige kors, ble revet ut herfra.
«Du og jeg ser den store martyrens to hender, som er reist opp til Kristus. Og figuren hans er godt synlig her, voluminøs. Det ser nesten ut til å komme ut fra ikonets overflate, fra ikonets plan til oss, til de som ber, sier utstillingskonservator Elena Saenkova.
Kuratoren for utstillingen er ved det "volumetriske" ikonet - disse dukket opp på 1200-tallet, etter ankomsten av korsfarerne. To kristne verdener kolliderte: vestlige og østlige. Utskjæringsteknikken, klærne, til og med skjoldet ved føttene til St. George er europeiske, og maleteknikken er bysantinsk.
Og dette er ikke alle overraskelsene fra bysantinske mestere. Dobbeltsidige ikoner er en sjeldenhet. For eksempel skildrer denne, fra slutten av 1300-tallet, korsfestelsen av Kristus på den ene siden, og Guds mor på den andre. Slike ikoner kalles også prosesjoner, det vil si at de deltok i gudstjenester, feiringer, religiøse prosesjoner. Men det mest interessante er at kunsthistorikere antyder at de var plassert på en spesiell måte inne i tempelet. Den ene siden var vendt mot tilbederne, det vil si her. Og den andre siden - inne i alteret, mot presteskapet.
De tørkede kantene, tapte farger på steder, og noen steder de bevisst slåtte ansiktene til helgener er mer sjokkerende enn de restaurerte bildene. Disse ikonene puster tid, lever i hver sprekk, til tross for alle erobrerne av Byzantium.
"Da tyrkerne tok Konstantinopel, begynte de å ødelegge utsmykningen av kirker, skjemme ikoner: de stakk ut øynene og ansiktene til helgener," sier Fedra Kalafati, en ansatt ved Bysantine and Christian Museum.
De unike 18 utstillingene kom fra museer og private samlinger i Hellas. Dette besøket er et gjenbesøk: høsten 2016 ble det holdt en utstilling med russiske ikoner i Athen. Kryssåret til Russland-Hellas er allerede avsluttet på kalenderen, men avsluttes faktisk nå.
Evangeliets manuskript fra 1300-tallet er i en dyrebar setting, med rike miniatyrer, perfekt bevart tekst og notater i margene. Basen er kalveskinn av fineste kvalitet.
I nærheten er en enda mindre kjent "luft" - et brodert deksel for de hellige gaver. Den ble brukt under liturgien. Etter mønsteret å dømme dekket de vin. Selv trådene beholder lysstyrken fra bysantinske mestere, fordi fargestoffene ble laget av naturlige pigmenter. Cinnabar er rød, lapis lazuli er blå, oker er kjøtt-oransje. Paletten er liten, men hvor dyktig kunstnerne håndterte den.
"Å se på disse ikonene er en stor glede for øyet, fordi dette er det fineste maleriet, det fineste verket med maling, med farge, med gull," sier direktør for Tretyakov-galleriet Zelfira Tregulova.
Og også - detaljer. Det ser ut til at dette er et kanonisk bilde av Guds mor med barnet, men hvor menneskelig og lekent sandalen glir av en av Kristi føtter.
Ny utstilling på Tretyakov Gallery - "Mesterverk av Byzantium". Dette er atten utstillinger fra greske museer. Deres alder varierer fra slutten av 900-tallet til begynnelsen av 1500-tallet, da det østlige romerske riket ikke lenger eksisterte og navnet Byzantium ennå ikke eksisterte. De sjeldneste eksemplene på ikonmaleri ligger ved siden av hallene til gammel russisk kunst. Så du kan umiddelbart sammenligne verkene til grunnleggerne av stilen og studentene deres, inkludert den største av dem, Andrei Rublev.
Voltaire mente at den bysantinske kulturen som helhet var en samling pompøse fraser og beskrivelser av mirakler som vanæret menneskesinnet. Det var i opplysningstiden, som det er vanlig å tro, at alle mytene om Byzantium, om dets despotisme, overtro, grådighet og moralske forfall ble født. Som du vet, er det ikke verdt å bekjempe myter. Vi må studere. Utstilling Bysantinske mesterverk- et svært nyttig studieemne, statsoverhodet viste interesse for det.
Utstillingen "Masterpieces of Byzantium" er designet med askesen til en klostercelle. Men som du vet, alt som virkelig er verdt er ikke veldig imponerende. Vanligvis, før filming, sjekker korrespondenter alltid med utstillingskuratoren for å gi operatøren et oppdrag: hva som må filmes og hva som kan hoppes over. Men denne gangen ble Kulturnyheter rådet til å fjerne alle utstillinger. Det er ingen sekundære verk her.
«Første halvdel av 1300-tallet. "Crucifixion" er et tosidig ikon. Dette er virkelig et mesterverk. Konstantinopel-mestere, kapitalarbeid. Se hvor minimalisme kunstneriske virkemidler maksimal uttrykksevne oppnås! Det er gull her, vi ser forskjellige nyanser av blått og forskjellige nyanser av oker. Ingenting annet. Se på fargerikdommen, sier utstillingskurator Elena Saenkova.
På denne utstillingen kan du se både strålende eksempler på ikonmaleri laget i Konstantinopel-verksteder for hovedstadens katedraler, og bilder malt i stillheten av klosterceller for små provinskirker. Det er også de som ser på som du ikke kan si at dette er et ikon.
"Hellige store martyr George. Dette er faktisk en skulptur laget av tre, malt, omgitt av merkene til den store martyren. Tradisjonen med malt relieff er ikke typisk for Byzantium. Dette er det første møtet mellom Byzantium og Vesten, forklarer Elena Saenkova.
De som tror at en utstilling om Byzantiums kunst har åpnet i Tretjakovgalleriet tar feil. Denne utstillingen handler ikke om kunst eller om Byzantium selv. Den handler om noe umåtelig større, som verken korsfarerne som herjet imperiet i tidlig XIIIårhundre, og heller ikke ottomanerne, som erobret Byzantium på midten av 1400-tallet. Byzantium ble virkelig forstått bare i Russland.
«Det særegne ved denne utstillingen er ikke bare at bysantinsk kunst vises i gallerihallene for første gang. For første gang har vi muligheten til å virkelig oppleve opprinnelsen til alt som vi kaller Russland, Rus, Holy Rus», sier Natalya Sheredega, leder for den gamle russiske kunstavdelingen i Tretjakovgalleriet.
Vladimir Putin, som besøkte Athos-fjellet i fjor sommer for feiringen dedikert til tusenårsriket for den russiske tilstedeværelsen på Det hellige fjell, var blant de første utstillingene som ble vist et lite ikon presentert på utstillingen. Direktør for Tretyakov-galleriet Zelfira Tregulova sier: De stilistiske trekkene til ikonet ble senere adoptert av russiske ikonmalere.
Et enda mer gammelt monument av Byzantium er et prosesjonssølvkors fra slutten av 1000-tallet. Det var da Rus adopterte kristendommen. Kanskje den hellige prins Vladimir døpte folket sitt med det samme korset.
Utstillingen viser fem århundrer med strålende bysantinsk kultur. Det er utstillinger her som formelt viser nedgangen. For eksempel ble ikonet til St. Nicholas malt 50 år etter Byzantiums fall. Men i virkeligheten lever Byzantium og ikke bare i monumentene til ikonmalere som dro til Kreta etter imperiets kollaps. Først av alt er det levende i kulturen til Rus' - arvingen til Byzantium.
Utstillingen «Masterpieces of Byzantium» er en stor og sjelden begivenhet som ikke kan gå glipp av. For første gang ble en hel samling bysantinske ikoner brakt til Moskva. Dette er spesielt verdifullt fordi det ikke er så lett å få en seriøs idé om bysantinsk ikonmaleri fra flere verk som ligger i Pushkin-museet.
Det er velkjent at alt gammelt russisk ikonmaleri kom ut av den bysantinske tradisjonen, at mange bysantinske kunstnere arbeidet i Russland. Det er fortsatt uenighet om mange før-mongolske ikoner om hvem som malte dem - greske ikonmalere som jobbet i Rus', eller deres talentfulle russiske studenter. Mange vet at på samme tid som Andrei Rublev, jobbet den bysantinske ikonmaleren Theophanes den greske som hans seniorkollega og sannsynligvis lærer. Og han var tilsynelatende på ingen måte den eneste av de store greske kunstnerne som arbeidet i Rus på begynnelsen av 1300-1400-tallet.
Og derfor, for oss, er det bysantinske ikonet praktisk talt umulig å skille fra det russiske. Dessverre utviklet vitenskapen aldri presise formelle kriterier for å bestemme "russiskhet" når vi snakker om kunst før midten av 1400-tallet. Men denne forskjellen eksisterer, og du kan se dette med egne øyne på utstillingen i Tretyakov-galleriet, fordi flere ekte mesterverk av gresk ikonmaleri kom til oss fra Athens "bysantinske og kristne museum" og noen andre samlinger.
Jeg vil nok en gang takke menneskene som organiserte denne utstillingen, og først og fremst initiativtakeren og kuratoren for prosjektet, forsker ved Tretyakov Gallery Elena Mikhailovna Saenkova, lederen av avdelingen for gammel russisk kunst Natalya Nikolaevna Sharedega, og hele avdelingen for gammel russisk kunst, som deltok aktivt i utarbeidelsen av denne unike utstillingen.
Oppdra av Lasarus (1100-tallet)
Det tidligste ikonet på skjermen. Liten størrelse, ligger i midten av hallen i et utstillingsvindu. Ikonet er en del av en tyabl (eller epistilium) - en malt trebjelke eller et stort bord, som i den bysantinske tradisjonen ble plassert på taket av marmoralterbarrierer. Disse kapellene var grunnlaget for den fremtidige høye ikonostasen, som oppsto ved overgangen til 1300- og 1400-tallet.
På 1100-tallet ble de 12 store høytidene (den såkalte Dodekaorton) vanligvis skrevet på epistilen, og Deesis ble ofte plassert i sentrum. Ikonet som vi ser på utstillingen er et fragment av en slik epistil med en scene av «The Raising of Lazarus». Det er verdifullt at vi vet hvor denne epistilen kommer fra – fra Athos-fjellet. Tilsynelatende ble det på 1800-tallet saget i stykker, som endte opp i helt forskjellige steder. De siste årene har forskere kunnet oppdage flere deler av den.
Oppreisningen av Lasarus. XII århundre. Tre, tempera. Bysantinsk og kristent museum, Athen
The Raising of Lazarus er i Athens bysantinske museum. En annen del, med bildet av Herrens forvandling, havnet i State Hermitage, den tredje - med scenen for det siste nattverden - ligger i Vatopedi-klosteret på Athos.
Ikonet, som ikke er Konstantinopel, ikke et storbyverk, viser det høyeste nivå, som bysantinsk ikonmaleri nådde på 1100-tallet. Etter stilen å dømme, dateres ikonet tilbake til første halvdel av dette århundret, og med stor sannsynlighet ble det malt på selve Athos-fjellet for klosterbehov. I maleri ser vi ikke gull, som alltid har vært et dyrt materiale.
Den tradisjonelle gullbakgrunnen for Byzantium er her erstattet med rødt. I en situasjon hvor mesteren ikke hadde gull til disposisjon, brukte han en symbolsk erstatning for gull - fargen rød.
Så her har vi et av de tidligste eksemplene på bysantinske ikoner med rød bakgrunn - opprinnelsen til en tradisjon som utviklet seg i Russland på 1200- og 1300-tallet.
Jomfru og barn (begynnelsen av 1200-tallet)
Dette ikonet er interessant ikke bare for sin stilistiske beslutning, som ikke helt passer inn i den rent bysantinske tradisjonen. Det antas at ikonet ble malt på Kypros, men kanskje en italiensk mester deltok i opprettelsen. Stilistisk ligner det veldig på ikonene i Sør-Italia, som i århundrer var i bane rundt den politiske, kulturelle og religiøse innflytelsen til Byzantium.
Kypriotisk opphav kan imidlertid heller ikke utelukkes, for på begynnelsen av 1200-tallet eksisterte helt andre stilstiler på Kypros, og vestlige mestere arbeidet også ved siden av de greske. Det er ganske mulig at den spesielle stilen til dette ikonet er et resultat av interaksjon og en særegen vestlig innflytelse, som først og fremst kommer til uttrykk i brudd på figurens naturlige plastisitet, som grekerne vanligvis ikke tillot, og designets bevisste uttrykk, samt dekorative detaljer.
Ikonografien til dette ikonet er nysgjerrig. Babyen vises iført en blå og hvit lang skjorte med brede striper som går fra skuldrene til kantene, mens babyens ben er nakne. Den lange skjorten er dekket med en merkelig kappe, mer som et draperi. I følge forfatteren av ikonet ligger foran oss et slags likklede der barnets kropp er pakket inn.
Etter min mening har disse kappene en symbolsk betydning og er knyttet til temaet prestedømmet. Kristusbarnet er også representert som en yppersteprest. Forbundet med denne ideen er de brede klavestripene som går fra skulderen til nederkanten - et viktig særpreg ved biskopens surplice. Kombinasjonen av blå-hvite og gullbærende klær er tilsynelatende knyttet til temaet for dekkene på altertronen.
Som du vet har tronen i både den bysantinske kirken og den russiske to hoveddeksler. Det nederste plagget er et likklede, et lintrekk, som er plassert på tronen, og på toppen er det lagt ut edelt indium, ofte laget av edelt stoff, dekorert med gullbroderi, som symboliserer himmelsk herlighet og kongelig verdighet. I bysantinske liturgiske tolkninger, spesielt i de kjente tolkningene av Simeon fra Thessaloniki på begynnelsen av 1400-tallet, møter vi nettopp denne forståelsen av to slør: begravelseslikkledet og den himmelske Herrens klær.
En annen veldig karakteristisk detalj ved denne ikonografien er at babyens ben er nakne til knærne og Guds mor holder ham med hånden. høyre hæl. Denne vektleggingen av barnets hæl er til stede i en rekke Theotokos-ikonografier og er assosiert med temaet Offer og eukaristien. Vi ser her et ekko med temaet i den 23. salme og det såkalte Edeniske løftet om at kvinnens sønn skal knuse fristerens hode, og fristeren selv vil knuse denne sønnens hæl (se 1. Mos. 3:15).
Dermed er den nakne hælen både en hentydning til Kristi offer og den kommende frelsen - legemliggjørelsen av den høye åndelige "dialektikken" til den velkjente påskesalmen "Tramping on Death."
Relieffikon av St. George (midten av 1200-tallet)
Relieffikoner, som er uvanlige for oss, er godt kjent i Byzantium. Saint George ble forresten ofte avbildet i relieff. Bysantinske ikoner de var laget av gull og sølv, og det var ganske mange av dem (vi vet om dette fra inventarene av bysantinske klostre som har nådd oss). Flere av disse bemerkelsesverdige ikonene har overlevd og kan sees i skattkammeret til Markuskirken i Venezia, hvor de ble tatt som bytte fra det fjerde korstoget.
Relieffikoner i tre er et forsøk på å erstatte smykker med mer økonomiske materialer. Det som tiltrakk meg ved tre var muligheten for den sensuelle håndgripbarheten til et skulpturelt bilde. Selv om skulptur som ikonteknikk ikke var særlig utbredt i Bysants, må vi huske at gatene i Konstantinopel, før den ble ødelagt av korsfarerne på 1200-tallet, var kantet med gamle statuer. Og bysantinerne hadde skulpturelle bilder, som de sier, «i blodet».
Ikonet i full lengde viser Saint George som ber, som vender seg til Kristus, som om han flyr fra himmelen i øvre høyre hjørne av midten av dette ikonet. I margen er en detaljert livssyklus. Over bildet vises to erkeengler som flankerer det ikke bevarte bildet av "Prepared Throne (Etymasia)". Den introduserer en veldig viktig tidsdimensjon i ikonet, og minner om det kommende annet komme.
Det vil si at vi ikke snakker om sanntid, eller til og med den historiske dimensjonen av gammel kristen historie, men om den såkalte ikoniske eller liturgiske tiden, der fortid, nåtid og fremtid er flettet sammen til en enkelt helhet.
I dette ikonet, som i mange andre ikoner fra midten av 1200-tallet, er visse vestlige trekk synlige. I løpet av denne epoken ble hoveddelen av det bysantinske riket okkupert av korsfarerne. Det kan antas at personen som bestilte ikonet kan ha vært knyttet til dette miljøet. Dette bevises av det svært ikke-bysantinske, ikke-greske skjoldet til George, som minner mye om skjold med vestlige ridders våpenskjold. Kantene på skjoldet er omgitt av et særegent ornament, der det er lett å gjenkjenne en imitasjon av arabisk kufisk skrift; i denne epoken var det spesielt populært og ble ansett som et tegn på det hellige.
I nedre venstre del, ved føttene til St. George, er det en kvinnelig figur i rike, men svært strenge klær, som faller i bønn ved føttene til helgenen. Dette er den ukjente kunden til dette ikonet, tilsynelatende det samme navnet som en av de to hellige kvinnene som er avbildet på baksiden av ikonet (den ene er signert med navnet "Marina", den andre martyren i kongelige klær er et bilde av St. Catherine eller St. Irene).
Saint George er krigers skytshelgen, og tar dette i betraktning, kan det antas at ikonet bestilt av en ukjent kone er et votivbilde med en bønn for mannen hennes, som i denne svært turbulente tiden kjemper et sted og trenger mest direkte beskyttelse av hovedkrigeren fra rangen av martyrer.
Ikon av Guds mor og barn med korsfestelsen på baksiden (XIV århundre)
Det mest kunstnerisk bemerkelsesverdige ikonet på denne utstillingen er det store ikonet av Guds mor og barnet med korsfestelsen på baksiden. Dette er et mesterverk av Konstantinopel-maleriet, mest sannsynlig malt av en fremragende, kan man til og med si, stor kunstner i første halvdel av 1300-tallet, storhetstiden til den såkalte "paleologiske renessansen".
I løpet av denne epoken dukket de berømte mosaikkene og freskene til Chora-klosteret i Konstantinopel, kjent for mange under det tyrkiske navnet Kahrie-Jami, opp. Dessverre led ikonet sterkt, tilsynelatende av bevisst ødeleggelse: bokstavelig talt har noen få fragmenter av bildet av Guds mor og barn overlevd. Dessverre ser vi mest sene tillegg. Korsfestelsesscenen er mye bedre bevart. Men også her ødela noen ansiktene målrettet.
Men selv det som har overlevd snakker om hånden til en fremragende kunstner. Og ikke bare en stor mester, men en mann med ekstraordinært talent som satte seg spesielle åndelige mål.
Han fjerner alle unødvendige ting fra korsfestelsesscenen, og konsentrerer oppmerksomheten om de tre hovedfigurene, der man på den ene siden kan lese det eldgamle grunnlaget som aldri forsvant i den bysantinske kunsten - en fantastisk skulpturell plastisitet, som imidlertid forvandles av åndelig energi. For eksempel ser figurene til Guds mor og evangelisten Johannes ut til å være skrevet på grensen mellom det virkelige og det overnaturlige, men denne linjen krysses ikke.
Figuren til Guds mor, pakket inn i kapper, ble malt i lapis lazuli, en veldig dyr maling som bokstavelig talt var verdt sin vekt i gull. Langs kanten av maforiaen er en gyllen kant med lange dusker. Den bysantinske tolkningen av denne detaljen har ikke overlevd. Imidlertid foreslo jeg i et av mine verk at det også er knyttet til ideen om prestedømmet. Fordi de samme duskene langs kanten av kappen, også supplert med gullklokker, var et viktig trekk ved kappene til den gammeltestamentlige ypperstepresten i Jerusalem-templet. Kunstneren minner veldig delikat om dette intercom Guds mor, som ofrer sin sønn, med temaet prestedømmet.
Golgata-fjellet er vist som en liten høyde; bak den er den lave bymuren i Jerusalem synlig, som på andre ikoner er mye mer imponerende. Men her ser det ut til at kunstneren viser scenen for korsfestelsen i fugleperspektiv. Og derfor dukker Jerusalems mur opp i dypet, og all oppmerksomhet, på grunn av den valgte vinkelen, er konsentrert om hovedfiguren til Kristus og de innrammede figurene til Johannes evangelisten og Guds mor, og skaper bildet av en sublim romlig handling.
Den romlige komponenten er av grunnleggende betydning for å forstå utformingen av hele det dobbeltsidige ikonet, som vanligvis er et prosesjonsbilde, oppfattet i rom og bevegelse. Kombinasjonen av to bilder - Guds mor Hodegetria på den ene siden og korsfestelsen - har sin egen høye prototype. De samme to bildene var på begge sider av det bysantinske palladium - ikonet til Hodegetria av Konstantinopel.
Mest sannsynlig reproduserte dette ikonet av ukjent opprinnelse temaet Hodegetria fra Konstantinopel. Det er mulig at det kan ha sammenheng med den viktigste mirakuløse handlingen som skjedde med Hodegetria av Konstantinopel hver tirsdag, da hun ble ført til plassen foran Odigon-klosteret, og et ukentlig mirakel fant sted der - ikonet begynte å fly inn en sirkel i firkanten og roter rundt dens akse. Vi har bevis på dette fra mange mennesker - representanter for forskjellige nasjoner: latinere, spanjoler og russere, som så denne fantastiske handlingen.
De to sidene av ikonet på utstillingen i Moskva minner oss om at de to sidene av Konstantinopel-ikonet dannet en uoppløselig dobbel enhet av inkarnasjonen og det forløsningsoffer.
Ikon av Vår Frue Cardiotissa (XV århundre)
Ikonet ble valgt av skaperne av utstillingen som det sentrale. Her er et sjeldent tilfelle for den bysantinske tradisjonen når vi kjenner navnet på kunstneren. Han signerte dette ikonet, på den nederste margen er det skrevet på gresk - "Hand of an Angel". Dette er den berømte Angelos Akotantos - en kunstner fra første halvdel av 1400-tallet, som det gjenstår ganske mye av stort antall ikoner Vi vet mer om ham enn om andre bysantinske mestere. En rekke dokumenter har overlevd, inkludert testamentet hans, som han skrev i 1436. Han trengte ikke testamente, han døde mye senere, men dokumentet ble bevart.
Den greske inskripsjonen på ikonet "Mother of God Kardiotissa" er ikke et trekk ved den ikonografiske typen, men snarere et epitet - en karakteristikk av bildet. Jeg tror at selv en person som ikke er kjent med bysantinsk ikonografi kan gjette hva vi snakker om: vi kjenner alle ordet kardiologi. Cardiotissa - hjerte.
Ikon av Vår Frue Cardiotissa (XV århundre)
Spesielt interessant fra ikonografiens synspunkt er posituren til barnet, som på den ene siden omfavner Guds mor, og på den andre ser ut til å tippe bakover. Og hvis Guds mor ser på oss, så ser babyen inn i himmelen, som om den er langt fra henne. En merkelig positur, som noen ganger ble kalt Leaping i russisk tradisjon. Det vil si, på ikonet ser det ut til å være en baby som leker, men han spiller ganske rart og veldig ikke som et barn. Det er i denne stillingen til den veltende kroppen at det er en indikasjon, et gjennomsiktig hint av temaet Nedstigningen fra korset, og følgelig lidelsen til Gud-mennesket i øyeblikket av korsfestelsen.
Her møter vi det store bysantinske dramaet, når tragedie og triumf kombineres til ett, en høytid - dette er både den største sorgen og samtidig en fantastisk seier, menneskehetens frelse. Det lekende barnet forutser hans kommende offer. Og Guds mor, som lider, godtar den guddommelige planen.
Dette ikonet inneholder den endeløse dybden av den bysantinske tradisjonen, men hvis vi ser nøye etter, vil vi se endringer som vil føre til en ny forståelse av ikonet veldig snart. Ikonet ble malt på Kreta, som tilhørte venetianerne på den tiden. Etter Konstantinopels fall ble det hovedsenteret for ikonmaleri i hele den greske verden.
I dette ikonet til den fremragende mesteren Angelos ser vi hvordan han balanserer på grensen til å gjøre et unikt bilde til en slags klisjé for standardreproduksjoner. Bildene av lysgap er allerede i ferd med å bli noe mekanistiske, de ser ut som et stivt rutenett lagt på en levende plastbunn, noe tidligere tiders kunstnere aldri tillot.
Ikon av Vår Frue Cardiotissa (XV århundre), fragment
Foran oss er et enestående bilde, men i en viss forstand allerede grenselinjet, stående på grensen mellom Bysans og post-Byzantium, når levende bilder gradvis blir til kalde og noe sjelløse kopier. Vi vet hva som skjedde på Kreta mindre enn 50 år etter at dette ikonet ble malt. Kontrakter mellom venetianerne og de ledende ikonmalerne på øya har nådd oss. I følge en slik kontrakt i 1499 skulle tre verksteder for ikonmaling produsere 700 ikoner av Guds mor på 40 dager. Generelt er det klart at en slags kunstnerisk industri begynner, åndelig tjeneste gjennom opprettelsen av hellige bilder blir til et håndverk for markedet, som tusenvis av ikoner er malt for.
Det vakre ikonet til Angelos Akotanthos representerer en slående milepæl i den flere hundre år lange prosessen med devaluering av bysantinske verdier, som vi alle er arvinger til. Jo mer verdifull og viktig blir kunnskapen om ekte Byzantium, muligheten til å se det med egne øyne, som ble gitt oss av den unike "utstillingen av mesterverk" i Tretyakov-galleriet.
Engel. Fragment av ikonet «Great Martyr George, med scener fra livet hans. Store martyrer Marina og Irina (?).» Tosidig ikon. XIII århundre. Tre, utskjæring, tempera. Bysantinsk og kristent museum, Athen. Foto med tillatelse fra pressetjenesten Tretyakov Gallery.
Dato: 8. februar–9. april 2017
Plass: Lavrushinsky lane, 10, rom 38Kurator: SPISE. Saenkova
Deltakende museer: Bysantinsk og kristent museum, Benaki-museet, samling av E. Velimezis - H. Margaritis
Sammensetning: 18 utstillinger: 12 ikoner, 2 illustrerte manuskripter, liturgiske gjenstander - prosesjonskors, luft, 2 katsei
En interessant utstilling åpner i Tretyakov Gallery. Den vil inneholde verk av bysantinsk og post-bysantinsk kunst fra museer og private samlinger i Hellas. Dette er monumenter fra slutten av X-tallet, som gir en idé om de forskjellige periodene med bysantinsk kunst. Byzantiums kunst er en uvurderlig skatt i verden, spesielt viktig for utviklingen av russisk kultur. Utstillingen "Masterpieces of Byzantium" ligger ved siden av hallene til den permanente utstillingen av gammel russisk kunst fra 1000- til 1600-tallet, som lar betrakteren spore paralleller og se funksjonene til verkene til russiske og greske kunstnere.
« På utstillingen er hvert av verkene et unikt monument fra sin tid. Utstillingene gir en mulighet til å presentere historien til bysantinsk kultur og spore den gjensidige påvirkningen fra tradisjonene til østlig og vestlig kristen kunst. Det tidligste monumentet i utstillingen er et prosesjonskors i sølv fra slutten av 900-tallet med bilder av Kristus, Guds mor og helgener inngravert.
Kunsten fra 1100-tallet er representert av ikonet «The Raising of Lazarus», som legemliggjør datidens sofistikerte, raffinerte malerstil. Samlingen til Tretyakov-galleriet inneholder ikonet "Vår Frue av Vladimir" fra samme tid, opprettet i Konstantinopel i den første tredjedelen av 1100-tallet og deretter brakt til Russland.
En av utstillingens mest slående utstillinger er et relieff med bildet av den store martyren George med scener fra hans liv. Det fungerer som et eksempel på samspillet mellom bysantinske og vesteuropeiske mestere, som la grunnlaget for fenomenet korsfarerverkstedene - en mest interessant side i historien til det 13. århundre. Treskjæringsteknikken som St. George-figuren er laget i er ikke typisk for bysantinsk kunst og er åpenbart lånt fra Vestlig tradisjon, mens den praktfulle rammen av frimerker ble skapt i samsvar med kanonene til bysantinsk maleri.
Ikonet "Jomfruen og barnet", malt på begynnelsen av 1200-tallet, antagelig av en kypriotisk mester, demonstrerer en annen måte for gjensidig påvirkning mellom middelalderkunst fra øst og vest. I den kunstneriske kulturen i denne perioden, assosiert med gjenopplivingen av imperiet og Palaiologan-dynastiet, ble bevegelsen mot gamle tradisjoner oppfattet som en søken etter ens kulturelle identitet.
Den modne kunststilen fra Palaiologan-tiden tilhører det dobbeltsidige bildet "Vår Frue Hodegetria, med de tolv høytidene." Tronen forberedt» på slutten av 1300-tallet. Dette ikonet er en samtidig av verkene til Theophanes den greske. Begge kunstnerne bruker de samme kunstneriske teknikkene; spesielt de tynne linjene som gjennomsyrer ansiktene til Guds mor og barnet, og symboliserer energiene til guddommelig lys. Dette bildet er åpenbart en kopi fra det mirakuløse Konstantinopel-ikonet Hodegetria.
Flere gjenstander forteller om rikdommen av dekorativ og brukskunst i Byzantium, inkludert en katsea (rasekar) med bildet av de store martyrene Theodore og Demetrius og et brodert luft (omslag) for de hellige gaver. Kunstnernes teknikk var spesielt virtuos, og dekorerte manuskripter med komplekse, utsøkte ornamenter i hodeplagg, initialer og miniatyrer med bilder av evangelister. Nivået på deres ferdigheter demonstreres av to evangeliekoder - det 13. og tidlige 14. århundre.
Den post-bysantinske perioden er representert av tre ikoner av greske mestere som dro til Kreta etter Konstantinopels fall i 1453. Disse verkene lar oss spore syntesen av kreative funn av europeisk kunst og den tradisjonelle bysantinske kanonen.
Den bysantinske kunstneriske tradisjonen sto i opprinnelsen til dannelsen av kunsten til mange folk. Helt fra begynnelsen av spredningen av kristendommen i Kievan Rus, ga greske kunstnere og arkitekter ferdighetene til tempelbygging, freskomaleri, ikonmaleri, bokdesign og smykkekunst videre til russiske håndverkere. Dette kulturelle samspillet fortsatte i mange århundrer. Fra det 10. til det 15. århundre gikk russisk kunst fra læretid til høy mesterskap, og bevarte minnet om Byzantium som en fruktbar kilde, lange åråndelig næret russisk kultur." - melder pressetjenesten til Tretjakovgalleriet.