Kulayan ang isang icon sa istilong pang-akademiko sa pagawaan ng pagpipinta ng icon ng Northern Atho. Pagpipinta ng icon ng Byzantine

Maraming mga eksperto na interesado sa pagpipinta ng icon ang nagtatanong - ano ang maaaring ituring na isang icon sa ating panahon? Sapat ba na sundin lamang ang mga kanon na inilatag ilang siglo na ang nakalilipas? Gayunpaman, mayroong isang punto ng pananaw na ang mga tagasunod ay nagtaltalan na kinakailangan pa ring mapanatili ang istilong direksyon kapag lumilikha ng ganitong uri.

Mga kanon at istilo

Maraming tao ang nalilito sa dalawang konseptong ito: canon at istilo. Dapat silang maghiwalay. Gayunpaman, ang mga canon, sa kanilang orihinal na kahulugan, ay higit pa sa isang pampanitikang bahagi ng imahe. Para sa kanya, mas mahalaga ang plot ng itinatanghal na eksena: sino ang nakatayo kung saan, sa anong kasuotan, kung ano ang kanilang ginagawa at iba pang aspeto ng fine art. Halimbawa, ang ipinapakita sa ay isang maliwanag na halimbawa mga pagpapahayag ng canon.

Sa sangkap na pangkakanyahan, isang mas mahalagang papel ang ginagampanan ng paraan ng pagpapahayag ng artist ng kanyang mga iniisip, na nakakaimpluwensya sa atin at nagpapaunawa sa atin at mas nauunawaan ang layunin ng paglikha ng isang masining na imahe. Kinakailangang maunawaan na pinagsasama ng estilo ng bawat pagpipinta ang parehong mga indibidwal na katangian ng pamamaraan ng pagpipinta ng artist at ang lilim ng genre, panahon, bansa at maging ang direksyon ng napiling paaralan. Kaya, ito ay dalawang magkaibang konsepto na dapat paghiwalayin kung gusto mong maunawaan ang pagpipinta ng icon.

I-highlight natin ang dalawang pangunahing istilo:

• Byzantine.
• Akademiko.

Estilo ng Byzantine.

Ang isa sa mga pinakasikat na teorya tungkol sa paglikha ng mga icon ay ang pinapaboran lamang ang mga gawa ng sining na ipininta sa istilong "Byzantine". Sa Russia, ang "Italian" o "akademiko" na lilim ay mas madalas na ginagamit. Kaya naman hindi nakikilala ng mga tagasunod ng kilusang ito ang mga icon mula sa maraming bansa.

Gayunpaman, kung tatanungin mo ang mga ministro ng simbahan, sasagot sila na ang mga ito ay ganap na mga icon at walang dahilan upang tratuhin sila nang iba.

Kaya, ang pagtataas ng pamamaraang "Byzantine" sa iba ay mali.

Estilo ng akademiko.

Gayunpaman, marami ang patuloy na umaasa sa "kakulangan ng espirituwalidad" ng istilong "akademiko" at hindi tumatanggap ng mga icon na may katulad na mga lilim. Ngunit mayroong isang makatwirang butil sa mga argumentong ito sa unang sulyap lamang, dahil pagkatapos na tingnang mabuti at pag-isipang mabuti, malinaw na hindi para sa wala na ang lahat ng mga pangalang ito ay binanggit sa panitikan sa mga panipi at napakaingat. Pagkatapos ng lahat, sila mismo ay isang kumbinasyon ng maraming mga kadahilanan na nakaimpluwensya sa artist at sa kanyang estilo ng pagpapahayag ng sarili.

Ang mga opisyal ay ganap na hindi binabalewala at hindi nais na makilala sa pagitan ng gayong mga trifle. Samakatuwid, ang mga konseptong ito sa karamihan ng mga kaso ay ginagamit lamang sa mga pagtatalo sa pagitan ng masigasig na mga tagapagtaguyod ng isa at isa pang direksyon ng istilo.

(Sa kabila ng katotohanan na patuloy silang nagkomento sa ikaanim na kabanata, at nagkomento ng mabuti, nagsisimula akong mag-post ng ikapitong).

Estilo sa pagpipinta ng icon

Kaya, sapat na bang sundin - kahit na hindi mapag-aalinlanganan, walang kamali-mali - ang iconographic na canon para maging isang icon ang isang imahe? O may iba pang pamantayan? Para sa ilang mga rigorists, na may magaan na kamay ng mga sikat na may-akda ng ikadalawampu siglo, ang estilo ay isang pamantayan.

Sa pang-araw-araw, philistine na pag-unawa, ang estilo ay nalilito lamang sa canon. Upang hindi na bumalik sa isyung ito muli, ulitin namin iyon ang iconographic canon ay ang purong pampanitikan, nominal na bahagi ng imahe : sino, sa anong pananamit, setting, aksyon ang dapat na kinakatawan sa icon - kaya, theoretically, kahit na isang larawan ng mga costume na extra sa mga sikat na setting ay maaaring maging walang kamali-mali mula sa punto ng view ng iconography. Ang istilo ay isang sistema ng masining na pananaw ng mundo na ganap na independyente sa paksa ng imahe. , panloob na magkakasuwato at nagkakaisa, ang prisma na iyon kung saan ang artista - at pagkatapos niya ang manonood - ay tumitingin sa lahat - maging ito ay isang magandang larawan ng Huling Paghuhukom o ang pinakamaliit na tangkay ng damo, isang bahay, isang bato, isang tao at bawat buhok sa ulo ng taong ito. Makilala indibidwal na istilo ang pintor (mayroong walang katapusan na maraming gayong mga estilo, o asal, at bawat isa sa kanila ay natatangi, bilang isang pagpapahayag ng isang natatanging kaluluwa ng tao) - at estilo sa isang mas malawak na kahulugan, na nagpapahayag ng diwa ng isang panahon, bansa, paaralan. Sa kabanatang ito ay gagamitin lamang natin ang terminong "estilo" sa pangalawang kahulugan.

Kaya, mayroong isang opinyon

na parang ang mga ipininta lamang sa tinatawag na "estilo ng Byzantine" ay isang tunay na icon. Ang istilong "akademiko" o "Italyano", na sa Russia ay tinawag na "Fryazhsky" noong transisyonal na panahon, ay diumano'y isang bulok na produkto ng huwad na teolohiya ng Kanluraning Simbahan, at ang isang akdang nakasulat sa istilong ito ay hindi umano isang tunay na icon. , hindi lang isang icon .

Dome ng Katedral ng St. Sofia sa Kiev, 1046

V.A. Vasnetsov. Sketch ng pagpipinta ng simboryo ng Vladimir Cathedral sa Kyiv. 1896.

Ang pananaw na ito ay mali na dahil ang icon bilang isang kababalaghan ay pangunahing pag-aari ng Simbahan, habang ang Simbahan ay walang pasubali na kinikilala ang icon sa akademikong istilo. At kinikilala nito hindi lamang sa antas ng pang-araw-araw na pagsasanay, ang mga panlasa at kagustuhan ng mga ordinaryong parokyano (dito, tulad ng alam, maling akala, nakatanim na masamang gawi, at mga pamahiin ay maaaring maganap). Ang mga dakilang santo ay nanalangin sa harap ng mga icon na ipininta sa istilong "akademiko". VIII - XX siglo, ang mga monastic workshop ay nagtrabaho sa istilong ito, kabilang ang mga workshop ng mga natitirang espirituwal na sentro tulad ng Valaam o ang mga monasteryo ng Athos. Ang pinakamataas na hierarchs ng Russian Orthodox Church ay nag-order ng mga icon mula sa mga akademikong artista. Ang ilan sa mga icon na ito, halimbawa, ang mga gawa ni Viktor Vasnetsov, ay nanatiling kilala at minamahal ng mga tao sa ilang henerasyon, nang hindi sumasalungat sa kamakailang lumalagong katanyagan ng istilong "Byzantine". Metropolitan Anthony Khrapovitsky noong 30s. tinawag na V. Vasnetsov at M. Nesterov na mga pambansang henyo ng pagpipinta ng icon, mga exponents ng conciliar, katutubong sining, isang natatanging kababalaghan sa lahat ng mga Kristiyanong tao na, sa kanyang opinyon, sa oras na iyon ay walang anumang icon na pagpipinta sa tunay na kahulugan ng ang salita.

Ang pagkakaroon ng itinuro ang walang alinlangan na pagkilala sa hindi-Byzantine na istilo ng pagpipinta ng icon ng Orthodox Church, gayunpaman, hindi tayo maaaring masiyahan dito. Ang opinyon tungkol sa kaibahan sa pagitan ng mga istilong "Byzantine" at "Italian", tungkol sa espiritwalidad ng una at ang kakulangan ng espiritwalidad ng pangalawa, ay masyadong laganap upang hindi na isaalang-alang. Ngunit tandaan natin na ang opinyong ito, sa unang tingin ay makatwiran, sa katunayan ay isang arbitraryong katha. Hindi lamang ang konklusyon mismo, kundi pati na rin ang mga lugar nito ay lubos na kaduda-dudang. Ang mismong mga konseptong ito, na inilalagay namin sa mga panipi dito para sa isang kadahilanan, "Byzantine" at "Italian", o istilong pang-akademiko, ay mga kumbensiyonal at artipisyal na konsepto. Binabalewala sila ng simbahan, hindi rin alam ng siyentipikong kasaysayan at teorya ng sining ang gayong pinasimple na dichotomy (umaasa kami na hindi na kailangang ipaliwanag na ang mga terminong ito ay hindi nagdadala ng anumang teritoryal-historikal na nilalaman). Ginagamit lamang ang mga ito sa konteksto ng polemics sa pagitan ng mga partisan ng una at pangalawa. At dito tayo ay pinilit na tukuyin ang mga konsepto na mahalagang walang kapararakan para sa atin - ngunit, sa kasamaang-palad, ay matatag na nakabaon sa kamalayang philistine. Sa itaas napag-usapan na natin ang tungkol sa maraming "pangalawang tampok" ng kung ano ang itinuturing na "estilo ng Byzantine," ngunit ang tunay na paghahati sa pagitan ng "mga istilo," siyempre, ay nasa ibang lugar. Ang kathang-isip at madaling natutunaw na pagsalungat para sa mga semi-educated na mga tao ay bumaba sa sumusunod na primitive na pormula: ang estilo ng akademiko ay kapag ito ay "mukhang" mula sa kalikasan (o sa halip, tila sa tagapagtatag ng "teolohiya ng icon" na si L. Uspensky na ito ay magkatulad), at estilo ng Byzantine - kapag ito ay "hindi kamukha" (ayon sa opinyon ng parehong Uspensky). Totoo, ang kilalang "teologo ng icon" ay hindi nagbibigay ng mga kahulugan sa isang direktang anyo - tulad ng, sa katunayan, sa anumang iba pang anyo. Ang kanyang aklat sa pangkalahatan ay isang magandang halimbawa ng kumpletong kawalan ng metodolohiya at ganap na boluntaryo sa terminolohiya. Walang lugar sa lahat para sa mga kahulugan at pangunahing mga probisyon sa pangunahing gawaing ito; ang mga konklusyon ay agad na inilatag sa talahanayan, interspersed na may preventive kicks sa mga hindi sanay na sumang-ayon sa mga konklusyon mula sa wala. Kaya't ang mga pormula na "katulad - akademiko - hindi espirituwal" at "hindi magkatulad - Byzantine - espirituwal" ay wala kahit saan ipinakita ni Uspensky sa kanilang kaakit-akit na kahubaran, ngunit unti-unting ipinakita sa mambabasa sa maliliit na natutunaw na mga dosis na may hitsura na ito ay mga axiom na nilagdaan ng mga ama. ng pitong Ecumenical Councils- Ito ay hindi para sa wala na ang libro mismo ay tinatawag - hindi bababa sa - "Theology of the Icon of the Orthodox Church." Upang maging patas, idinagdag namin na ang orihinal na pamagat ng aklat ay mas katamtaman at isinalin mula sa Pranses bilang "Theology of the Icon V Simbahang Ortodokso,” ang maliit na pang-ukol na ito na “sa” ay nawala sa isang lugar sa edisyong Ruso, na maganda ang pagkakakilanlan ng Simbahang Ortodokso na nag-drop sa mataas na paaralan nang walang edukasyong teolohiko.

Ngunit bumalik tayo sa tanong ng estilo. Tinatawag naming primitive at bulgar ang pagsalungat sa pagitan ng "Byzantine" at "Italian" dahil:

a) Ang ideya ng kung ano ang katulad ng kalikasan at kung ano ang hindi katulad nito ay lubhang kamag-anak. Kahit na para sa parehong tao, maaari itong magbago nang malaki sa paglipas ng panahon. Ibigay ang iyong sariling ideya tungkol sa pagkakatulad sa kalikasan ng ibang tao, at higit pa sa ibang mga panahon at bansa - ay higit pa sa walang muwang.

b) Sa matalinghagang pinong sining ng anumang istilo at anumang panahon, ang imitasyon ng kalikasan ay hindi binubuo sa pasibong pagkopya nito, ngunit sa mahusay na paghahatid ng malalim na katangian, lohika at pagkakaisa nito nakikitang mundo, banayad na paglalaro at pagkakaisa ng mga sulat na palagi nating inoobserbahan sa Paglikha.

c) Samakatuwid, sa sikolohiya ng artistikong pagkamalikhain, sa pagtatasa ng madla, ang pagkakahawig sa kalikasan ay isang walang alinlangan na positibong kababalaghan. Sinisikap ito ng isang pintor na matino ang puso at isip, inaasahan ito ng manonood at kinikilala ito sa gawa ng co-creation.

d) Ang isang pagtatangka sa isang seryosong teolohiko na pagpapatunay ng kasamaan ng pagkakatulad sa kalikasan at ang pagpapala ng hindi pagkakatulad dito ay hahantong sa alinman sa isang lohikal na patay na dulo o sa maling pananampalataya. Tila, ito ang dahilan kung bakit walang gumawa ng ganoong pagtatangka sa ngayon.

Ngunit sa gawaing ito, gaya ng nabanggit sa itaas, umiiwas tayo sa pagsusuri sa teolohiya. Limitahan natin ang ating mga sarili sa pagpapakita lamang ng kamalian ng paghahati ng sagradong sining sa "fallen academic" at "spiritual Byzantine" mula sa pananaw ng kasaysayan at teorya ng sining.

Hindi mo kailangang maging isang mahusay na espesyalista upang mapansin ang mga sumusunod: ang mga sagradong larawan ng unang grupo ay kinabibilangan hindi lamang ang mga icon ng Vasnetsov at Nesterov, na nilapastangan ni Uspensky, kundi pati na rin ang mga icon ng Russian Baroque at Classicism, ganap na naiiba sa istilo, hindi banggitin ang lahat ng sagradong pagpipinta sa Kanlurang Europa - mula sa Maagang Renaissance hanggang Matangkad, mula Giotto hanggang Durer, mula Raphael hanggang Murillo, mula Rubens hanggang Ingres. Hindi maipahayag na kayamanan at lawak, buong panahon sa kasaysayan ng mundong Kristiyano, tumataas at bumabagsak na mga alon ng mahusay na mga estilo, pambansa at lokal na mga paaralan, mga pangalan ng mga dakilang masters, tungkol sa kung kaninong buhay, kabanalan, mystical na karanasan mayroon kaming data ng dokumentaryo na mas mayaman kaysa sa tungkol sa " tradisyonal” na mga pintor ng icon . Ang lahat ng walang katapusang estilistang pagkakaiba-iba na ito ay hindi maaaring bawasan sa isang sumasaklaw sa lahat at isang priori negatibong termino.

At ano ang walang pag-aalinlangan na tinatawag na "estilo ng Byzantine"? Dito ay nakatagpo tayo ng mas malupit, mas labag sa batas na pagkakaisa sa ilalim ng isang termino ng halos dalawang libong taon ng kasaysayan ng pagpipinta ng simbahan, kasama ang lahat ng pagkakaiba-iba ng mga paaralan at ugali: mula sa sukdulan, pinaka-primitive na paglalahat ng mga likas na anyo hanggang sa halos naturalistikong interpretasyon ng sila, mula sa matinding pagiging simple hanggang sa sukdulan, sinasadyang kumplikado, mula sa madamdaming pagpapahayag hanggang sa pinaka malambot na lambing, mula sa pagiging direkta ng apostol hanggang sa manneristic na kasiyahan, mula sa mga dakilang master ng kahalagahan ng panahon hanggang sa mga artisan at maging mga baguhan. Dahil alam (mula sa mga dokumento, at hindi mula sa di-makatwirang interpretasyon ng sinuman) ang lahat ng pagkakaiba-iba ng napakalaking layer ng kulturang Kristiyano, wala tayong karapatang suriin ang priori bilang tunay na eklesyastiko at mataas na espirituwal ang lahat ng mga phenomena na akma sa kahulugan ng "estilo ng Byzantine."

At, sa wakas, ano ang dapat nating gawin sa malaking bilang ng mga artistikong phenomena na ang istilo ay hindi kabilang sa isang partikular na kampo, ngunit matatagpuan sa hangganan sa pagitan nila, o, sa halip, sa kanilang pagsasama? Saan natin inilalagay ang mga icon nina Simon Ushakov, Kirill Ulanov at iba pang mga pintor ng icon ng kanilang lupon? Iconography ng western outskirts ng Russian Empire XVI - XVII siglo?

Hodegetria. Kirill Ulanov, 1721

Our Lady of Korsun. 1708 36.7 x 31.1 cm Pribadong koleksyon, Moscow. Inskripsyon sa kanang ibaba: "(1708) na isinulat ni Alexy Kvashnin"

"Kagalakan ng lahat na nagdadalamhati" Ukraine, ika-17 siglo.

St. Mga Dakilang Martir na sina Barbara at Catherine. Ika-18 siglo Pambansang Museo ng Ukraine

Mga gawa ng mga artista ng paaralan ng Cretan XV - XVII siglo, isang tanyag na kanlungan sa mundo para sa mga manggagawang Ortodokso na tumatakas sa mga mananakop na Turko? Ang kababalaghan ng paaralan ng Cretan lamang, sa pamamagitan ng mismong pag-iral nito, ay pinabulaanan ang lahat ng mga haka-haka na sumasalungat sa maling paraan ng Kanluranin sa matuwid na Silangan. Isinasagawa ng mga Cretan ang mga utos ng Orthodox at mga Katoliko. Para sa dalawa, depende sa kondisyon,sa manieragreeca o sa maniera latina. Kadalasan mayroon silang, bilang karagdagan sa isang workshop sa Candia, isa pa sa Venice; Ang mga artistang Italyano ay nagmula sa Venice hanggang Crete - ang kanilang mga pangalan ay matatagpuan sa mga rehistro ng guild ng Candia. Ang parehong mga masters ay pinagkadalubhasaan ang parehong mga estilo at maaaring gumana nang halili sa isa o sa iba pa, tulad ng, halimbawa, Andreas Pavias, na nagpinta ng mga icon na "Greek" at "Latin" na may pantay na tagumpay sa parehong mga taon. Nangyari na ang mga komposisyon sa parehong mga estilo ay inilagay sa mga pintuan ng parehong fold - ito ang ginawa ni Nikolaos Ritsos at ng mga artista ng kanyang bilog. Ito ay nangyari na ang isang Greek master ay bumuo ng kanyang sariling espesyal na istilo, na nag-synthesize ng "Greek" at "Latin" na mga katangian, tulad ni Nikolaos Zafouris.

Andreas Ritsos. con. ika-15 siglo

Ang pag-alis sa Crete para sa mga monasteryo ng Ortodokso, napabuti ng mga candiot masters ang kanilang mga sarili sa tradisyong Griyego (Theofanis Strelitsas, may-akda ng mga icon at wall painting ng Meteora at ang Great Lavra sa Athos). Lumipat sa mga bansa Kanlurang Europa, nagtrabaho sila nang walang gaanong tagumpay sa tradisyon ng Latin, gayunpaman, patuloy na kinikilala ang kanilang sarili bilang Orthodox, Greeks, Candiots - at kahit na ipahiwatig ito sa mga lagda sa kanilang mga gawa. Ang pinakakapansin-pansing halimbawa ay ang Domenikos Theotokopoulos, na kalaunan ay tinawag na El Greco. Ang kanyang mga icon, na ipininta sa Crete, ay hindi maikakailang natutugunan ang pinakamahigpit na mga kinakailangan ng istilong "Byzantine", mga tradisyonal na materyales at teknolohiya, at iconographic na canonicity.

Ang kanyang mga kuwadro na gawa mula sa panahon ng Espanyol ay kilala sa lahat, at ang kanilang estilistang pagkakaugnay sa paaralan ng Kanlurang Europa ay walang alinlangan din.

Ngunit si Master Domenikos mismo ay hindi gumawa ng anumang mahalagang pagkakaiba sa pagitan ng dalawa. Palagi siyang pumirma sa Greek, pinapanatili niya ang karaniwang paraan ng pagtatrabaho ng Greek mula sa mga sample at nagulat sa mga customer na Espanyol sa pamamagitan ng pagpapakita ng mga ito - upang pasimplehin ang mga negosasyon - na may isang uri ng homemade iconographic na orihinal, karaniwang mga komposisyon ng mga pinakakaraniwang paksa na kanyang binuo.

Sa espesyal na heograpikal at pampulitikang mga kondisyon ng pagkakaroon ng paaralan ng Cretan, palagi itong nagpapakita ng sarili sa isang partikular na maliwanag at puro anyo. ang likas na pagkakaisa ng Kristiyanong sining sa pangunahing - at kapwa interes, kapwa pagpapayaman ng mga paaralan at kultura . Mga pagtatangka ng mga obscurantist na bigyang-kahulugan katulad na phenomena bilang teolohiko at moral na pagkabulok, bilang isang bagay na orihinal na hindi pangkaraniwan para sa pagpipinta ng icon ng Russia, ay hindi mapagkakatiwalaan alinman sa teolohiko o mula sa isang pangkasaysayan at kultural na pananaw. Ang Russia ay hindi kailanman naging eksepsiyon sa panuntunang ito, at tiyak na sa kasaganaan at kalayaan ng mga contact ang utang nito sa pag-usbong ng pambansang pagpipinta ng icon.

Ngunit ano ang tungkol sa sikat na kontrobersya? XVII V. tungkol sa mga istilo ng pagpipinta ng icon? Ano, kung gayon, ang paghahati ng sining ng simbahang Ruso sa dalawang sangay: "tradisyonal na nagdadala ng espiritu" at "nahulog na Italianizing"? Hindi tayo maaaring pumikit sa mga sikat na ito (at masyadong naiintindihan)phenomena. Pag-uusapan natin ang tungkol sa mga ito - ngunit, hindi tulad ng mga sikat na icon na theologian sa Kanlurang Europa, hindi natin ituturing ang mga phenomena na ito ng isang espirituwal na kahulugan na wala sa kanila.

Ang "dispute tungkol sa istilo" ay naganap sa mahihirap na kalagayang pampulitika at laban sa backdrop ng isang schism ng simbahan. Ang malinaw na kaibahan sa pagitan ng mga pinong gawa ng mga siglong gulang na pinakintab na istilo ng bansa at ang unang mahirap na pagtatangka na makabisado ang istilong "Italyano" ay nagbigay sa mga ideologo ng "banal na sinaunang panahon" ng isang malakas na sandata, na hindi sila mabagal sa paggamit. Ang katotohanan na ang tradisyonal na pagpipinta ng icon XVII V. hindi na nagtataglay ng lakas at sigla XV siglo, at, nagiging mas at mas nagyelo, lumilihis sa detalye at pagpapaganda, nagmartsa patungo sa Baroque sa sarili nitong paraan, mas pinili nilang huwag pansinin. Ang lahat ng kanilang mga arrow ay nakadirekta laban sa "lifelikeness" - ang terminong ito, na likha ni Archpriest Avvakum, ay, sa pamamagitan ng paraan, ay lubhang hindi maginhawa para sa mga kalaban nito, na nagmumungkahi bilang kabaligtaran ng isang uri ng "katulad ng kamatayan".

St. Matuwid na Grand Duke George
1645, Vladimir, Assumption Cathedral.

Solovki, ikalawang quarter ng ika-17 siglo.

Nevyansk, simula Ika-18 siglo

St. Venerable Nifont
pagliko ng ika-17-18 siglo Permian,
Galerya ng sining

Shuya Icon ng Ina ng Diyos
Fyodor Fedotov 1764
Isakovo, Museo ng mga Icon ng Ina ng Diyos

Hindi namin sisipiin sa aming maikling buod ang mga argumento ng magkabilang panig, na hindi palaging lohikal at teolohikal na makatwiran. Hindi namin ito isasailalim sa pagsusuri - lalo na't umiiral na ang mga ganitong gawain. Ngunit dapat pa rin nating tandaan na dahil hindi natin sineseryoso ang teolohiya ng schism ng Russia, hindi tayo obligadong makita ang hindi mapag-aalinlanganang katotohanan sa schismatic na "theology of the icon." At higit pa rito, hindi tayo obligadong makita ang hindi mapag-aalinlanganang katotohanan sa mababaw, kampi at diborsiyado mula sa mga katha ng kulturang Ruso tungkol sa icon, na laganap pa rin sa Kanlurang Europa. Ang mga nais na ulitin ang madaling natutunaw na mga incantation tungkol sa mga istilo ng "espirituwal na Byzantine" at "nahulog na akademiko" ay makabubuting basahin ang mga gawa ng mga tunay na propesyonal na nabuhay sa kanilang buong buhay sa Russia, kung saan ang mga kamay ng libu-libong sinaunang mga icon ay dumaan - F. I. Buslaev, N. V. Pokrovsky, N. P. Kondakova. Nakita nilang lahat ang salungatan sa pagitan ng "lumang ugali" at "kabuhayan" nang mas malalim at matino, at hindi sila mga partisan nina Avvakum at Ivan Pleshkovich, kasama ang kanilang "gross split at ignorante Old Belief". Lahat sila ay nanindigan para sa kasiningan, propesyonalismo at kagandahan sa pagpipinta ng icon at tinuligsa ang bangkay, murang handicraft, katangahan at obscurantism, kahit na sa pinakadalisay na "estilo ng Byzantine".

Ang mga layunin ng aming pananaliksik ay hindi nagpapahintulot sa amin na manatili sa kontrobersya nang matagal XVII V. sa pagitan ng mga kinatawan at ideologist ng dalawang direksyon sa sining ng simbahan ng Russia. Lumiko tayo sa mga bunga ng mga direksyong ito. Ang isa sa kanila ay hindi nagpataw ng anumang mga estilistang paghihigpit sa mga artist at self-regulated sa pamamagitan ng mga order at kasunod na pagkilala o hindi pagkilala sa mga icon ng klero at layko, ang isa, konserbatibo, sa unang pagkakataon sa kasaysayan ay sinubukang magreseta ng isang artistikong istilo sa icon painters, ang pinakamadaling, malalim na personal na instrumento ng kaalaman sa Diyos at sa nilikhang mundo.

Ang sagradong sining ng una, pangunahing direksyon, na malapit na nauugnay sa buhay at kultura ng mga taong Orthodox, ay sumailalim sa isang tiyak na panahon ng reorientation at, medyo nagbago ng mga teknikal na pamamaraan, mga ideya tungkol sa kombensiyon at pagiging totoo, ang sistema ng spatial constructions, nagpatuloy. sa pinakamahuhusay na kinatawan nito ang sagradong misyon ng kaalaman sa Diyos sa mga larawan. Ang kaalaman sa Diyos ay tunay na tapat at responsable, hindi pinapayagan ang personalidad ng artista na magtago sa ilalim ng maskara ng panlabas na istilo.

At kung ano ang nangyari sa oras na ito, mula sa dulo XVII hanggang XX c., na may "tradisyonal" na pagpipinta ng icon? Inilalagay namin ang salitang ito sa mga panipi dahil sa katotohanan ang hindi pangkaraniwang bagay na ito hindi sa lahat ng tradisyonal, ngunit walang uliran: hanggang ngayon, ang estilo ng pagpipinta ng icon ay kasabay ng isang makasaysayang istilo, isang buhay na pagpapahayag ng espirituwal na kakanyahan ng panahon at bansa, at ngayon lamang ang isa sa mga istilong ito ay nagyelo sa kawalang-kilos at ipinahayag mismo ang tanging totoo.

St. Reverend Evdokia
Nevyansk, Ivan Chernobrovin, 1858

Nevyansk, 1894
(lahat ng mga icon ng Old Believer para sa pag-post na ito ay kinuha )

Ang pagpapalit na ito ng isang buhay na pagsisikap na makipag-usap sa Diyos sa pamamagitan ng isang iresponsableng pag-uulit ng mga kilalang formula ay makabuluhang nagpababa sa antas ng pagpipinta ng icon sa "tradisyonal na paraan." Ang average na "tradisyonal" na icon ng panahong ito, sa kanyang artistikong at espirituwal na nagpapahayag na mga katangian, ay makabuluhang mas mababa hindi lamang sa mga icon ng mga naunang panahon, kundi pati na rin ang mga kontemporaryong icon na ipininta sa isang akademikong paraan - dahil sa ang katunayan na kahit sinong may talento na artista ay hinahangad. upang makabisado ang akademikong paraan, nakikita sa loob nito ang isang perpektong instrumento para sa pag-unawa sa nakikita at di-nakikitang mundo, at sa mga diskarteng Byzantine - tanging pagkabagot at barbarismo. At hindi natin makikilala ang pag-unawa sa mga bagay na ito bilang malusog at tama, dahil ang pagkabagot at barbarismo na ito ay talagang likas sa "estilo ng Byzantine", na bumagsak sa mga kamay ng mga artisan, at ang huli, kahiya-hiyang kontribusyon nito sa kaban ng simbahan. Napakahalaga na ang napakakaunting mga master na may mataas na uri na "nahanap ang kanilang mga sarili" sa istilong ito na patay na sa kasaysayan ay hindi gumana para sa Simbahan. Ang mga kliyente ng gayong mga pintor ng icon (karaniwan ay Old Believers) ay para sa karamihan ay hindi mga monasteryo o simbahan ng parokya, ngunit mga indibidwal na amateur collector. Kaya, ang mismong layunin ng icon para sa pakikipag-usap sa Diyos at kaalaman sa Diyos ay naging pangalawa: sa pinakamaganda, ang gayong mahusay na ipininta na icon ay naging isang bagay ng paghanga, sa pinakamasama, isang bagay ng pamumuhunan at pagkuha. Ang kalapastanganang pagpapalit na ito ay binaluktot ang kahulugan at pagtitiyak ng mga gawa ng "makalumang" mga pintor ng icon. Tandaan natin ang makabuluhang terminong ito na may malinaw na lasa ng artificiality at pekeng. Malikhaing gawain, na dating malalim na personal na presensya ng Panginoon sa Simbahan at para sa Simbahan, ay dumanas ng pagkabulok, hanggang sa punto ng tahasang pagkakasala: mula sa isang mahuhusay na tagagaya hanggang sa isang mahuhusay na manghuhuwad ay isang hakbang.

Alalahanin natin ang klasikong kuwento ni N. A. Leskov na "The Sealed Angel." Isang sikat na master, sa halaga ng labis na pagsisikap at sakripisyo, na natagpuan ng komunidad ng Lumang Mananampalataya, na pinahahalagahan ang kanyang sagradong sining. na tahasang tumatangging madumihan ang kanyang mga kamay ng isang sekular na kaayusan ay lumalabas na, sa esensya, isang birtuoso na master ng pamemeke. Pininturahan niya ang isang icon na may magaan na puso, hindi upang italaga ito at ilagay ito sa isang simbahan para sa panalangin, ngunit pagkatapos, sa pamamagitan ng paggamit ng mga tusong pamamaraan upang takpan ang pagpipinta ng mga bitak, punasan ito ng mamantika na putik, upang gawing isang bagay. para sa pagpapalit. Kahit na ang mga bayani ni Leskov ay hindi mga ordinaryong manloloko, nais lamang nilang ibalik ang imahe na hindi makatarungang kinuha ng pulisya - posible bang ipalagay na ang birtuoso na kahusayan ng tagatulad ng sinaunang panahon ay nakuha niya nang eksklusibo sa saklaw ng naturang "matuwid na pandaraya" ? At ano ang tungkol sa mga masters ng Moscow mula sa parehong kuwento, na nagbebenta ng mga icon ng kahanga-hangang "antigong" trabaho sa mga mapanlinlang na probinsiya? Sa ilalim ng layer ng pinaka-pinong mga kulay ng mga icon na ito, ang mga demonyo ay natuklasan na iginuhit sa gesso, at ang mapang-uyam na nalinlang na mga probinsyano ay itinatapon ang "parang-impiyerno" na imahe sa luha... Sa susunod na araw ay ibabalik ito ng mga scammer at ibebenta muli sa isa pang biktima na handang magbayad ng anumang pera para sa "totoo", i.e. -isang sinaunang nakasulat na icon...

Ito ang malungkot ngunit hindi maiiwasang kapalaran ng isang istilo na hindi konektado sa personal na espirituwal at malikhaing karanasan ng pintor ng icon, isang istilong hiwalay sa aesthetics at kultura ng panahon nito. Dahil sa kultural na tradisyon, tinatawag namin ang mga icon hindi lamang ang mga gawa ng medieval masters, kung kanino ang kanilang estilo ay hindi stylization, ngunit isang worldview. Tinatawag namin ang mga icon na parehong murang mga imahe na walang pag-iisip na nakatatak ng mga pangkaraniwan na artisan (monghe at layko), at ang mga gawa ng "old-timer" na napakatalino sa kanilang diskarte sa pagganap. XVIII - XX siglo, kung minsan ay orihinal na inilaan ng mga may-akda bilang mga pekeng. Ngunit ang produktong ito ay walang anumang preemptive na karapatan sa pamagat ng icon sa kahulugan ng simbahan ng salita. Ni kaugnay ng mga kontemporaryong icon ng istilong pang-akademiko, o kaugnay ng anumang pang-istilong intermediate na phenomena, o kaugnay ng pagpipinta ng icon ng ating mga araw. Anumang mga pagtatangka na diktahan ang istilo ng artist para sa mga kadahilanang hindi nauugnay sa sining, intelektwal at teoretikal na pagsasaalang-alang, ay tiyak na mabibigo. Kahit na ang mga sopistikadong pintor ng icon ay hindi nakahiwalay sa medieval na pamana (tulad ng nangyari sa unang paglipat ng Russia), ngunit may access dito (tulad ng, halimbawa, sa Greece). Hindi sapat na "talakayin at magpasya" na ang icon na "Byzantine" ay higit na banal kaysa sa hindi Byzantine o kahit na may monopolyo sa kabanalan - dapat ding magawa ng isang tao ang istilong idineklara na ang tanging sagrado, ngunit walang teorya ang magbibigay nito. Ibigay natin ang sahig kay Archimandrite Cyprian (Pyzhov), isang pintor ng icon at may-akda ng isang bilang ng mga hindi patas na nakalimutang artikulo sa pagpipinta ng icon:

"Sa kasalukuyan sa Greece ay mayroong isang artipisyal na pagbabagong-buhay ng istilong Byzantine, na ipinahayag sa pagputol ng magagandang anyo at linya at, sa pangkalahatan, ang istilong binuo, espirituwal na kahanga-hangang pagkamalikhain ng mga sinaunang artista ng Byzantium. Ang modernong Greek icon na pintor na si Kondoglu, sa tulong ng Synod of the Greek Church, ay naglabas ng isang bilang ng mga reproductions ng kanyang produksyon, na hindi maaaring hindi makilala bilang pangkaraniwang imitasyon ng sikat na Greek artist na Panselin... Admirers of Kondoglu at kanyang mga alagad sabihin na ang mga santo ay "hindi dapat magmukhang totoong tao" - tulad ng kung sino ang dapat nilang kamukha?! Ang primitiveness ng naturang interpretasyon ay lubhang nakakapinsala sa mga nakakakita at mababaw na nauunawaan ang espirituwal at aesthetic na kagandahan ng sinaunang pagpipinta ng icon at tinatanggihan ang mga kahalili nito, na inaalok bilang mga halimbawa ng diumano'y naibalik na istilo ng Byzantine. Kadalasan ang pagpapakita ng sigasig para sa "sinaunang istilo" ay hindi sinsero, na nagpapakita lamang sa mga tagasuporta nito ng pagiging mapagpanggap at ang kawalan ng kakayahan na makilala sa pagitan ng tunay na sining at magaspang na imitasyon.

Eleusa.
Fotis Kondoglu, 1960s, sa ibaba - ang parehong mga brush ng Hodegetria at Self-Portrait.

Pahina 1 ng 4

Sa Imperyo ng Russia noong ika-18-19 na siglo. Mayroong isang opinyon (at hindi lamang sa mga Lumang Mananampalataya) na ang mga ipininta lamang sa tinatawag na "estilo ng Byzantine" ay isang tunay na icon. Ang istilong "akademiko" ay diumano'y isang bulok na produkto ng huwad na teolohiya ng Kanluraning Simbahan, at ang isang akdang nakasulat sa istilong ito ay hindi umano isang tunay na icon, sadyang hindi isang icon. Mali ang pananaw na ito dahil lamang ang icon bilang isang phenomenon, una sa lahat, sa Simbahan. Siyempre, kinikilala ng Simbahan ang isang icon sa istilong pang-akademiko. At kinikilala nito hindi lamang sa antas ng pang-araw-araw na pagsasanay, ang mga panlasa at kagustuhan ng mga ordinaryong parokyano (dito, tulad ng alam, maling akala, nakatanim na masamang gawi, at mga pamahiin ay maaaring maganap). Ang mga icon ng istilong akademiko ay nagsimulang umiral sa Holy Rus' mula sa kalagitnaan ng ika-18 siglo, at naging laganap sa unang kalahati ng ika-19 na siglo. Maraming sikat na pintor ng icon sa panahong ito ang nagtrabaho sa isang akademikong paraan.

Isinulat sa mahigpit na istilo ng Russian Art Nouveau

nang hindi ginagaya ang mga miyembro ng bilog na "Abramtsevo".

na may diin sa palamuting Russian-Byzantine.

Icon na "St. Elizabeth". St. Petersburg, simula ng ika-20 siglo. 26.5x22.5 cm.

Setting - pabrika ng A.B. silverware Lyubavina.

Icon na "Holy Queen Helena". St. Petersburg, simula ng ika-20 siglo.

Setting, pilak, pagtubog. 84º. 92.5x63 cm.

Ang pagpinta ay purong moderno. Paalala sa akin

Gustav Klimt ("Salome" at "The Kiss". 1909-10)

Icon ng Ina ng Diyos "Kazan".

Kahoy, halo-halong media, gintong dahon. 31x27x2.7 cm.,

Stylistics ng Russian Art Nouveau. Moscow, simula ng ika-20 siglo.

Icon na "St. Great Martyr Healer Panteleimon."

Kahoy, langis, Russia, huling bahagi ng XIX - unang bahagi ng XX siglo,

laki na may frame na 72x55 cm.

Ang frame ay nasa istilong Russian Art Nouveau din:

kahoy, pagtubog, pagpipinta ng enamel.

Stylistics ng Russian Art Nouveau.

Kahoy, langis. tansong basma.Russia, pagkatapos ng 1911.

Circle ng Mikhail Nesterov.

"Panginoong Makapangyarihan." Sa paligid ng 1890. 40.6x15.9 cm.

Board, langis, pagtubog.

Circle ng Nesterov-Vasnetsov.

Tatlong mga icon ng templo (Triptych). Icon na "Panginoong Makapangyarihan" (h=175 cm).

Icon na "Arkanghel Michael" (h=165 cm.).

Icon na "Arkanghel Raphael (h=165 cm.). Pagliko ng XIX-XX na siglo.

Stylistics ng Russian Art Nouveau.

Our Lady of Jerusalem kasama ang paparating na Apostol Juan

Theologian at Equal-to-the-Apostles na si Reyna Helena. 1908-1917

Langis, sink.

Silver frame na may enamel frame ni Khlebnikov. 84º.

Moscow, 1899-1908. 12x9.6 cm.

S.I. Vashkov. Ang kumpanya na Olovyanishnikov and Co.

Moscow. 1908-1917. 13x10.6 cm.

Sa estilo ng Russian Art Nouveau.

PAUNANG-TAO

Ang panahon ng Art Nouveau sa pagliko ng ika-19 at ika-20 siglo ay nanginginig para sa tainga ng Russia. - ang panahon ng Panahon ng Pilak ng lahat ng kulturang Ruso kasama ang maputlang kulto ng simbolismo nito na walang alinlangan na humantong sa mga radikal na pagbabago sa pananaw sa mundo ng mga taong Ruso. Trilogy D.S. Ang "Christ and Antichrist" ni Merezhkovsky, kung saan ipinahayag ng manunulat ang kanyang pilosopiya ng kasaysayan at ang kanyang pananaw sa hinaharap ng sangkatauhan, ay sinimulan niya noong 1890s. Ang kanyang unang nobela, "Death of the Gods. Si Julian the Apostate,” ang kuwento ng buhay ng ika-4 na siglong emperador ng Roma na si Julian, ay tinawag ng mga kritiko nang maglaon sa pinakamalakas na gawa ni D.S. Merezhkovsky. Sinundan ito ng nobelang “The Resurrected Gods. Leonardo da Vinci" (1901); binanggit ng mga kritiko, sa isang banda, ang katumpakan ng kasaysayan ng mga detalye, at sa kabilang banda, ang pagkahilig. Noong 1902, inilathala ang “Julian the Apostate” at “Leonardo da Vinci” bilang magkahiwalay na aklat ni M.V. Pirozhkov - tulad ng unang dalawang bahagi ng trilogy. Sa simula ng 1904, ang New Path (No. 1-5 at No. 9-12) ay nagsimulang mag-publish ng ikatlong nobela ng trilogy, Antichrist. Peter at Alexey" (1904-1905) - isang teolohiko at pilosopikal na nobela tungkol kay Peter I, na "pininturahan ng may-akda bilang ang nagkatawang-tao na Antikristo", tulad ng nabanggit, higit sa lahat sa ilalim ng impluwensya ng kaukulang ideya na umiral sa schismatic na kapaligiran. Itanong kung ano ang kinalaman nito sa pagpipinta ng icon ng Russia - ang pinakadirekta: pagkatapos ng lahat, si Emperor Peter the Great, na tumanggi hindi lamang sa pambansang artistikong panlasa, kundi pati na rin kung ano ang nagustuhan ng kanyang mga nasasakupan sa Kanluran - mataas na Katolikong baroque, ay itinuturing na "gravedigger. " ng napaka "mataas" na baroque na ito lamang sa arkitektura, kundi pati na rin sa pagpipinta. Noong 1714 ipinagbawal ng Tsar ang pagtatayo ng bato sa buong Russia maliban sa St. Petersburg, ang mga lumikha ng "Naryshkin" na mga obra maestra ng Baroque ay walang silbi sa bagong kabisera. Ang European mediocrity ay itinayo doon, ang Protestante na "Holland" na imbento ni Peter ay nilikha. At ano? Matapos alisin ang pagbabawal noong 1728, at kahit na mas maaga - pagkatapos ng pagkamatay ni Peter noong 1725, sa buong Russia ay bumaling sila sa nagambalang tradisyon, at ang Peter's Petersburg ay nananatiling apendiks ng kulturang Ruso, na halos walang mga imitasyon. Muli, isang bagay na dayuhan ay tinanggihan, ang tulay ay itinapon, ang tradisyon ay patuloy na nabubuhay. Bumalik na ang Baroque. Sa unang kalahati ng ika-18 siglo, ginusto pa rin ng Russia ang mga imaheng pininturahan ng propesyonal, na artistikong nagpatuloy sa "estilo ng Armory" na may kumbinasyon ng mga medyebal at bagong mga diskarte sa pagpipinta. Ang dami sa mga larawang ito ay na-modelo nang napakahigpit, ang kulay ay lubos na pandekorasyon, ang mga gintong puwang ay malawakang ginagamit, kaya naman ang mga icon ng trend na ito ay tinawag na "gold-space". Ang paraan ng "pagsusulat na ginto-ginto" noong ika-18–19 na siglo. ay itinuturing na sinaunang, "Greek-Orthodox", ang estilistang bahagi nito ay naiimpluwensyahan ng Elizabethan Baroque, ngunit naging medyo matatag na may kaugnayan sa klasisismo.

Bryullov K.P. "Pagpapako sa krus". 1838 (Russian Russian Museum)

Kasabay nito, ang canonical icon ay pinapalitan ng mga icon ng "akademikong pagsulat" - mga pagpipinta sa mga tema ng relihiyon. Ang estilo ng pagpipinta ng icon na ito ay dumating sa Russia mula sa Kanluran at binuo sa panahon ng post-Petrine, sa panahon ng synodal ng kasaysayan ng Russian Orthodox Church, at sa pag-unlad ng impluwensya ng Academy of Arts, mga pictorial icon sa ang istilong pang-akademiko, na ipininta sa pamamaraan ng langis, ay nagsimulang kumalat nang malawak sa pagpipinta ng icon. Ang direksyon na ito, na gumamit ng teknikal at pormal na paraan ng pagpipinta ng post-Renaissance, ay naging kapansin-pansing laganap lamang sa pagtatapos ng ika-18 siglo, nang ang mga aktibidad ng Academy of Arts, na itinatag noong 1757, ay ganap na umunlad.

Borovikovsky V.

Banal at pinagpalang prinsipe

Alexander Nevskiy.

Kahoy, langis. 33.5x25.2 cm.Tretyakov Gallery, Moscow.

Ang mga icon para sa mga kapital na simbahan ay dati nang kinomisyon mula sa mga artista ng bagong pagsasanay (mga gawa ni I. Ya. Vishnyakov, I. N. Nikitin at iba pa - para sa Simbahan ng St. Alexander Nevsky sa Alexander Nevsky Lavra sa St. Petersburg, 1724, D. G. Levitsky - para sa simbahan ng Saints Cyrus at John sa Solyanka at St. Catherine sa Bolshaya Ordynka sa Moscow, 1767), ngunit kadalasan ito ay nauugnay sa mga utos mula sa korte. Mayroon ding mga kaso kapag ang mga indibidwal na pintor ng icon ay nag-aral sa mga propesyonal na artist (I. Ya. Vishnyakov, I. I. Belsky), ngunit ang mga kasong ito ay nanatiling nakahiwalay. Hanggang sa akademikong edukasyon at, nang naaayon, ang akademikong pagpipinta ng icon ay naging isang medyo laganap na kababalaghan, ang mga larawang larawan ay nanatiling pag-aari ng pinaka-edukado at mayayamang pili ng lipunan. Ang pagkalat ng sekular na pagpipinta, lalo na ang portraiture, ay nag-ambag sa pang-unawa ng icon bilang isang makatotohanang larawan ng isang santo o bilang isang dokumento na nagtatala ng isang partikular na kaganapan. Ito ay pinalakas ng katotohanan na ang ilang panghabambuhay na larawan ng ika-18–19 na siglo. pagkatapos ng canonization ng mga ascetics na inilalarawan sa kanila, nagsimula silang gumana bilang mga icon at nabuo ang batayan ng kaukulang iconography (halimbawa, mga larawan ng Saints Demetrius ng Rostov, Mitrofan ng Voronezh, Tikhon ng Zadonsk).

VladimirBorovikovsky.

Icon"St. Catherine" mula sa

Kazan Cathedral sa St. Petersburg. 1804-1809.

Karton, langis. 176x91 cm. Timing belt.

Ang mga icon na ginawa sa istilong pang-akademiko, na kung saan ay nailalarawan sa pamamagitan ng solemnity at historicity, ay pinalamutian ang isang malaking bilang ng mga simbahan ng Russia. Ang mga dakilang santo noong ika-18 - ika-20 siglo ay nagdasal bago ang mga icon na ipininta sa istilong ito; ang mga monastic workshop ay nagtrabaho sa istilong ito, kabilang ang mga workshop ng mga natatanging sentrong espirituwal tulad ng Valaam o ang mga monasteryo ng Athos. Ang pinakamataas na hierarchs ng Russian Orthodox Church ay nag-order ng mga icon mula sa mga akademikong artista. Ang ilan sa mga icon na ito, halimbawa, ang mga gawa ni Vasily Makarovich Peshekhonov, ay nananatiling kilala at minamahal ng mga tao sa maraming henerasyon, nang hindi sumasalungat sa mga icon ng istilong "Byzantine".

Sa ikalawang kalahati ng ika-19 na siglo at sa simula ng ika-20 siglo, ang nangingibabaw na anyo ng pagkilala sa merito sa lahat ng uri ng mga aktibidad ay ang pamagat ng tagapagtustos ng hukuman. Noong 1856, sa pamamagitan ng utos ni Emperor Alexander II, ang titulong Iconographer ng Hukuman ng Kanyang Imperial Majesty, at kasama nito ang karapatang gamitin ito sa sign ng workshop. Pambansang sagisag Ang Russia at ang inskripsiyon na "Privileged Master of the Court of His Imperial Majesty" ay ipinagkaloob kay Vasily Makarovich Peshekhonov. Ang pagkuha ng titulong Iconographer ng Hukuman ng Kanyang Imperial Majesty ay nauna sa isang mahabang gawain.

V.M. Peshekhonov. Kapanganakan ng Ina ng Diyos - Pagpapahayag. 1872

Wood, gesso, mixed technique, gold embossing.

Sukat 81x57.8x3.5 cm.

O narito ang isa pa:

Maikling impormasyon: Sa loob ng higit sa sampung taon, si Vasily Makarovich Peshekhonov ay nagpinta ng mga icon para sa lahat ng bagong panganak na sanggol ng imperyal na pamilya: ang icon ni St. Alexander Nevsky para kay Grand Duke Alexander Alexandrovich, ang hinaharap na Emperador Alexander III (1845–1894); ang imahe ni St. Nicholas - para kay Grand Duke Nikolai Alexandrovich (1843–1865); icon ng Banal na Prinsipe Vladimir - Grand Duke Vladimir Alexandrovich (1847–1909); isang icon ng St. Alexis, Metropolitan ng Moscow, para kay Grand Duke Alexei Alexandrovich (1850–1908). Nasa posisyon na ng court icon painter, V.M. Sumulat si Peshekhonov para sa lahat ng mga anak ni Emperors Alexander II at Alexander III "mga imahe na proporsyon sa kanilang taas," iyon ay, mga icon na ang laki ay tumutugma sa taas ng matataas na bagong panganak na mga sanggol. Ang huling utos ni Vasily Peshekhonov para sa imperyal na pamilya, na binanggit sa mga mapagkukunan ng archival, ay ginawa para sa bagong panganak na Grand Duchess Olga Alexandrovna noong 1882. Ang biyograpikong impormasyon tungkol sa pamilyang Peshekhonov ay napakahirap. Si Vasily Makarovich Peshekhonov ay nagmula sa isang pamilya ng mga namamana na pintor ng icon. Ang kanyang lolo na si Samson Fedorovich Peshekhonov at ang kanyang asawang si Praskovia ay lumipat sa St. Petersburg mula sa lalawigan ng Tver noong simula ng ika-19 na siglo, kaya naman sa panitikan ang mga Peshekhonov ay minsang tinatawag na mga residente ng Tver. Noong 20s ng ika-19 na siglo, ang kanilang anak na si Makari Samsonovich Peshekhonov (1780–1852) ay lumipat sa St. Petersburg kasama ang kanyang pamilya - ang kanyang asawa at apat na anak na lalaki. Sina Alexey, Nikolay at Vasily ay mga bihasang pintor ng icon; Hindi nakikibahagi si Fyodor sa pagpipinta ng icon dahil sa kapansanan. Si Makari Samsonovich ay isang master ng personal at personal na pagsulat at itinatag ang workshop ng Peshekhonov, na kilala sa buong Russia. Mula noong 30s ng ika-19 na siglo, ang pagawaan at bahay ng mga Peshekhonov ay matatagpuan sa St. Petersburg sa address: "sa Ligovsky Canal sa tapat ng Kuznechny Lane, sa Galchenkov House, No. 73." Ang manunulat na si Nikolai Leskov ay paulit-ulit na bumisita sa workshop at nabanggit ang pagiging istilo, mataas na propesyonal at moral na katangian ng mga Peshekhonov. Ipinahayag niya ang kanyang mga impresyon mula sa mga pagbisitang ito sa kanyang mga kuwento, na lumilikha ng mga kolektibong larawan ng mga pintor ng icon. Noong 1852, namatay si Makariy Samsonovich kasama ang kanyang anak na si Alexei sa panahon ng isang bagyo sa Black Sea, at ang icon-painting artel ay pinamumunuan ni Vasily Makarovich. Ang mga aktibidad ng workshop ng Peshekhonov at ang pamumulaklak ng istilong Peshekhonov ng pagpipinta ng icon ay nagsimula noong 1820s–80s. Bilang karagdagan sa mga gawa para sa pamilya ng imperyal, ang workshop sa ilalim ng pamumuno ni Vasily Makarovich ay nakumpleto ang higit sa 30 mga iconostases para sa mga monasteryo at simbahan sa Russia at sa ibang bansa. Trabaho sa pagpapanumbalik, mga iconostases para sa 17 mga simbahan sa St. Petersburg, pati na rin ang mga diyosesis ng Samara, Saratov, Tver at St. Petersburg, Katedral sa Tokyo, ang Trinity Cathedral ng Russian Spiritual Mission sa Jerusalem, pitong iconostases para sa mga simbahan ng Valaam Monastery, pati na rin ang mga icon ng wall at icon case - malayo ito sa buong listahan gawa sa workshop. Iconostases ni V.M. Pinalamutian ni Peshekhonov ang mga katedral at iba pang mga katedral ng mga lungsod tulad ng Rybinsk, Volsk, Tver, Kirillov, Novaya Ladoga, Simbirsk, Chistopol. Noong 1848–1849, ang mga Peshekhonov ay lumahok sa pagpapanumbalik ng St. Sophia Cathedral sa Kyiv. Ang gawain ay pinamumunuan ni Makariy Samsonovich Peshekhonov. Binigyan siya ng gawain ng pagpapanatili ng sinaunang pagpipinta at pagpapanumbalik nito lamang sa mga nawawalang fragment. Ayon sa mga kontemporaryo, ang mga fresco ng Peshekhonov ay isinagawa sa isang mataas na antas ng artistikong. Sa kasamaang palad, ang pagpipinta na ipinagpatuloy ng mga Peshekhonov ay halos ganap na nawasak sa pamamagitan ng pagbuo ng amag. Ang katotohanang ito ang dahilan ng hindi makatarungang pagpuna sa mga Peshekhonov bilang mga tagapagbalik, dahil ang mga resulta ng pagpapanumbalik ng St. Sophia ng Kyiv noong 1843–1853 siyentipikong panitikan karaniwang tinatasa bilang isang kabiguan: ang mga sinaunang fresco ay halos ganap na naitala. Gayunpaman, dapat itong isaalang-alang na noong 1853 limang fragment lamang ng mga gawa mula sa pagawaan ng Peshekhonov ang nanatili; Sa kasalukuyan, isa lamang ang nakaligtas - isang insert ng pagpapanumbalik para sa mosaic sa layag ng pangunahing simboryo na may imahe ni Apostol John theologian - isang mahusay na paglalarawan ng kasanayan at talento ng mga Peshekhonov.

At sa parehong oras, ang akademikong istilo ng pagpipinta ng icon ay nagdudulot ng mainit na kontrobersya, kapwa sa mga pintor ng icon at mga connoisseurs ng pagpipinta ng icon. Ang esensya ng kontrobersya ay ang mga sumusunod. Ang mga tagasuporta ng istilong Byzantine, na lumikha ng mga icon "sa canon," ay inaakusahan ang mga icon sa istilong pang-akademiko ng kakulangan ng espirituwalidad, at isang pag-alis mula sa mga tradisyon ng pagpipinta ng icon, ngunit sa isang pilosopikal na kahulugan, ito ay pareho pa rin ng debate tungkol sa kung ano ay mas mahalaga para sa atin: ang kaluluwa ng isang tiyak na buhay na tao na may mga kasalanan at pagkakamali nito o walang buhay na mga canon ng simbahan na nag-uutos sa pag-uugali ng kaluluwang ito. O mayroon pa bang uri ng ginintuang kahulugan: isang kompromiso sa pagitan ng canon at katotohanan, panlasa, fashion, atbp. Subukan nating unawain ang mga akusasyong ito. Una sa espirituwalidad. Magsimula tayo sa katotohanan na ang espiritwalidad ay medyo banayad at mailap na bagay; walang mga tool para sa pagtukoy ng espirituwalidad, at lahat ng bagay sa lugar na ito ay lubos na subjective. At kung ang isang tao ay nag-aangkin na ang mahimalang imahe ng Kazan Icon ng Ina ng Diyos, ipininta sa isang istilong pang-akademiko, at na-save, ayon sa alamat, Saint Petersburg sa panahon ng digmaan, hindi gaanong espirituwal kaysa sa isang katulad na icon sa istilong Byzantine - hayaan ang pahayag na ito na manatili sa kanyang budhi. Kadalasan, bilang argumento, maririnig mo ang mga ganitong pahayag. Sinasabi nila na ang mga icon sa istilong pang-akademiko ay may pisikal, mala-rosas na pisngi, sensual na labi, atbp. Sa katunayan, ang pamamayani ng sensual, carnal na prinsipyo sa icon ay hindi isang problema sa istilo, ngunit sa mababang antas ng propesyonal indibidwal na mga pintor ng icon. Ang isang tao ay maaaring magbanggit ng maraming mga halimbawa ng mga icon na ipininta sa "canon" mismo, kung saan ang "karton" na inexpressive na mukha ay nawala sa maraming mga kulot ng labis na sensual na mga dekorasyon, mga burloloy, atbp. Ngayon tungkol sa pag-alis ng istilong pang-akademiko mula sa mga tradisyon ng pagpipinta ng icon. Ang kasaysayan ng pagpipinta ng icon ay bumalik sa higit sa isang libo at limang daang taon. At ngayon sa Mga monasteryo ng Athos Makakakita ka ng mga nakaitim, sinaunang icon na itinayo noong ika-7-10 siglo. Ngunit ang kasagsagan ng pagpipinta ng icon sa Byzantium ay naganap sa pagtatapos ng ika-13 siglo, at nauugnay sa pangalan ng Panselin, ang Greek Andrei Rublev. Nakarating na sa amin ang mga painting ni Panselin sa Karey. Ang isa pang namumukod-tanging pintor ng icon ng Greek, si Theophanes ng Crete, ay nagtrabaho sa Mount Athos sa simula ng ika-16 na siglo. Gumawa siya ng mga kuwadro na gawa sa Stavronikita monastery at sa refectory ng Great Lavra. Sa Rus', ang mga icon ni Andrei Rublev ng unang ikatlong bahagi ng ika-15 siglo ay wastong kinikilala bilang ang tuktok ng pagpipinta ng icon. Kung susuriin nating mabuti ang buong halos dalawang libong taong kasaysayan ng pagpipinta ng icon, matutuklasan natin ang kamangha-manghang pagkakaiba-iba nito. Ang mga unang icon ay pininturahan gamit ang encaustic technique (mga pintura batay sa mainit na waks). Ang katotohanang ito lamang ay pinabulaanan ang popular na paniniwala na ang isang "tunay" na icon ay dapat na ipininta sa egg tempera. Bukod dito, ang istilo ng mga naunang icon na ito ay mas malapit sa mga icon sa istilong pang-akademiko kaysa sa "canon." Hindi ito nakakagulat. Upang magpinta ng mga icon, kinuha ng mga unang pintor ng icon ang mga larawan ng Fayum bilang batayan, mga larawan ng mga totoong tao na nilikha gamit ang encaustic technique. Sa katunayan, ang tradisyon ng pagpipinta ng icon, tulad ng lahat ng bagay sa mundong ito, ay umuunlad nang paikot. SA siglo XVIII, ang tinatawag na "canonical" na istilo ay bumagsak sa lahat ng dako. Sa Greece at sa mga bansang Balkan ito ay bahagyang dahil sa pananakop ng Turko, sa Russia kasama ang mga reporma ni Peter. Ngunit hindi ito ang pangunahing dahilan. Ang pang-unawa ng tao sa mundo at ang kanyang saloobin sa mundo sa paligid niya, kabilang ang espirituwal na mundo, ay nagbabago. Ang isang tao ng ika-19 na siglo ay nadama ang mundo sa kanyang paligid na iba kaysa sa isang tao ng ika-13 siglo. At ang pagpipinta ng icon ay hindi isang walang katapusang pag-uulit ng parehong mga pattern ayon sa mga guhit, ngunit isang buhay na proseso batay sa parehong relihiyosong karanasan ng mismong pintor ng icon at sa pang-unawa ng espirituwal na mundo ng buong henerasyon. Ang libreng kumpetisyon ng mga estilo, na umiiral sa Russia ngayon, ay lubhang kapaki-pakinabang para sa icon, dahil pinipilit nito ang magkabilang panig na mapabuti ang kalidad, upang makamit ang tunay na artistikong lalim, na nakakumbinsi hindi lamang para sa mga tagasuporta, kundi pati na rin para sa mga kalaban ng isang partikular na istilo. Kaya, ang kalapitan ng paaralang "Byzantine" ay pinipilit ang "akademiko" na maging mas mahigpit, mas matino, at mas makahulugan. Ang kalapitan ng paaralang "Byzantine" sa paaralang "akademiko" ay pumipigil dito na maging primitive na pagkakayari.

Ngunit may mga pintor ng icon sa Russia na nakahanap ng gitna sa pagitan ng dalawang istilong ito. Kabilang dito si Ivan Matveevich Malyshev.

Naka-sign icon na "St. Nicholas the Wonderworker".

Artist Ivan Malyshev.

22.2x17.6 cm. Russia, Sergiev Posad,

studio ng artist na si Ivan Malyshev, 1881

Sa ibaba ng icon, sa isang ginintuan na field

isang inskripsiyon sa lumang spelling ay inilagay:

"Ang icon na ito ay ipininta sa workshop ng artist na si Malyshev

sa Sergievsky Posad noong 1881."

Sa likod ay ang signature seal ng workshop:

"Artista I. Malyshev. S.P.

Ang pinaka iginagalang na icon sa Rus'. Dahil namatay si Ivan Matveyevich noong 1880, at ang icon ay may petsang 1881 at nagtataglay ng selyo ng SP (at ito ay tumutugma sa mga huling icon ng Malyshev mismo), at hindi TSL, kung gayon maaari nating ligtas na sabihin na pinamamahalaang niyang isulat ang personal, at lahat ng iba ay natapos ng kanyang mga anak. Malinaw, ang artist mismo ay hindi makumpleto ang ganoong bilang ng mga icon. Sa workshop ni Malyshev mayroong isang dibisyon ng paggawa na karaniwan para sa oras na iyon; tinulungan siya ng mga upahang manggagawa at mag-aaral. Kilala ang tatlong anak ng artista. Ang mga panganay na anak na lalaki, sina Konstantin at Mikhail, ay tila natutunan ang sining ng pagpipinta ng icon mula sa kanilang ama at nagtrabaho kasama niya. Sa mga pahayag ng monasteryo para sa pagbabayad ng mga suweldo, binanggit sila kasama ng kanilang ama, at, bilang isang patakaran, si Ivan Matveevich mismo ay pumirma para sa pagtanggap ng suweldo. Ayon sa parehong mga pahayag, ito ay malinaw na kung ang ministro ay hindi marunong bumasa at sumulat, pagkatapos ay isa pang pumirma para sa kanya, at ang dahilan ay ipinahiwatig. Mahirap isipin na ang mga anak ni Ivan Matveevich ay hindi marunong magbasa, sa halip, ito ang paraan ng mga relasyon sa pamilya. Matapos ang pagkamatay ni Ivan Matveevich, pinamunuan ni Konstantin ang pagawaan ng pamilya, na matatagpuan sa isang bahay sa Blinnaya Gora (nasunog ang bahay sa simula ng ika-20 siglo). Inako rin ni Konstantin Ivanovich ang mga responsibilidad ng pinuno ng Elias Church. Noong 1889–1890 ni-renew niya ang mga wall painting ng Elias Church. Sa pamamagitan ng kanyang kasipagan, ang sahig ng templo ay inilatag mula sa mga tile na lumalaban sa apoy, katulad ng ceramic coating sa Refectory Lavra Church. Noong 1884, sa ilalim ng kanyang pamumuno, ang iconostasis ng Kazan Church ay ipininta (ang simboryo na dati ay ipininta ni Ivan Matveevich). Ang bunsong anak ni Ivan Matveevich na si Alexander, tulad ng kanyang ama, ay pinag-aralan sa Imperial Academy of Arts. Nag-aral siya sa St. Petersburg mula 1857 hanggang 1867. Nang makumpleto, natanggap niya ang pamagat ng class artist ng ikatlong degree. Tila, hindi siya bumalik sa kanyang sariling bayan, nagpakasal at nanatili upang manirahan sa St. Ang mga pangalan nina Ivan Matveevich at Alexander Ivanovich Malyshev ay lilitaw sa rehistro ng mga propesyonal na artista.

Maikling impormasyon: Malyshev,Ivan Matveevichay isa sa mga pinakatanyag na pintor ng icon ng ikalawang kalahati ng ika-19 na siglo. Noong 1835, isang mahalagang kaganapan ang naganap sa buhay ni Ivan Matveyevich: umalis siya patungong St. Petersburg at pumasok sa Imperial Academy of Arts bilang isang libreng mag-aaral. Ayon sa Charter of the Academy, para sa mga free-students (o outsiders), ang pagsasanay ay tumagal ng anim na taon. Ilang mga pintor ng icon ng Russia ang maaaring magyabang ng gayong edukasyon. Si Ivan Matveevich Malyshev (1802–1880) ay isa sa mga pinaka makabuluhang pintor ng icon ng ikalawang kalahati ng ika-19 na siglo, na nagtrabaho sa Lavra (makikita natin ang mga icon ng kanyang workshop ngayon sa Ilyinsky Church of Sergiev Posad at sa Espirituwal na Simbahan ng Lavra). Ang sistematikong pagtuturo ng icon painting sa Lavra ay nagsimula noong 1746 sa pagtatatag ng Icon Painting Class sa bagong likhang seminary at nagpatuloy, na may iba't ibang antas ng tagumpay, hanggang 1918. Sa proseso ng pagtatatag ng Lavra icon painting school bilang isang istrukturang pang-edukasyon , maraming mga yugto ang maaaring makilala, at ang pinakakapansin-pansin sa mga ito ay ito ang panahon ng kalagitnaan ng ika-19 na siglo (mula 1846 hanggang 1860–1870). Ito ang oras kung kailan ang Lavra ay pinasiyahan ng Metropolitan Philaret (Drozdov) at ang gobernador, si Archimandrite Anthony (Medvedev). Sa ilalim ng mga ito, ang paaralan ng pagpipinta ng icon ay natagpuan ang isang muling pagsilang, pinalawak at naging kilala sa buong mundo ng Orthodox. Ang pintor ng icon na si Ivan Matveevich Malyshev ay nasa pinagmulan din ng muling pagkabuhay na ito. Sa ilalim ng direktang pamumuno ng gobernador ng Lavra, si Fr. Anthony noong 1850s, pinamunuan ni Malyshev ang paaralan ng pagpipinta ng icon ng Lavra patungo sa muling pagkabuhay ng tradisyonal na pagpipinta ng icon. Ang landas na ito ay naging hindi maikli o simple, ngunit ito ay eksakto kung paano ito tila sa panahong iyon at pag-unlad. Ang nilalayon na layunin - "para sa pagpapaunlad at pagpapanatili ng Estilo ng Griyego ng pagsulat" - ay malinaw na ipinahiwatig sa manwal na ibinigay kay Malyshev bilang pinuno, o sa halip ay ang "may-ari ng paaralan," Fr. Anthony. Ang manwal na ito ay isang set ng 16 na panuntunan na nagtatakda ng parehong moral na mga kinakailangan para sa mga mag-aaral at guro, at mga artistikong priyoridad na dapat sundin kapag nagsasanay ng mga pintor ng icon sa hinaharap. Si Malyshev din ang nagtatag ng isang malaking pagawaan ng pagpipinta ng icon, na nilikha niya sa lungsod. Kilala siya sa royals at ginawaran ng maraming parangal. Mula sa isang mahirap na pamilyang magsasaka, nakuha ni Ivan Matveevich magandang edukasyon sa St. Petersburg Academy of Arts (tila, tulad ng kanyang nakatatandang kapatid na si Nikolai, isang arkitekto). Ang gawain ni Malyshev ay lubos na pinahahalagahan ng kanyang mga kontemporaryo. Narito, halimbawa, ang isang pagsusuri na inilagay sa Irkutsk Diocesan Gazette para sa 1864: "Ang mga icon sa iconostasis, sa mataas na lugar, sa altar at ang ilan sa mga dingding ay ipininta sa Sergius Lavra ng artist na si Malyshev. Ang mga ito ay pininturahan sa istilong Byzantine-Russian at nakikilala sa pamamagitan ng kanilang kasiningan , kaya, lalo na, sa isang maka-diyos at nakapagpapatibay na karakter. Sa pagtingin sa kanila, hindi ka tumitigil lamang sa talento ng artista, ang kagandahan ng mga kulay, ang kayamanan ng imahinasyon. , tulad ng sa pagpipinta ng Italyano, ngunit ang iyong pag-iisip ay higit pa sa karaniwan, tao; nagmumuni-muni sa espirituwal, makalangit, banal; pakiramdam na ang iyong kaluluwa ay puno ng pagpipitagan at napukaw sa panalangin; ang iyong kaluluwa ay pinapakain ng mga kaisipan at damdamin ng Bibliya at ng Banal na Simbahan...”

Icon ng templo na "Lord Pantocrator".

Kahoy, langis, gintong dahon.152x82 cm.

Russia, Sergiev Posad, studio ng artist na si I. Malyshev, 1891.

Sa ibaba ng icon, sa itaas ng ginintuan na field, ay ang inskripsiyon:

"Ang icon na ito ay ipininta sa workshop ng artist

Malyshev sa Sergiev Posad noong 1891."

Si Kristo ay nakaupo sa trono sa mga damit ng obispo at nabuksan ang Ebanghelyo. Sa katunayan, sa icon ay makikita natin ang iconographic na bersyon ng "Christ the Great Bishop," ngunit pupunan ng isang katangian na elemento ng bersyon na "Christ the King as King" - isang setro sa kaliwang kamay ni Kristo. Pinangunahan ni Ivan Malyshev ang pagawaan ng pagpipinta ng icon ng Trinity-Sergius Lavra mula 1841 hanggang 1882. Dito, sa pangunahing pagawaan ng pagpipinta ng icon ng Russia, ang mga icon ay nilikha para sa mga pinaka makabuluhang simbahan, gayundin para sa mga utos mula sa korte ng hari, ang aristokrasya at pinakamataas na kaparian. Ang artist ay personal na lumikha ng isang espesyal na istilo ng pagpipinta ng icon, na tinutukoy ang istilo ng mga gawa ng buong workshop sa kabuuan at nagkaroon ng malaking impluwensya sa pagpipinta ng mass icon sa Russia noong ikalawang kalahati ng ika-19 na siglo. Napanatili ni Malyshev ang mga pangunahing tampok ng tradisyonal, kanonikal na istilo, ngunit dinala ang mga ito sa isang espesyal na pagkakaisa alinsunod sa mga prinsipyo ng klasisismo at akademiko, at sa gayon ay tinutulay ang hanggang sa kasalukuyan na agwat sa pagitan ng tradisyonal at akademikong kaugalian sa pagpipinta ng icon. Ang mga gawa ng mature icon na pintor na si Malyshev ay nakikilala sa pamamagitan ng pinakamahusay na glaze elaboration ng mga mukha at damit, mga klasikal na proporsyon, makatotohanang plasticity ng mga figure at isang bilang ng iba pang mga katangian na likas sa ipinakita na icon.

GENESIS NG NATIONAL RUSSIAN ICON SA HULING KWARTER NG 19TH CENTURY

Noong 80s-90s ng ika-19 na siglo sa relihiyosong "akademikong" pagpipinta ng Russia,tulad ng sa lahat ng sining ng Russia, mayroong isang dinamikong proseso ng paglikha ng sarili nitong pambansang paaralan. Mga pangunahing tagumpay sa larangan bagong anyo at ang dekorasyon ng icon ay direktang nauugnay sa mga tradisyon ng pambansang sining, kultura at sining ng Russia, ang mga pinagmulan kung saan makikita natin, siyempre, sa sikat na pag-print ng Russia at sa disenyo ng mga sinaunang manuskrito ng Slavonic ng Simbahan. At nangyari ito noong dekada 80. Sa dekada na ito, ang kritikal na realismo ay nangingibabaw sa pagpipinta, at ang maagang impresyonismo nina V. Serov, K. Korovin at I. Levitan ay nabuo. Laban sa background na ito, nagsimulang lumitaw ang mga bagong uso - isang grabitasyon patungo sa modernidad ay ipinahayag, ang unti-unting pagbuo nito, at sa ilang mga kaso ang kumpletong pagkuha nito, tulad ng nangyari kay Mikhail Vrubel. Sa Abramtsevo, kung saan lumitaw ang interes sa katutubong sining at isang pagtatangka na buhayin ito ay sumanib sa mga unang anyo ng modernismo, noong 1882 nagtayo sina V. Vasnetsov at D. Polenov ng isang maliit na simbahan, na nagbigay ng reorientation mula sa pseudo-Russian na istilo sa neo- isang Ruso. Pinagsasama nito ang mga anyo ng Art Nouveau sa mga anyo ng sinaunang arkitektura ng Russia noong panahon ng pre-Mongol. Ang maliit na laki ng simbahan ng Abramtsevo ay naging tagapagpauna ng Russian Art Nouveau at naging matatag na nakabaon sa kasaysayan ng sining ng Russia. Bagaman ang arkitektura ng Russia ay kailangang maghintay ng isa at kalahating dekada bago ang estilo ng Art Nouveau nang higit pa o mas kaunti ilang mga anyo. Sa pagpipinta at, lalo na, sa monumental na pagpipinta sa relihiyon, medyo mas mabilis itong nangyari. Sa ilang mga lawak (kahit na malayo) ang nangunguna sa Art Nouveau ay ang huling akademikong pagpipinta ng Semiradsky, Bakalovich, Smirnov at iba pang mga artista na nahilig sa "maganda" na kalikasan at "magandang" mga bagay, kamangha-manghang mga paksa, iyon ay, sa "isang priori". kagandahan” ang pagkakaroon nito ay naging isa sa mga kinakailangan para sa istilong Art Nouveau. Ang kulto ng kagandahan ay naging isang bagong relihiyon. "Beauty is our religion," diretso at tiyak na sinabi ni Mikhail Vrubel sa isa sa kanyang mga sulat. Sa sitwasyong ito, ang kagandahan at ang direktang carrier nito - sining -pinagkalooban ng kakayahang baguhin ang buhay, itayo ito ayon sa isang tiyak na modelo ng aesthetic, sa mga prinsipyo ng unibersal na pagkakaisa at balanse. Ang artista - ang lumikha ng kagandahang ito ay naging isang exponent ng mga pangunahing adhikain ng panahon. Kasabay nito, ang pagpapalakas ng papel ng panlipunang pagbabago ng mga ideya ng kagandahan ng panahong iyon ay napaka-nagpapahiwatig, dahil sa Russia ang napakaraming populasyon ay naninirahan sa ibaba ng linya ng kahirapan. Ang tema pala ng kagandahan ay napilitang magsama sa tabi ng tema ng pakikiramay sa mga kapus-palad na mga taong ito (ang mga artistang Wanderers). Relihiyon lamang ang makapagbubuklod sa kanila.

Ang artistikong ideolohiya ng pambansang neoclassical na icon ng Russia noong huling bahagi ng ika-19 at unang bahagi ng ika-20 siglo, ang may-akda nito ay itinuturing na V.M. Vasnetsov, ay malinaw na batay sa isang paniniwala sa isang espesyal na relihiyosong kahulugan ng kagandahan at nagdadala ng malinaw na impluwensya ng mga aesthetics ng F.M. Dostoevsky, na nagpahayag ng kagandahan bilang isang ganap na halaga sa kanyang nobelang "The Idiot". Sa nobela (Bahagi 3, Kabanata V), ang mga salitang ito ay binibigkas ng 18-taong-gulang na kabataang si Ippolit Terentyev, na tumutukoy sa mga salita ni Prinsipe Myshkin na ipinarating sa kanya ni Nikolai Ivolgin at pinaplantsa ang huli:

“Totoo ba, Prinsipe, na minsan mong sinabi na ang mundo ay ililigtas ng “kagandahan”? "Mga ginoo," malakas na sigaw niya sa lahat, "sinasabi ng prinsipe na ang mundo ay maliligtas sa kagandahan!" And I claim that the reason he has such playful thoughts is that he is now in love. Mga ginoo, ang prinsipe ay umiibig; Ngayon pa lang, pagpasok pa lang niya, nakumbinsi na ako dito. Huwag kang mamula, prinsipe, maaawa ako sa iyo. Anong kagandahan ang magliligtas sa mundo? Sinabi ito sa akin ni Kolya... Masigasig ka bang Kristiyano? Sinabi ni Kolya na tinatawag mo ang iyong sarili na isang Kristiyano. Tiningnan siya ng mabuti ng prinsipe at hindi siya sinagot."

F.M. Si Dostoevsky ay malayo sa mahigpit na aesthetic na paghuhusga - isinulat niya ang tungkol sa espirituwal na kagandahan, tungkol sa kagandahan ng kaluluwa. Ito ay tumutugma sa pangunahing ideya ng nobela - upang lumikha ng isang imahe ng isang "positibong magandang tao." Samakatuwid, sa kanyang mga draft, tinawag ng may-akda si Myshkin na "Prinsipe Kristo," sa gayon ay nagpapaalala sa kanyang sarili na si Prinsipe Myshkin ay dapat na katulad ng maaari kay Kristo - kabaitan, pagkakawanggawa, kaamuan, isang kumpletong kawalan ng pagkamakasarili, ang kakayahang dumamay sa mga problema ng tao at mga kasawian. Samakatuwid, ang "kagandahan" na binabanggit ng prinsipe (at si F.M. Dostoevsky mismo) ay ang kabuuan ng mga katangiang moral ng isang "positibong magandang tao." Ang purong personal na interpretasyon ng kagandahan ay tipikal para sa manunulat. Naniniwala siya na "ang mga tao ay maaaring maging maganda at masaya" hindi lamang sa kabilang buhay. Maaari silang maging ganito "nang hindi nawawala ang kakayahang mabuhay sa lupa." Para magawa ito, dapat silang sumang-ayon sa ideya na ang Evil ay "hindi maaaring maging normal na kalagayan ng mga tao," na lahat ay may kapangyarihang alisin ito. At pagkatapos, kapag ang mga tao ay ginagabayan ng pinakamahusay na nasa kanilang kaluluwa, memorya at intensyon (Mabuti), kung gayon sila ay magiging tunay na maganda. At ang mundo ay maliligtas, at ito mismo ang "kagandahan" (iyon ay, ang pinakamahusay na nasa mga tao) na magliligtas dito. Siyempre, hindi ito mangyayari nang magdamag - kailangan ang espirituwal na gawain, pagsubok at maging ang pagdurusa, pagkatapos nito tinalikuran ng isang tao ang Kasamaan at bumaling sa Mabuti, nagsimulang pahalagahan ito. Ang manunulat ay nagsasalita tungkol dito sa marami sa kanyang mga gawa, kabilang ang nobelang "The Idiot." Halimbawa (bahagi 1, kabanata VII):

"Sa loob ng ilang oras, ang asawa ng heneral, tahimik at may isang tiyak na lilim ng paghamak, ay sinuri ang larawan ni Nastasya Filippovna, na hawak niya sa harap niya sa kanyang nakaunat na kamay, labis at epektibong lumayo sa kanyang mga mata.

Oo, magaling siya," sabi niya sa wakas, "sobrang kaya." Dalawang beses ko siyang nakita, sa malayo lang. Kaya pinahahalagahan mo ba ang ganito at ganyang kagandahan? - bigla siyang napalingon sa prinsipe.

Oo... ganyan... - medyo pilit na sagot ng prinsipe.

Kaya iyon ay eksakto kung ano ito?

Eksaktong ganito.

Para saan?

Maraming pagdurusa ang mukha na ito...- ang sabi ng prinsipe, na parang hindi sinasadya, na parang kinakausap ang sarili, at hindi sinasagot ang tanong.

"Gayunpaman, maaari kang nagdedeliryo," nagpasya ang asawa ng heneral at sa isang mapagmataas na kilos ay ibinalik niya ang larawan sa mesa."

Ang manunulat sa kanyang interpretasyon ng kagandahan ay isang taong katulad ng pag-iisip ng pilosopong Aleman na si Immanuel Kant (1724-1804), na nagsalita tungkol sa "ang batas moral sa loob natin", na "ang kagandahan ay simbolo ng kabutihang moral." Ang parehong ideya ni F.M. Binubuo ito ni Dostoevsky sa kanyang iba pang mga gawa. Kaya, kung sa nobelang "The Idiot" ay isinulat niya na ang kagandahan ay magliligtas sa mundo, kung gayon sa nobelang "Mga Demonyo" (1872) lohikal niyang napagpasyahan na "Ang kapangitan (galit, kawalang-interes, pagkamakasarili) ay papatay..."

Mikhail Nesterov. Mga Pilosopo (Florensky at Bulgakov).

At sa wakas, "The Brothers Karamazov" - huling nobela F.M. Dostoevsky, na isinulat ng may-akda sa loob ng dalawang taon. Inisip ni Dostoevsky ang nobela bilang unang bahagi ng epikong nobelang "Ang Kasaysayan ng Dakilang Makasalanan." Natapos ang gawain noong Nobyembre 1880. Namatay ang manunulat apat na buwan pagkatapos ng publikasyon. Ang nobela ay humipo sa malalalim na katanungan tungkol sa Diyos, kalayaan, at moralidad. Sa mga panahon makasaysayang Russia Ang pinakamahalagang bahagi ng ideyang Ruso ay, siyempre, Orthodoxy. Tulad ng alam natin, ang prototype ni Elder Zosima ay si Elder Ambrose, na ngayon ay niluwalhati sa mga santo. Ayon sa iba pang mga ideya, ang imahe ng matanda ay nilikha sa ilalim ng impluwensya ng talambuhay ng schemamonk Zosima (Verkhovsky), ang tagapagtatag ng Trinity-Hodegetrievskaya Hermitage.

Talaga bang mayroon kang ganoong paniniwala tungkol sa mga kahihinatnan ng pagkaubos ng pananampalataya ng mga tao sa imortalidad ng kanilang mga kaluluwa? - Biglang tanong ni Elder Ivan Fedorovich.

Oo, sinabi ko ito. Walang birtud kung walang imortalidad.

Mapalad ka kung naniniwala ka sa gayon, o ikaw ay napakalungkot na!

Bakit hindi ka masaya? - Ngumiti si Ivan Fedorovich.

Sapagkat, sa lahat ng posibilidad, ikaw mismo ay hindi naniniwala sa imortalidad ng iyong kaluluwa, o kahit na sa kung ano ang nakasulat tungkol sa simbahan at sa isyu ng simbahan.

Tatlong magkakapatid, sina Ivan, Alexey (Alyosha) at Dmitry (Mitya), "ay abala sa paglutas ng mga tanong tungkol sa mga ugat na sanhi at pangwakas na mga layunin ng pagkakaroon," at bawat isa sa kanila ay gumagawa ng kanyang sariling pagpili, sinusubukan sa kanyang sariling paraan upang sagutin ang tanong tungkol sa Diyos at ang imortalidad ng kaluluwa. Ang paraan ng pag-iisip ni Ivan ay madalas na buod sa isang parirala:

"Kung walang Diyos, lahat ay pinahihintulutan"

na kung minsan ay kinikilala bilang ang pinakatanyag na quote mula sa Dostoevsky, kahit na wala ito sa form na ito sa nobela. Kasabay nito, ang ideyang ito "ay dinadala sa buong malaking nobela na may mataas na antas ng artistikong panghihikayat." Si Alyosha, hindi tulad ng kanyang kapatid na si Ivan, ay "kumbinsido sa pagkakaroon ng Diyos at sa imortalidad ng kaluluwa" at nagpasya para sa kanyang sarili:

"Gusto kong mabuhay para sa imortalidad, ngunit hindi ako tumatanggap ng kalahating kompromiso."

Si Dmitry Karamazov ay hilig sa parehong mga kaisipan. Naramdaman ni Dmitry ang "isang hindi nakikitang pakikilahok ng mga mystical na puwersa sa buhay ng mga tao" at sinabi:

"Dito ang diyablo ay nakikipaglaban sa Diyos, at ang larangan ng digmaan ay ang mga puso ng mga tao."

Ngunit si Dmitry ay hindi estranghero sa mga pagdududa kung minsan:

“At pinahihirapan ako ng Diyos. Ito lamang ang nagpapahirap. Paano kung wala Siya? Paano kung tama si Rakitin, na ito ay isang artipisyal na ideya sa sangkatauhan? Pagkatapos, kung wala Siya, kung gayon ang tao ang pinuno ng mundo, ng sansinukob. Fabulous! Ngunit paano siya magiging banal kung wala ang Diyos? Tanong! I'm all about it."

Ang isang espesyal na lugar sa nobelang "The Brothers Karamazov" ay inookupahan ng tula na "The Grand Inquisitor", na binubuo ni Ivan. Inilarawan ni Dostoevsky ang kakanyahan nito sa kanyang pambungad na talumpati bago ang pagbabasa ng tula ng isang mag-aaral sa St. Petersburg University noong Disyembre 1879. Sinabi niya:

"Ang isang ateista na nagdurusa sa kawalan ng pananampalataya, sa isa sa kanyang masakit na mga sandali, ay bumubuo ng isang ligaw, kamangha-manghang tula kung saan inilalarawan niya si Kristo sa isang pakikipag-usap sa isa sa mga mataas na pari ng Katoliko - ang Grand Inquisitor. Ang pagdurusa ng manunulat ng tula ay nangyayari nang eksakto dahil talagang nakikita niya ang isang tunay na lingkod ni Kristo sa paglalarawan ng kanyang mataas na pari na may pananaw sa mundo ng Katoliko, na malayo sa sinaunang Apostolic Orthodoxy. Samantala, ang kanyang dakilang Inquisitor ay, sa esensya, isang ateista mismo. Ayon sa dakilang Inquisitor, ang pag-ibig ay dapat ipahayag sa kawalan ng kalayaan, dahil ang kalayaan ay masakit, ito ay nagbubunga ng kasamaan at nagiging sanhi ng isang tao na may pananagutan sa kasamaan na ginawa, at ito ay hindi mabata para sa isang tao. Ang Inquisitor ay kumbinsido na ang kalayaan ay hindi isang regalo para sa isang tao, ngunit isang parusa, at siya mismo ay tatanggihan ito. Bilang kapalit ng kalayaan, ipinangako niya sa mga tao ang pangarap ng isang makalupang paraiso:“...Ibibigay natin sa kanila ang tahimik, mapagpakumbabang kaligayahan ng mahihinang mga nilalang habang sila ay nilikha. ...Oo, pipilitin namin silang magtrabaho, ngunit sa mga oras na walang trabaho ay aayusin namin ang kanilang buhay bilang laro ng bata, na may mga awiting pambata, koro, at mga inosenteng sayaw.”

Alam na alam ng Inkisitor na ang lahat ng ito ay sumasalungat sa tunay na mga turo ni Kristo, ngunit nababahala siya tungkol sa organisasyon ng mga gawain sa lupa at pagpapanatili ng kapangyarihan sa mga tao. Sa pangangatwiran ng inkisitor, makahulang nakita ni Dostoevsky ang posibilidad na gawing isang kawan ng mga hayop ang mga tao, na abalang-abala sa pagkuha ng materyal na kayamanan at pagkalimot na "ang tao ay hindi nabubuhay sa tinapay lamang," na, sa pagkakaroon ng sapat, maaga o huli. magtatanong siya: busog na ako, pero ano? Sa tula na "The Grand Inquisitor," muling itinaas ni Dostoevsky ang tanong na labis na nag-aalala sa kanya tungkol sa pagkakaroon ng Diyos. Kasabay nito, kung minsan ay inilalagay ng manunulat sa bibig ng inkisitor ang medyo nakakumbinsi na mga argumento bilang pagtatanggol sa katotohanan na, marahil, talagang mas mahusay na pangalagaan ang makalupang, tunay na kaligayahan at hindi mag-isip tungkol sa buhay na walang hanggan, pag-iwan sa Diyos sa pangalan nito.

Ang "The Legend of the Grand Inquisitor" ay ang pinakadakilang paglikha, ang tuktok ng pagkamalikhain ni Dostoevsky. Muling pumarito ang Tagapagligtas sa lupa. Inihatid ni Dostoevsky ang paglikha na ito sa mambabasa bilang gawa ng kanyang bayani na si Ivan Karamazov. Sa Seville, sa panahon ng laganap na Inkisisyon, si Kristo ay nagpakita sa gitna ng karamihan, at nakilala Siya ng mga tao. Ang mga sinag ng liwanag at kapangyarihan ay dumadaloy mula sa kanyang mga mata, Iniunat niya ang kanyang mga kamay, pinagpapala, gumagawa ng mga himala. Ang Grand Inquisitor, “isang matanda na siyamnapu, matangkad at tuwid, na may lantang mukha at lubog ang mga pisngi,” ay nag-utos sa kanya na ikulong. Sa gabi ay pumupunta siya sa kanyang bihag at nagsimulang makipag-usap sa kanya. "Alamat" - monologo ng Grand Inquisitor. Si Kristo ay nananatiling tahimik. Ang nasasabik na pananalita ng matanda ay nakadirekta laban sa mga turo ng Diyos-tao. Nagtitiwala si Dostoevsky na ang Katolisismo, maaga o huli, ay makiisa sa sosyalismo at bubuo kasama nito ang isang solong Tore ng Babel, ang kaharian ng Antikristo. Ang Inkisitor ay nagbibigay-katwiran sa pagtataksil kay Kristo na may parehong motibo kung saan binigyang-katwiran ni Ivan ang kanyang pakikipaglaban sa Diyos, na may parehong pag-ibig para sa sangkatauhan. Ayon sa Inkisitor, nagkamali si Kristo tungkol sa mga tao:

“Ang mga tao ay mahina, mabisyo, walang kabuluhan at mga rebelde... Mahina, walang hanggang bisyo at walang hanggang walang utang na loob... Masyado mong mataas ang paghatol sa mga tao, sapagkat, siyempre, sila ay mga alipin, bagaman sila ay nilikha ng mga rebelde... Ako sumumpa, ang tao ay mas mahina at Siya ay nilikhang mas mababa kaysa sa Inyong inaakala tungkol sa kanya... Siya ay mahina at hamak.”

Kaya naman, ang “katuruang Kristiyano” tungkol sa tao ay kabaligtaran sa turo ng Antikristo. Si Kristo ay naniwala sa larawan ng Diyos sa tao at yumukod sa harap ng kanyang kalayaan; Itinuturing ng Inkisitor na ang kalayaan ay ang sumpa ng mga kaawa-awa at walang kapangyarihang mga rebeldeng ito at, upang mapasaya sila, ipinahayag niya ang pagkaalipin. Iilan lamang ang mga pinili ang kayang dalhin ang tipan ni Kristo. Ayon sa inkisitor, ang kalayaan ay magdadala sa mga tao sa kapwa pagkawasak. Ngunit darating ang panahon, at ang mahihinang mga rebelde ay gagapang sa mga magbibigay sa kanila ng tinapay at magbibigkis sa kanilang magulo na kalayaan. Ang Inkisitor ay nagpinta ng isang larawan ng "kaligayahang parang bata" ng inaalipin na sangkatauhan:

“Maninginig sila sa pagpapahinga sa ating galit, magiging mahiyain ang kanilang isipan, luluha ang kanilang mga mata, tulad ng sa mga bata at babae... Oo, pipilitin natin silang magtrabaho, ngunit sa mga oras na walang trabaho, gagawin natin. ayusin ang kanilang buhay tulad ng isang larong pambata na may mga awiting pambata , sa koro, na may inosenteng sayawan. Oh, hahayaan natin silang magkasala... At lahat ay magiging masaya, lahat ng milyun-milyong nilalang, maliban sa daan-daang libong kumokontrol sa kanila... Tahimik silang mamamatay, tahimik silang maglalaho sa ang pangalan mo, at sa kabila ng libingan ay kamatayan lamang ang kanilang matatagpuan...”

Tumahimik ang Inkisitor; tahimik ang preso.

"Gusto ng matandang lalaki na sabihin sa kanya ang isang bagay, kahit na ito ay mapait at kakila-kilabot. Ngunit bigla Siyang tahimik na lumapit sa matanda at tahimik na hinalikan ito sa walang dugo, siyamnapung taong gulang nitong labi. Iyan ang buong sagot. Nanginginig ang matanda. May gumalaw sa dulo ng kanyang mga labi; siya ay pumunta sa pinto, binuksan ito at sinabi sa Kanya: “Humayo ka at huwag nang pumarito. Huwag ka ngang lumapit... Never, never!”

At pinakawalan niya Siya sa “madilim na salansan ng granizo.”

Ano ang sikreto ng Grand Inquisitor? Hulaan ni Alyosha:

"Ang iyong inkisitor ay hindi naniniwala sa Diyos, iyon ang kanyang buong sikreto."

Agad namang pumayag si Ivan.

"Kahit na! – sagot niya. “Sa wakas, nahulaan mo na.” At, talagang, talagang, talagang, iyon ang buong sikreto...”

Ang may-akda ng "The Karamazovs" ay nagtatanghal ng paglaban sa Diyos sa lahat ng demonyong kadakilaan nito: tinatanggihan ng Inkisitor ang utos ng pag-ibig sa Diyos, ngunit naging panatiko ng utos ng pag-ibig sa kapwa. Ang kanyang makapangyarihang espirituwal na kapangyarihan, na dati ay ginugol sa pagsamba kay Kristo, ngayon ay nabaling sa paglilingkod sa sangkatauhan. Ngunit ang walang diyos na pag-ibig ay hindi maiiwasang maging poot. Dahil nawalan ng pananampalataya sa Diyos, ang Inkisitor ay dapat ding mawalan ng pananampalataya sa tao, dahil ang dalawang pananampalatayang ito ay hindi mapaghihiwalay. Sa pamamagitan ng pagtanggi sa imortalidad ng kaluluwa, itinatanggi niya ang espirituwal na kalikasan ng tao. Nakumpleto ng "Alamat" ang gawain ng buhay ni Dostoevsky - ang kanyang pakikibaka para sa tao. Inihayag niya sa kanya ang relihiyosong batayan ng personalidad at ang hindi pagkakahiwalay ng pananampalataya sa tao mula sa pananampalataya sa Diyos. Sa hindi naririnig na puwersa, pinagtitibay niya ang kalayaan bilang imahe ng Diyos sa tao at ipinakita ang Antikristo na simula ng kapangyarihan at despotismo. "Kung walang kalayaan, ang tao ay isang hayop, ang sangkatauhan ay isang kawan"; ngunit ang kalayaan ay supernatural at supra-rational; sa kaayusan ng natural na mundo, ang kalayaan ay kailangan lamang. Ang kalayaan ay isang banal na regalo, ang pinakamahalagang pag-aari ng tao.

“Hindi ito mapapatunayan ng katwiran, siyensya, o natural na batas - ito ay nakaugat sa Diyos, na inihayag kay Kristo. Ang kalayaan ay isang gawa ng pananampalataya."

Ang Antikristo na kaharian ng Inkisitor ay itinayo sa himala, misteryo at awtoridad. Sa espirituwal na buhay, ang simula ng lahat ng kapangyarihan ay mula sa masama. Kailanman sa lahat ng panitikan sa daigdig ay ipinakita ang Kristiyanismo na may kamangha-manghang puwersa bilang isang relihiyon ng espirituwal na kalayaan. Ang Kristo ni Dostoevsky ay hindi lamang ang Tagapagligtas at Manunubos, kundi ang Nag-iisang Tagapagpalaya ng tao. Ang Inquisitor, na may madilim na inspirasyon at mainit na pagsinta, ay tinuligsa ang kanyang Bilanggo; nananatili siyang tahimik at tinugon ng halik ang paratang. Hindi niya kailangang bigyang-katwiran ang kanyang sarili: ang mga argumento ng kaaway ay pinabulaanan ng presensya lamang Niya na “ang Daan, ang Katotohanan at ang Buhay.”

Ang isang kilalang, kahit na kamag-anak, ang diskarte sa estilo ng Art Nouveau ay kapansin-pansin sa pagpipinta ni V. Vasnetsov ng 80s. Sa sandaling ang artista ay lumayo sa pang-araw-araw na genre at nagsimulang maghanap ng mga form upang ipahayag ang kanyang mga ideya na may kaugnayan sa pambansang alamat, ni ang makatotohanang sistema ng Wanderers o ang akademikong doktrina ay ganap na nababagay sa kanya. Ngunit sinamantala niya ang dalawa, lubhang binago ang bawat isa sa kanila. Sa punto ng kanilang tagpo, lumitaw ang malalayong pagkakatulad sa modernidad. Naramdaman nila ang kanilang sarili sa walang pasubali na apela ng artist sa anyo ng mga panel, sa malalaking sukat na mga canvases na idinisenyo para sa mga pampublikong interior (tandaan na ang karamihan sa mga gawa ng 80s ay nilikha sa pamamagitan ng pagkakasunud-sunod ng S.I. Mamontov para sa mga interior ng mga departamento ng tren). Ang tema ng mga pagpipinta ni Vasnetsov ay nagbibigay din ng paghahambing sa estilo ng Art Nouveau. Ang mga realistang Ruso noong 60-80s ay napakabihirang, sa halip bilang isang pagbubukod kaysa sa isang panuntunan, ay bumaling sa mga engkanto o epiko. Sa buong sining ng Europa noong ika-19 na siglo, ang fairy tale ay ang prerogative ng romantikong kilusan. Sa neo-romanticism sa pagtatapos ng siglo, muling nabuhay ang interes sa mga fairytale plot. Tinanggap ng Symbolism at Art Nouveau ang “fashion for fairy tales” na ito, gaya ng ipinakita ng maraming gawa ng German, Scandinavian, Finnish, at Polish na pintor. Ang mga pagpipinta ni Vasnetsov ay magkasya sa parehong hanay. Ngunit, siyempre, ang pangunahing pamantayan para sa pag-aari ng isang estilo ay dapat na ang pictorial system, ang pormal na wika ng sining mismo. Narito ang Vasnetsov ay mas malayo sa estilo ng Art Nouveau, bagaman ang ilang mga paglilipat patungo sa huli ay nakabalangkas sa kanyang trabaho. Lalo silang kapansin-pansin sa pagpipinta na "Tatlong Prinsesa ng Underground Kingdom" (1884). Ang mga nakatayong poses ng tatlong pigura, na nagpapakilala sa aksyon bilang isang uri ng teatro na pagtatanghal, ang karaniwang unyon ng pagiging natural at tradisyonal na dekorasyon para sa estilo ng Art Nouveau - kasama ang mga tampok na ito Vasnetsov ay tila lumilipat "sa teritoryo" ng bagong istilo. Ngunit marami ang nananatili sa lumang teritoryo. Si Viktor Vasnetsov ay malayo sa pinong stylization, siya ay simple ang pag-iisip, ang pag-uusap sa kalikasan ay hindi nagambala. Ito ay hindi nagkataon na ang pintor, tulad ng mga realista ng dekada 70 at 80, ay madaling gumamit sa kanyang mga pagpipinta ng mga sketch na isinulat mula sa mga magsasaka at mga batang nayon. Pagkamalikhain V.M. Ang Vasnetsov, pati na rin ang mga aktibidad ng maraming iba pang mga artista ng bilog na Abramtsevo, ay nagpapahiwatig na ang modernismo sa Russia ay nabuo alinsunod sa mga pambansang konsepto. Russian folk art bilang isang pamana para sa propesyonal na sining, pambansang alamat bilang isang mapagkukunan ng paksa para sa pagpipinta, pre-Mongol na arkitektura bilang isang modelo para sa modernong arkitektura - lahat ng mga katotohanang ito ay nagsasalita nang mahusay tungkol sa interes sa pambansang artistikong tradisyon. Walang alinlangan na ang mga artista ng nakaraang panahon - ang Peredvizhniki - ay nahaharap sa problema ng pambansang pagiging natatangi ng sining. Ngunit para sa kanila ang kakanyahan ng pagka-orihinal na ito ay nakapaloob sa pagpapahayag ng kahulugan modernong buhay bansa. Para sa mga artista ng umuusbong na modernismo, ang pambansang tradisyon ay mas mahalaga. Ang pagkiling na ito sa mga pambansang isyu ay karaniwang katangian ng estilo ng Art Nouveau ng serye mga bansang Europeo . Ang maagang gawain ni M. Nesterov, na nakuha ang kanyang tema at ang kanyang masining na wika sa pinakadulo ng dekada 80, ay konektado din sa kalakaran na ito. Hinanap niya ang kanyang mga bayani sa mga alamat ng relihiyon, sa mga santo ng Russia; kumakatawan sa pambansang kalikasan sa isang perpektong, "purified" form. Kasama ng mga pampakay at makasagisag na pagbabagong ito ay dumating ang mga bagong katangiang pangkakanyahan. Totoo, ang mga modernistang tendensya ay lumitaw sa mga unang gawa na ito sa kanilang pagkabata at sa mga nabura na mga anyo, na karaniwang tipikal para sa maraming mga phenomena ng pagpipinta ng Russia noong huling bahagi ng ika-19 - unang bahagi ng ika-20 siglo, kapag magkaiba, kung minsan ay sumasalungat sa mga artistikong direksyon nang sabay-sabay na binuo, paghahalo at impluwensya sa bawat isa. iba pa. Sa Nesterov's "The Hermit" (1889), maalalahanin na kaakit-akit, ang ethereality ng figure, ang emphasized na papel ng silweta nito, ang paglusaw ng panlipunang motibo sa isang estado ng idyllic na katahimikan - iyon ay, ang mga tampok na nagdadala ng Nesterov na mas malapit sa simbolismo at modernidad ay pinagsama sa spontaneity ng persepsyon ng kalikasan. Sa "Vision to the Youth Bartholomew" (1890), si Nesterov ay lumikha ng isang "conditionally real" na tanawin at nag-uugnay sa mythological sa real. Sa gawain ng artist na ito, sinira ng Art Nouveau ang nangingibabaw na mga prinsipyo ng Moscow school of painting, na nakatuon sa plein air at impressionism. Ang ugali na ito ay nagpapakita ng sarili sa isang mas malaking lawak sa Levitan, gayunpaman, sa unang kalahati ng 90s, nang nilikha niya ang "Above Eternal Peace" (1894). Sa larawang ito, na siyang pinakamataas na punto ng pilosopikal na pagmumuni-muni ng sikat na pintor ng landscape, na noong 80s ay mahigpit na nakatuon sa plein air, ang halos hindi naririnig na mga tala ng "Island of the Dead" ni Böcklin o ang misteryoso, bagaman medyo totoo, mga landscape. ng V. Leistikov, ang sikat na German Secessionist ng 90s, tunog taon. Gayunpaman, dapat tandaan na ang dramatiko, halos kalunos-lunos na liriko ng Levitan ay may ganap na magkakaibang mga pinagmulan, na lubos na naghiwalay sa Russian artist mula sa Swiss at German master. Ang kalungkutan ni Levitanov ay nagbabalik sa atin sa muse ni Nekrasov, sa pag-iisip tungkol sa pagdurusa ng tao at kalungkutan ng tao. Sa hinaharap, tatalakayin natin ang iba pang mga variant ng Russian Art Nouveau, na lumitaw sa pagpipinta bilang isang uri ng pag-unlad ng ilang mga istilong pangkakanyahan na biglang nakatanggap ng pagkakataong umunlad sa Art Nouveau. Totoo, lahat ng aming nakalista sa itaas ay isang diskarte pa rin sa isang bagong istilo. Gayunpaman, mayroong isang master sa Russia na, noong dekada 80, ay itinatag na ang Art Nouveau bilang isang estilo at simbolismo bilang isang paraan ng pag-iisip. Ang master na ito ay si M. Vrubel. Noong 1885, pagkatapos umalis sa St. Petersburg Academy, nagsimula ang tinatawag na panahon ng Kiev ng trabaho ng artist, na tumagal hanggang 1889. Sa mga taong ito, nabuo ang istilo ni Vrubel, na bumubuo ng isang organikong bahagi ng bersyong Ruso ng istilong Art Nouveau. Ang pagkamalikhain ni Vrubel ay may iba't ibang panimulang punto ng paggalaw kaysa kay Vasnetsov, Nesterov o Levitanov. Hindi siya mahilig sa plein air (halos walang plein air works si Vrubel); malayo siya sa realismo ng mga Itinerant, na, sa opinyon ng mga batang pintor, ay nagpabaya sa mga pormal na gawain. Kasabay nito, si Vrubel ay may kapansin-pansin na mga tampok na pang-akademiko - sa isang priori na likas na katangian ng kagandahan, na sadyang pinili bilang isang tiyak na bagay ng muling pagtatayo, sa maingat na asimilasyon ng mga prinsipyo ng pagbuo ng Chistyakov, sa kanyang pagkahumaling sa matatag na mga panuntunan ng sining. . Nadaig ni Mikhail Vrubel ang akademya nang higit na tuloy-tuloy at mabilis, muling nag-iisip ng kalikasan, at tinatanggihan ang alyansa sa naturalismo na naging katangian ng huling akademikong European.

M. Vrubel. Panaghoy sa libing. Sketch. 1887.

M. Vrubel. Muling Pagkabuhay. Sketch. 1887.

Hindi natanto na mga sketch ng mga kuwadro na gawa ng Vladimir Cathedral sa Kyiv, na natitira sa mga sheet ng watercolor, na nakatuon sa dalawang paksa - "The Funeral Lament" at "The Resurrection" (1887), na malinaw na ipinahiwatig sa itaas. Sa isa sa mga bersyon ng "The Tombstone," na ginawa sa pamamaraan ng itim na watercolor, binago ni Vrubel ang tunay na espasyo sa isang abstract na kombensiyon, gamit ang wika ng pagmamaliit at alusyon na idinisenyo para sa pagkilala. Sa "Resurrection" naglalatag siya ng mga anyo na parang mula sa mga makinang na kristal, at may kasamang mga bulaklak sa komposisyon na naghahabi ng mga pattern sa ibabaw ng dahon. Nagiging ornamentality natatanging kalidad graphics at pagpipinta ni Vrubel. Ang "Girl against the background of a Persian carpet" (1886) ay kinabibilangan ng ornament bilang paksa ng imahe at sa parehong oras ay naglalagay ng pandekorasyon na prinsipyo bilang prinsipyo ng komposisyon ng larawan sa kabuuan. Ang mga sketch ng mga burloloy na ginawa ni Vrubel ay natanto sa mga pandekorasyon na panel na matatagpuan sa kahabaan ng mga barko ng mga vault ng Vladimir Cathedral. Nilikha ng pintor ang mga burloloy sa isang bagong istilo, na pumipili ng mga larawan ng mga paboreal, mga bulaklak ng liryo at isang yari sa sulihiya ng mga anyong halaman bilang mga paunang anyo. Ang "mga modelo" na kinuha mula sa mundo ng hayop at halaman ay inilarawan sa pangkinaugalian at schematized; ang isang imahe ay tila hinabi sa isa pa; ang nakalarawan na elemento sa sitwasyong ito ay umuurong sa background sa harap ng pattern, na na-abstract ng linear at color ritmo. Gumagamit ang Vrubel ng mga kurbadong linya. Ginagawa nitong panahunan ang palamuti at nauugnay sa isang buhay na anyo na may kakayahang pag-unlad ng sarili. Si M. Vrubel ay pumasok sa modernidad sa maraming paraan, na siyang una sa mga artistang Ruso upang malaman ang pangkalahatang direksyon ng paggalaw ng kulturang sining ng Europa. Ang kanyang paglipat sa mga bagong landas ay mapagpasyahan at hindi na mababawi. Gayunpaman, ang estilo ng Art Nouveau ay nakakuha ng isang mas malawak na karakter sa Russia na nasa 90-900s. D.V. Sarabyanov "Modernong Estilo". M., 1989. p. 77-82.

ANG PAGSILANG NG RUSSIAN MODERNITY

Vasnetsov V.M. "Ang aming ginang

may anak sa trono."

Huling bahagi ng XIX - unang bahagi ng XX siglo.

Canvas, kahoy, gintong dahon,

langis. 49 x 18 cm

Pinalamutian ng antigong istilo

kahoy na inukit na frame.

Vasnetsov,VictorSi Mikhailovich ay ipinanganak noong Mayo 3/15, 1848 sa nayon ng Lopyal, lalawigan ng Vyatka, sa pamilya ng isang pari na, ayon sa artista, "naglagay sa ating mga kaluluwa ng isang buhay, hindi masisira na ideya ng Buhay, tunay na umiiral. Diyos!” . Pagkatapos mag-aral sa Vyatka Theological Seminary (1862-1867), pumasok si Vasnetsov sa St. Petersburg Academy of Arts, kung saan seryoso niyang inisip ang lugar ng sining ng Russia sa kultura ng mundo. Noong 1879, sumali si Vasnetsov sa bilog ng Mamontov, na ang mga miyembro ay nagsagawa ng mga pagbabasa, pininturahan at nagtanghal ng mga dula sa taglamig sa bahay ng natitirang pilantropo na si Savva Mamontov sa Spasskaya-Sadovaya Street, at sa tag-araw ay nagpunta sila sa kanyang country estate na Abramtsevo. Sa Abramtsevo, ginawa ni Vasnetsov ang kanyang mga unang hakbang patungo sa isang relihiyosong-pambansang direksyon: nagdisenyo siya ng isang simbahan sa pangalan ng Tagapagligtas na Hindi Ginawa ng mga Kamay (1881-1882) at nagpinta ng ilang mga icon para dito. Ang pinakamagandang icon ay ang icon ng St. Si Sergius ng Radonezh ay hindi kanonikal, ngunit malalim na nadama, kinuha mula sa pinakapuso, isang mahal na mahal at iginagalang na imahe ng isang mapagpakumbaba, matalinong matandang lalaki. Sa likod niya ay nakaunat ang walang katapusang kalawakan ng Rus', ang monasteryo na itinatag niya ay makikita, at sa langit ay ang imahe ng Holy Trinity.

"Ang kasaysayan ng simbahan sa Abramtsevo ay kamangha-mangha dahil ito ay mahalagang aktibidad para sa isang grupo ng mga kaibigan - mga mahuhusay, masipag, masigasig na mga tao. Ang resulta ay ang ipinagmamalaking tinatawag na "ang unang gawa ng Russian Art Nouveau" (1881-1882) at nailalarawan bilang "isang banayad na antigong istilo, na magkakasuwato na pinagsasama ang mga elemento ng iba't ibang mga paaralan ng medieval na arkitektura ng Russia." Hindi para sa akin na husgahan kung ano ang kinalaman ng modernismo dito, ngunit ang simbahan ay talagang mahusay. Para sa akin, ang kumbinasyong ito ng kumpletong kaseryosohan ng ideya ng gusali (ang mga tagalikha ay malalim na mga taong relihiyoso) kasama ang palakaibigan at masayang kapaligiran ng paglikha nito ay nagpasiya ng kakaibang diwa ng gusaling ito - napakasaya at isang maliit na "parang laruan".

Victor Vasnetsov:

"Lahat tayo ay mga artista: Polenov, Repin, ako mismo, si Savva Ivanovich mismo at ang kanyang pamilya ay nagtakdang magtrabaho nang sama-sama, masigasig. Ang aming mga artistikong katulong: Elizaveta Grigorievna, Elena Dmitrievna Polenova, Natalya Vasilievna Polenova (noon Yakunchikova pa rin), Vera Alekseevna Repina ay hindi mula sa amin Kami ay gumuhit ng mga facade, mga palamuti, gumawa ng mga guhit, nagpinta ng mga imahe, at ang aming mga kababaihan ay nagburda ng mga banner, saplot, at maging sa plantsa, malapit sa simbahan, inukit na mga palamuti sa bato, tulad ng mga tunay na mason... Ang pagtaas ng enerhiya at pagkamalikhain sa sining. ay hindi pangkaraniwan: lahat ay nagtrabaho nang walang pagod, na may kompetisyon, nang walang pag-iimbot. Tila na ang masining na salpok ng pagkamalikhain ng Middle Ages at ang Renaissance ay puspusan muli. Ngunit pagkatapos ay ang mga lungsod, buong rehiyon, bansa, mga tao ay nanirahan doon na may ganitong salpok, at mayroon lamang kaming maliit na maarteng pamilya at bilog na Abramtsevo. Ngunit napakalaking sakuna, nakahinga ako ng malalim sa malikhaing kapaligirang ito... Ngayon ang mga mausisa ay pumunta sa Abramtsevo upang makita ang aming maliit, katamtaman, walang bonggang luho, ang simbahan ng Abramtsevo. Para sa amin - ang mga manggagawa nito - ito ay isang nakakaantig na alamat tungkol sa nakaraan, tungkol sa karanasan, banal at malikhaing salpok, tungkol sa palakaibigang gawain ng mga artistikong kaibigan, tungkol kay Uncle Savva, tungkol sa kanyang mga mahal sa buhay..."

V.D. Polenov"Annunciation" (1882) (gate ng iconostasis).

Mula sa isang liham mula kay E.G. Mamontova:

"Napakaganda ng aming simbahan. Hindi ko mapigilang tingnan ito... Hindi man lang pinatulog ng simbahan si Vasnetsov sa gabi, lahat ay gumuhit ng iba't ibang mga detalye. Gaano ito kaganda sa loob... Ang pangunahing interes ay ang simbahan. Nagkaroon ng usapan at haka-haka tungkol dito buong araw kahapon "Mainit na mga debate. Ang lahat ay madamdamin sa pag-ukit ng mga burloloy... Ang bintana ni Vasnetsov ay mukhang talagang kaibig-ibig; hindi lamang ang mga arko, ngunit ang lahat ng mga haligi ay natatakpan ng mga burloloy"
Hindi nais ni Vasnetsov na makakita ng anumang bagay na karaniwan sa simbahan; nais niyang ang paglikha ng malikhaing inspirasyon na ito ay tumutugma sa masayang kalagayan kung saan ito itinayo. Kaya, nang ang pagliko ay dumating sa sahig at nagpasya si Savva Ivanovich na gawin itong ordinaryong - semento mosaic (walang mga slab), si Vasnetsov ay mabangis na nagprotesta.

"Tanging masining na layout ng pattern", - giit niya at sinimulang pangunahan siya.Una, ang balangkas ng isang naka-istilong bulaklak ay lumitaw sa papel, at pagkatapos ay inilipat ang pagguhit sa sahig ng simbahan ng Abramtsevo.

"... Si Vasnetsov mismo, - paggunita ni Natalya Polenova, - ilang beses sa isang araw tumakbo siya sa simbahan, tumulong na ilatag ang pattern, itinuro ang mga kurba ng mga linya at mga piling bato ayon sa mga tono. Sa kagalakan ng lahat, isang malaking kamangha-manghang bulaklak ang tumubo sa buong sahig."

Ang simbahan ay itinalaga noong 1882, at halos kaagad pagkatapos noon ay naganap doon ang kasal ni V.D. Polenov - naging kaibigan niya ang kanyang asawa sa panahon ng pagtatayo ng simbahan.

Ang mga koro ay pininturahan ng mga larawan ng mga bulaklak at paru-paro ni V.M. Vasnetsov.

Batay sa mga guhit ni V.M. Si Vasnetsov ay gumawa ng isang mosaic na sahig

na may naka-istilong bulaklak at petsa ng pagtatayo:

1881–1882 sa Old Church Slavonic.

Sa kaliwang tuktok ay ang maligayang seremonya ng iconostasis.

Sa kanang itaas ay ang propetikong pagkakasunud-sunod ng iconostasis.

Sa ari-arian ng Mamontov na "Abramtsevo" malapit sa Moscow, nilikha ang mga workshop ng sining kung saan ginawa at nakolekta ang mga bagay ng katutubong sining, kabilang ang mga laruan. Upang buhayin at paunlarin ang mga tradisyon ng mga laruang Ruso, ang workshop na "Edukasyon ng mga Bata" ay binuksan sa Moscow. Sa una, ang mga manika ay nilikha sa loob nito, na nakasuot ng maligaya na mga kasuutan ng katutubong ng iba't ibang mga lalawigan (rehiyon) ng Russia. Sa workshop na ito ipinanganak ang ideya ng paglikha ng isang Russian na kahoy na manika. Sa huling bahagi ng 90s ng ika-19 na siglo, batay sa isang sketch ng artist na si Sergei Malyutin, ang lokal na turner na si Zvezdochkin ay naging unang kahoy na manika. At nang ipinta ito ni Malyutin, ito ay naging isang batang babae sa isang Russian sundress. Si Matryoshka Malyutin ay isang bilog na mukha na batang babae sa isang burdado na kamiseta, sundress at apron, sa isang makulay na scarf, na may isang itim na tandang sa kanyang mga kamay.

Abramtsevo. Mga likhang-bayan. Pinagmulan ng Russian Art Nouveau.

Ang unang Russian nesting doll, na inukit ni Vasily Zvezdochkin at pininturahan ni Sergei Malyutin, ay may walong upuan: isang batang babae na may itim na tandang ay sinundan ng isang batang lalaki, pagkatapos ay isang batang babae muli, at iba pa. Ang lahat ng mga figure ay naiiba sa bawat isa, at ang huli, ikawalo, ay naglalarawan ng isang nakabalot na sanggol. Ang ideya ng paglikha ng isang nababakas na manika na gawa sa kahoy ay iminungkahi kay Malyutin ng isang laruang Hapon na dinala ng asawa ni Savva Mamontov sa Abramtsevo estate malapit sa Moscow mula sa Japanese island ng Honshu. Ito ay isang pigurin ng isang mabait na kalbo na matandang lalaki, ang Buddhist na santo na si Fukurum, na may ilang mga figure na naka-embed sa loob. Gayunpaman, naniniwala ang mga Hapon na ang unang naturang laruan ay inukit sa isla ng Honshu ng isang Ruso na gumagala - isang monghe. Ang mga manggagawang Ruso, na alam kung paano mag-ukit ng mga kahoy na bagay na nakapugad sa loob ng bawat isa (halimbawa, mga itlog ng Pasko ng Pagkabuhay), ay pinagkadalubhasaan ang teknolohiya ng paggawa ng mga pugad na mga manika nang madali. Ang prinsipyo ng paggawa ng isang pugad na manika ay nananatiling hindi nagbabago hanggang sa araw na ito, na pinapanatili ang lahat ng mga pamamaraan ng paggawa ng sining ng mga manggagawang Ruso.

"Mga Ama" ng Russian nesting doll:

pilantropo na si Savva Mamontov, artista

Sergey Malyutin at turner na si Vasily Zvezdochkin

Maikling impormasyon: Ang Abramtsevo ay ang dating ari-arian ng Savva Mamontov, na ang pangalan ay nauugnay sa isang impormal na samahan ng mga artista, eskultor, musikero at theatrical figure ng Russian Empire sa ikalawang kalahati ng ika-19 na siglo. Ang bilog, na itinatag noong 1872 sa Roma, ay patuloy na umiral sa isang estate malapit sa Moscow. Natatanging Simbahan ng Tagapagligtas na Hindi Ginawa ng mga Kamaylarawanay itinayo noong 1881-1882 ayon sa disenyo ni Viktor Vasnetsov(nanalo siya sa kumpetisyon ng "pamilya" mula sa Polenov)arkitekto P. Samarin, ang mga sikat na artista tulad nina Ilya Repin, Nikolai Nevrev, Mikhail Vrubel, Mark Antokolsky at iba pang miyembro ng bilog na Abramtsevo ay lumahok sa disenyo ng interior decoration ng templo.Ang pamilya ng Mamontov ng mga kapitalista at lahat ng malalapit na kaibigan sa artist ay lumahok sa isang detalyadong talakayan ng proyekto at pagpapatupad nito (pisikal, gamit ang mga kamay at paa).Ang pagtatayo ng simbahang Ortodokso ay nagkakaisa sa malikhaing potensyal ng mga natitirang may-akda, na nagresulta sa pagsilang ng pambansang-romantikong direksyon ng Russian Art Nouveau.

I.E. Repin. “Ang Tagapagligtas na Hindi Ginawa ng mga Kamay” (1881–1882).

N.V. Nevrev."Nicholas the Wonderworker" (1881)

V.M. Vasnetsov. Icon"Sergius ng Radonezh." (1881)

E. D. Polenova.Icon na "Saints Prince Fyodor

kasama ang mga anak na sina Konstantin at David" (1890s)

Ang templo ay naglalaman ng isa sa mga pinaka orihinal at bagong gawa ng sining ng simbahan ng Russia - isang artistikong iconostasis, na kinabibilangan ng mga icon na "The Savior Not Made by Hands" ni Ilya Repin, "Nicholas the Wonderworker" ni Nikolai Nevrev, "Sergius of Radonezh" at "Ang Ina ng Diyos" ni Viktor Vasnetsov, "The Annunciation" ni Vasily Polenov at iba pa. Ang Vasnetsov Church ay gumawa ng isang pambihirang tagumpay sa isang ganap na bagong artistikong espasyo: tinawag itong "Novgorod-Pskov" na may mga elemento ng "Vladimir-Moscow", ngunit hindi ito Novgorod, o Pskov, o Vladimir, o Yaroslavl, ngunit, simple, Russian. Ni ang simbahan "a la" XII siglo, o ang simbahan "a la" XVI siglo, ngunit ang simbahan ng ikadalawampu siglo, ganap na namamalagi sa tradisyon ng arkitektura ng Russia sa lahat ng mga nakaraang siglo. Sa pagdedeklara nito, si V. Vasnetsov, tila, ay nakaramdam pa rin ng kawalan ng katiyakan, kung kaya't ikinabit niya ang mga buttress sa bagong simbahan, na parang ito ay isang "sinaunang" templo, na pagkatapos ay pinalakas. Ang pamamaraan na ito ay matagumpay na ulitin ni A. Shchusev sa Trinity Cathedral ng Pochaev Lavra, ngunit sa pagkakataong ito ay may kumpiyansa, bilang isang tanda, na nagpapatunay.

"Ang Abramtsevo ay ang pinakamahusay na dacha sa mundo, ito ay perpekto lamang!" isinulat ni I.E. Repin. Noong tagsibol ng 1874, ang mga Mamontov, na naglalakbay mula sa Roma patungong Russia, ay bumisita sa Paris, kung saan nakilala nila ang I.E. Repin at V.D. Polenov. Pareho silang gumugol ng kanilang pagreretiro doon, na tumanggap ng mga gintong medalya para sa kanilang mga gawa sa diploma mula sa St. Petersburg Academy of Arts. Ang parehong mga kasama ay nakalaan para sa mga artistikong karera sa Russia, at parehong nakatayo sa isang sangang-daan, hindi nagpasya kung saan manirahan. Ang kakilala sa mga Mamontov, ang pambihirang impresyon na natamo mula sa kakilalang ito, ay nakumbinsi silang dalawa na piliin ang Moscow bilang kanilang tirahan. Kaya, mula noong 1877, sina Repin at Polenov ay nanirahan sa Moscow, na ginugugol ang taglamig sa maginhawang bahay ni Savva Ivanovich sa Sadovo-Spasskaya, at lumipat sa Abramtsevo sa tag-araw. Isang artista ng hindi mauubos na pag-uugali, si Repin ay nagtrabaho palagi at saanman, siya ay nagtrabaho nang madali at mabilis. Ang mga naninirahan sa Abramtsevo ay nagulat: sa sandaling sumikat ang araw, si Ilya Efimovich ay nasa kanyang mga paa, na nagsasabi: "Ang mga oras ng umaga - pinakamahusay na relo ng buhay ko". Ang kapaligiran ng ari-arian, ang pangkalahatang malikhaing sigasig, ang patuloy na komunikasyon ng mga artista, ang kawalan ng panghihimasok sa pagkamalikhain - lahat ng ito ay naging mabunga ang panahon ng pananatili ni Repin sa Abramtsevo. Si Ilya Efimovich ay halos hindi gumana sa estilo ng Art Nouveau - hindi ito ang kanyang istilo. Noong 1881, para sa iconostasis ng simbahan ng Abramtsevo, ipininta ni Repin ang isang malaking imahe ng Tagapagligtas na Hindi Ginawa ng mga Kamay, na isinagawa sa isang hindi pangkaraniwang akademiko para sa pagpipinta ng simbahan. Pagkalipas ng 10 taon, nagpinta si Ilya Repin ng dalawa pang icon: "The Lord in the Crown of Thorns" at "The Virgin and Child." Si Ilya Repin ay nagpinta ng mga icon sa kanyang kabataan; sa edad na 17 siya ay itinuturing na isang matalinong pintor ng icon. Ngunit pagkatapos ay iniwan niya ang pagpipinta ng icon para sa pagpipinta. Nilikha ng mahusay na artistang Ruso ang mga icon na ito noong siya ay nasa hustong gulang na, pagkamatay ng kanyang ama. Noong Mayo 1892, nakuha ng mahusay na artistang Ruso na si Ilya Repin (1844 - 1930) ang Zdravnevo estate, 16 verst mula sa Vitebsk. Dito, sa panahon ng 1892 - 1902, ang artist ay lumikha ng isang bilang ng kanyang mga sikat na pagpipinta at mga guhit. Sa listahang ito, isang espesyal na lugar ang inookupahan ng mga icon na "Christ in the Crown of Thorns" at "The Virgin and Child." Ang pananampalatayang Ortodokso ay isang mahalagang bahagi ng buhay at gawain ng artista. Higit sa isang beses na ginawa ni Ilya Efimovich sa kanyang mga pagpipinta ang mga eksena mula sa Banal na Kasulatan, ang mga gawa ng mga santo, at mga yugto mula sa kasaysayan ng Russian Orthodox Church. Alalahanin din natin na nakuha ni Ilya Repin ang kanyang mga unang aralin sa craftsmanship mula sa mga pintor ng icon sa kanyang katutubong Chuguev at nagsimula bilang isang pintor ng icon mismo, kahit na pagkatapos ay bihira siyang bumalik sa genre na ito. Sa banal na lupain ng White Rus', ang maliit na kahoy na Church of the Nativity ay naging sentro ng espirituwal na atraksyon para kay Repin at sa kanyang pamilya. Banal na Ina ng Diyos sa nayon ng Sloboda (ngayon ay nayon ng Verkhovye). At, siyempre, hindi ito mangyayari kung hindi dahil sa lakas ng pananampalataya at moral na katangian ng pari na si Dimitry Diakonov (1858 - 1907), ang rektor ng templo noong panahong iyon. Ibinigay ni Padre Dimitri ang kanyang sarili nang buo sa ministeryo:

“Mahilig siyang maglingkod, mahilig siyang mangaral, tinupad niya ang mga tungkulin sa unang tawag,” ang paggunita ng isang kontemporaryo. Ang espesyal na alalahanin ng rektor ay ang karilagan ng templo: “Fr. Si Demetrius ay isang pintor sa puso: sa kanyang simbahan, hindi lamang ito palaging kapansin-pansing malinis at maayos, ngunit ang lahat ng umiiral na mga sagradong bagay at mga icon ay inilagay sa pinakamataas na antas ng simetriko at may mahusay na panlasa: ang katamtamang iconostasis ay palaging eleganteng pinalamutian ng halaman. at mga bulaklak; Sa pangkalahatan, ang kamay at mata ng artist ay nakikita sa lahat ng bagay sa templo. At kaya nangyari na sa simbahang ito, nilagyan ng ganoong lasa, na parang isang gantimpala para kay Fr. Para sa kanyang pagmamahal sa sining, ang mga lokal na icon ng Tagapagligtas at Ina ng Diyos ng sikat na artistang Ruso na si Repin ay naibigay kay Dmitry.

Ilya Repin. Ang Panginoon ay pinutungan ng mga tinik. 1894.

Ilya Repin. Birhen at Bata. 1895-96.

Vitebsk. Galvanized na bakal, langis. 101x52.5 cm.

Vitebsk Regional Museum of Local Lore.

Para sa marami, ang Russian Art Nouveau ay, una sa lahat, ang hindi kapani-paniwalang magagandang mansyon ng Fyodor Shekhtel sa Moscow, malalaking kristal na chandelier, ngunit hindi maayos na bilog, ngunit hugis-itlog, na may kapritsoso na slope, mga table lamp na may makapal na binti na natatakpan ng maliwanag na linear. palamuti; kahoy na palamuti na kumikislot tulad ng isang ahas sa mahabang hubog na mga linya at barnisan sa mga lugar na may madilim, sa iba ay may liwanag na okre... Para sa iba, ito ay mga bagay ng Russian pandekorasyon at inilapat na sining, na ginawa sa aesthetics ng Art Nouveau. Halimbawa, sa Abramtsevo estate kasama ang kalikasan nito, simbahan at mga bahay na gawa sa kahoy, mga icon sa inukit at pininturahan na mga frame, inukit na kasangkapang gawa sa kahoy at Vrubel majolica. Ang Talashkino ay kilala halos kasinglawak ng Abramtsevo. Nariyan si Savva Mamontov, narito si Prinsesa Maria Tenisheva. Ito ay salamat sa kanya na ang Talashkino ay naging isang artistikong sentro na kilala sa buong Russia. Sa Flenovo, na matatagpuan halos 1.5 km mula sa Talashkino, mayroong isang gusali ng Tenisheva's art workshop, pati na rin ang dalawang gusali sa pseudo-Russian style na may mga elemento ng Art Nouveau style - ang Teremok hut, na itinayo ayon sa disenyo ng ang artist na si Sergei Malyutin noong 1901-1902 , at ang Church of the Holy Spirit, na nilikha ayon sa disenyo nina Sergei Malyutin, Maria Tenisheva at Ivan Barshchevsky noong 1902-1908. Ang simbahan noong 1910-1914 ay pinalamutian ng mga mosaic batay sa mga sketch ni Nicholas Roerich, na binuo sa pribadong mosaic workshop ng Vladimir Frolov. Ang simbahan ay kamangha-mangha. Ito ay matatagpuan sa tuktok ng isang kagubatan na burol. Ang simbahan ay napaka pambihira. Una sa lahat, ang anyo nito ay mas pantasya kaysa sa Orthodox. okre brick; mga bubong - motley terracotta; isang manipis, walang pagtatanggol na leeg na may isang mabigat na mukhang madilim na korona at isang manipis na gintong krus; hugis pusong mga linya ng kokoshnik na nakabitin sa bawat isa sa tatlong tier at Mosaic sa harapan ng pangunahing pasukan. Ito ay tinatawag na “Savior Not Made by Hands.” Ang kulay ng mga mosaic ay napakayaman pa rin - azure, malalim na pulang-pula, purong okre. Ang mukha ni Kristo na may hiwalay at sa parehong oras maasikasong titig ay napakaganda.

Mosaic "The Savior Not Made by Hands" ni N.K. Roerich.

Noong 1905, ang pagtatayo ng Templo ay halos natapos. Noong 1908, inimbitahan ng prinsesa ang kanyang malapit na kaibigan na si N.K. na magpinta ng Templo. Roerich. Pagkatapos ay dumating ang desisyon na ialay ang Templo sa Banal na Espiritu.

Ang gawain ni Nicholas Roerich (kabilang ang gawaing simbahan) sa simula ng ika-20 siglo ay isa sa mga makabuluhan at lubos na iginagalang na mga phenomena ng kulturang Ruso. N.K. Si Roerich ang may-akda ng mga mosaic ng Church of Peter at Paul sa nayon ng Morozovka malapit sa Shlisselburg (1906), ang Church of the Intercession of the Blessed Virgin Mary sa village ng Parkhomovka sa Ukraine (1906), ang Trinity Cathedral ng ang Pochaev Lavra sa rehiyon ng Ternopil, din sa Ukraine (1910), ang iconostasis ng Simbahan ng Kazan Ina ng Diyos sa Perm (1907), mga kuwadro na gawa ng kapilya ng St. Anastasia sa Pskov (1913).

Pagguhit ng western facade mula sa mga pondo ng Smolensk Museum-Reserve.

"I just dropped the word, and he responded. Ang salitang ito ay isang templo... - naalala ang M.K. sa Paris noong 1920s. Tenisheva.- Sa kanya lamang, kung ang Panginoon ang mamumuno, tatapusin ko ito. Siya ay isang tao na nabubuhay sa espiritu, ang pinili ng kislap ng Panginoon, sa pamamagitan niya ay mahahayag ang katotohanan ng Diyos. Ang templo ay makukumpleto sa pangalan ng Banal na Espiritu. Ang Banal na Espiritu ay ang kapangyarihan ng Banal na espirituwal na kagalakan, nag-uugnay at sumasaklaw sa lahat na may lihim na kapangyarihan... Anong gawain para sa isang pintor! Napakagandang larangan para sa imahinasyon! Magkano ang maiaambag mo sa Spiritual Temple of Creativity! Naiintindihan namin ang isa't isa, si Nikolai Konstantinovich ay umibig sa aking ideya, naunawaan niya ang Banal na Espiritu. Amen. Mula sa Moscow hanggang Talashkin ay mainit kaming nag-usap, nadala ng mga plano at kaisipan hanggang sa walang katapusan. Mga banal na sandali, puno ng biyaya..."

Mosaic interior surface ng entrance arch.

Iniwan din ni Nikolai Konstantinovich ang kanyang mga alaala sa pulong na ito kay Maria Klavdievna noong 1928, ang taon ng pagkamatay ng prinsesa:

“Napagpasyahan naming tawagin ang templong ito na Templo ng Espiritu. Bukod dito, ang sentral na lugar dito ay dapat na inookupahan ng imahe ng Ina ng Mundo. Ang magkasanib na gawain na nag-uugnay sa amin noon ay mas na-kristal ng karaniwang mga kaisipan tungkol sa templo. Ang lahat ng mga saloobin tungkol sa synthesis ng lahat ng mga ideya ng iconographic ay nagdala kay Maria Klavdievna ng pinakamasiglang kagalakan. Maraming kailangang gawin sa templo, na alam lang namin sa mga panloob na pag-uusap.”

"Ang pagbabalik sa isang malawak na pag-unawa sa mga prinsipyo ng relihiyon, maaari nating ipagpalagay na si Maria Klavdievna ay tumugon sa mga pangangailangan sa malapit na hinaharap nang walang pagtatangi o pamahiin."

Ang resulta ng "panloob na pag-uusap" nina Maria Klavdievna at Nikolai Konstantinovich, ang mga tagalikha ng Russia na espirituwal na malapit sa isa't isa, ay ang paglikha ng isang bagong simbahang Orthodox - ang Templo sa pangalan ng Banal na Espiritu. Mula noong sinaunang panahon sa Rus ay mayroong isang tradisyon ng pagtatayo ng mga simbahan na nakatuon sa Pagbaba ng Banal na Espiritu, kung saan ang mga kaganapan na inilarawan sa Mga Gawa ng mga Apostol ay inaawit:

“At biglang dumating ang isang ugong mula sa langit, na parang mula sa humahagibis na malakas na hangin, at pinuno nito ang buong bahay na kanilang kinauupuan. At may napakita sa kanila na mga dila na parang apoy, at isa ay nakapatong sa bawat isa sa kanila. At silang lahat ay napuspos ng Banal na Espiritu, at nagsimulang magsalita ng iba't ibang wika, ayon sa ibinigay ng Espiritu na kanilang salitain."

Nagkaroon ng isang iconograpya na binuo sa paglipas ng mga siglo na naglalarawan sa mga apostol o Ina ng Diyos kasama ng mga apostol, kung saan bumababa ang mga dila ng apoy. Ang kakaiba ng Templo sa Flenov ay hindi ito nakatuon sa Pagbaba, ngunit sa Banal na Espiritu mismo. Mayroong lahat ng dahilan upang igiit na ang Templo sa Flenov ay ang una sa Rus' at sa Russia na nagkaroon ng ganoong dedikasyon.

Sa unang pagkakataon ang imahe ng Ina ng Mundo N.K. Nakuha ito ni Roerich noong 1906. Ang sikat na orientalist, siyentipiko at manlalakbay na si V.V. Inutusan ni Golubev ang N.K. Roerich upang ipinta ang Church of the Intercession of the Virgin Mary sa kanyang ari-arian, sa nayon ng Parkhomovka, malapit sa Kiev. Noon ay lumitaw ang isang sketch ng imahe ng altar na "Ang Reyna ng Langit sa Itaas ng Ilog ng Buhay". Canon N.K. Si Roerich ay binigyang inspirasyon ng mosaic na imahe ng Our Lady Oranta - ang Unbreakable Wall (bilang sikat na tawag dito) - sa altar ng ika-11 siglong Simbahan ng St. Sophia ng Kyiv.

"Sa pagsulat ng sketch, maraming mga alamat tungkol sa mga himala na nauugnay sa pangalan ng Lady ang na-renew sa aking memorya,"- naalala ng artista.

"Sino ang hindi nakakaalala sa Kyiv Shrine na ito sa lahat ng Kanyang Byzantine na kadakilaan, Ang kanyang mga kamay ay nakataas sa panalangin, asul-asul na damit, pulang sapatos na maharlika, isang puting scarf sa likod ng kanyang sinturon, at tatlong bituin sa kanyang mga balikat at ulo. Mabagsik ang mukha, may malalaking dilat na mata, nakaharap sa mga sumasamba. Sa isang espirituwal na koneksyon sa deepened mood ng mga peregrino. Walang panandaliang araw-araw na mood sa kanya. Ang mga pumapasok sa Templo ay nahuhuli ng isang partikular na mahigpit na pagdarasal,” ― isinulat ng artista ang tungkol sa Our Lady of Kyiv.

Sa paglalarawan ng Queen of Heaven, ang artist, na umaasa sa tradisyon ng Orthodox, ay nag-synthesize din ng dalawang uri ng sinaunang iconograpya ng Russia: Hagia Sophia at ang Ina ng Diyos. Tanging mga larawan ni San Sophia at ng Ina ng Diyos ayon sa Awit 44, na mababasa: "Ang Reyna ay lumilitaw sa Iyong kanang kamay sa mga damit na ginto at mga damit", sa sinaunang tradisyong Ruso ay matatagpuan sa maharlikang kasuotan, at tanging ang Ina ng Diyos ang makikita sa mga icon na nakaupo sa isang trono na nakataas ang mga kamay sa kanyang dibdib. Ngunit ang sketch ay hindi nakatakdang magkatotoo, dahil... kuya V.V. Si Golubeva, na direktang namamahala sa gawain ng pagpipinta ng simbahan, ay hindi tinanggap ang ideya ni N.K. Roerich. Ang katotohanan ay ipinakita ng artista sa imahe hindi lamang ang sinaunang tradisyon ng Russia, ngunit pinagsama din ang pagano at oriental na mga ideya tungkol sa Ina ng Mundo sa hitsura ng Reyna ng Langit. Dapat pansinin na naisip ng artista ang imaheng ito na may kaugnayan hindi lamang sa Simbahan ng Pamamagitan ng Birheng Maria, kundi pati na rin sa Templo, ang pagtatayo nito ay sinimulan ni M.K. Tenisheva. Nakita ko si N.K. sa kanyang Templo. May imahe si Roerich kung saan "lahat ng ating kayamanan ng Banal ay hindi dapat kalimutan." Nakipagtulungan sa prinsesa simula noong 1903, at madalas na bumibisita sa kanyang ari-arian, nagsasagawa ng mga paghuhukay malapit sa Smolensk, sumulat si Nikolai Konstantinovich tungkol sa Talashkin noong 1905:

“Nakita ko rin ang simula ng templo ng buhay na ito. Malayo pa ang lalakbayin niya. Dinadala nila ang pinakamahusay sa kanya. Sa gusaling ito ay masayang maisasakatuparan ang mahimalang pamana ng lumang Rus na may mahusay na kahulugan ng dekorasyon. At ang nakakabaliw na saklaw ng disenyo ng mga panlabas na dingding ng Yuriev-Polsky Cathedral, at ang phantasmagoria ng mga simbahan ng Rostov at Yaroslavl, at ang kahanga-hangang mga Propeta ng Novgorod Sophia - ang lahat ng ating kayamanan ng Banal ay hindi dapat kalimutan. Maging ang mga templo ng Ajanta at Lhasa. Hayaang lumipas ang mga taon sa tahimik na gawain. Hayaan siyang mapagtanto ang mga tuntunin ng kagandahan nang lubusan hangga't maaari. Saan natin maaaring hangarin ang tugatog ng kagandahan, kung hindi sa templo, ang pinakamataas na nilikha ng ating espiritu?”.

Kaya, ayon kay N.K. Roerich, at nangyari ito: pagkaraan ng mga taon, isinama ng artista ang imahe ng Ina ng Mundo sa Templo ng Banal na Espiritu sa Flenov.Inilarawan ni Nicholas Roerich sa itaas ng altar hindi ang Ina ng Diyos ng Russia, ngunit ang kanyang Ina ng Mundo. Ano ang nakikita natin ngayon?Sa loob ay may mga hubad na pader lamang... Sa mga materyales ng All-Union Central Research Laboratory para sa Conservation and Restoration of Museum Art Values ​​​​(VTsNILKR, Moscow) para sa 1974 maaari mong basahin:

"Hindi hihigit sa one-fourth ng painting ang nakaligtas. Nawala kasama ng plaster ang bahaging iyon ng mga pintura kung saan matatagpuan ang mukha ng Reyna ng Langit, ang sentral na pigura ng komposisyon ng mga pintura. Ang pangunahing dahilan para sa pagkawala ay ang pagkasira at pagbagsak ng mga layer ng plaster kasama ang pagpipinta. Walang alinlangan, ang mga lugar ng templo, kasama ang pagpipinta, ay nakaranas ng lahat ng mga pagbabago sa kapalaran ng gusali, na inabandona at pagkatapos ay ginamit para sa iba pang mga layunin. Ngunit sa parehong oras, malinaw na sa panahon ng pagtatayo at pagkatapos ay ang paghahanda ng dingding para sa pagpipinta, ang mga malubhang maling kalkulasyon at hindi makatwirang mga kumbinasyon ng iba't ibang hindi magkatugma na mga materyales ay ginawa.

"Sa kasalukuyan, ang departamento ng monumental na pagpipinta ng All-Russian Central Scientific Research Center ay nakabuo ng isang pamamaraan para sa pagpapanumbalik ng mga natitirang mga fragment ng mga pagpipinta sa Church of St. Nagsimula ang gawaing espiritu at konserbasyon sa monumento. Ngunit ang teknolohikal na pagiging sopistikado sa pagpapatupad ng mga pagpipinta ay may negatibong papel din dito. Ang mga diskarte at pamamaraan sa pag-iingat ay naging napakasalimuot din, at aabutin ng napakatagal na panahon upang ganap na makumpleto ang proseso ng pagpapanumbalik."

Ngunit mayroong isang natatanging pagpipinta ni Nicholas Roerich "Ang Reyna ng Langit sa Pampang ng Ilog ng Buhay":

"Maaapoy, ginintuang iskarlata, pulang-pula, pulang hukbo ng makalangit na puwersa, ang mga dingding ng mga gusali ay nagbubukas sa itaas ng mga ulap, sa gitna nila ay ang Reyna ng Langit na nakasuot ng puting damit, at sa ibaba ay isang madilim na maulap na araw at ang nagyeyelong tubig. ng araw-araw na ilog ng buhay. Ang kakaibang kapansin-pansin at marahil ay kaakit-akit sa komposisyong ito ay, kahit na ang lahat ng mga elemento dito ay tila Byzantine, ito ay isang purong Budista, Tibetan na karakter. Kung ang puting damit ng Ina ng Diyos sa gitna ng mga lilang hukbo, o ang higpit ng makalangit na puwersa sa madilim na kalawakan ng lupa ay nagbibigay ng impresyon na ito, ngunit sa icon na ito ay isang bagay na mas sinaunang at silangan ang nararamdaman. Lubhang kawili-wili kung ano ang magiging impresyon kapag napuno nito ang buong espasyo ng pangunahing nave ng simbahan sa itaas ng mababang kahoy na iconostasis," ay isinulat ng simbolistang makata at landscape artist na si Maximilian Voloshin, na masuwerte na makita ang mga fresco ni Nicholas Roerich sa Temple of the Spirit sa Flenov.Ang paring nayon, na naimbitahan na magkonsagra sa simbahan, ay maswerteng nakita sila. Naiisip ko kung gaano siya nabigla nang makita niya ang mga fresco na ito sa isang simbahan na walang altar, walang iconostasis, na, siyempre, ay inilatag ayon sa Orthodox canon. Hindi naiintindihan ni Itay kung ano ang isang obra maestra sa kanyang harapan, kaya hindi niya inilaan ang hindi kanonikal na templo na may mga di-kanonikal na pagpipinta. Hindi naintindihan ng pari ng nayon kung kanino at kung ano ang inilaan ng templo.Dapat pansinin na ang mga pana-panahong hindi pagkakasundo sa mga kinatawan ng Orthodox Church ay lumitaw hindi lamang sa mga N.K. Roerich. May mga katulad na problema sa gawain ni M.A. Vrubel, at V.M. Vasnetsova, at M.V. Nesterova, at K.S. Petrova-Vodkina. Ang proseso ng hindi maliwanag na paghahanap para sa isang bagong istilo sa sining ng simbahan, na sa simula ng ika-20 siglo ay mayroon nang halos 1000-taong kasaysayan, ang pagkakaiba-iba ng panlasa ng mga customer, kabilang ang mga kinatawan ng Simbahan - ang lahat ng ito ay maaaring mag-ambag sa hindi pagkakaunawaan sa pagitan ang artista at ang customer. Ito ay isang natural na proseso ng malikhaing, at sa kaso ni Nikolai Konstantinovich ito ay palaging nagtatapos sa isang kompromiso sa magkabilang panig. kaya langSi Roerich mismo ay binibigyang kahulugan ang kaganapang ito nang ganap na naiiba. Ang mga sketch ng mga kuwadro na gawa para sa Templo sa Flenov ay tinalakay sa mga kinatawan ng diyosesis ng Smolensk at naaprubahan.

"Nang ang Simbahan ng Banal na Espiritu sa Talashkino ay ipinaglihi, ang isang imahe ng Lady of Heaven ay iminungkahi sa altar apse. Naaalala ko kung paano lumitaw ang ilang mga pagtutol, ngunit ito ay ang patunay ng Kyiv "Unbreakable Wall" na huminto sa hindi kinakailangang debate,"- naalala ng artista.

Ang Templo ng Banal na Espiritu ay hindi inilaan dahil lamang sa pagsiklab ng Unang Digmaang Pandaigdig, na pumigil sa pagkumpleto ng mga pagpipinta.

“Ngunit sa templo narinig ang unang balita ng digmaan. At ang mga karagdagang plano ay natigil, hindi na matatapos muli. Ngunit, kung ang isang makabuluhang bahagi ng mga dingding ng templo ay nanatiling puti, kung gayon ang pangunahing ideya ng hangaring ito ay naipahayag pa rin,"- naalala ni Nikolai Konstantinovich. Sa una, ang gawain ni Prinsesa Maria Klavdievna ay naaayon sa N.K. Roerich sa kanyang pag-unawa sa malalim na intertwining sa kultura ng Russia ng mga tradisyon ng Silangan at ang "estilo ng hayop" ng paganismo.

"Ngunit, sa pag-alala sa malayong duyan ng enamel, ang Silangan, nais kong pumunta pa, upang gumawa ng isang bagay na mas kamangha-manghang, higit na nag-uugnay sa produksyon ng Russia sa malalim na simula nito," isinulat ni N.K. Roerich, na sumasalamin sa mga figure ng hayop na nilikha ng prinsesa gamit ang enamel technique at ipinakita sa eksibisyon sa Paris noong 1909. "Malapit sa mga konsepto ng Silangan, ang mga larawan ng mga hayop ay laging nagsisiksikan: mga hayop na isinumpa sa hindi gumagalaw, makabuluhang mga pose. Ang simbolismo ng mga larawan ng hayop ay maaaring napakahirap pa rin para sa atin. Ang mundong ito, na pinakamalapit sa tao, ay nagdulot ng mga espesyal na kaisipan tungkol sa mga kamangha-manghang larawan ng hayop. Ang pantasya ay malinaw na naghagis ng mga larawan ng pinakasimpleng mga hayop sa walang hanggan, hindi gumagalaw na mga anyo, at makapangyarihang mga simbolo na laging nagbabantay sa takot na buhay ng tao. Ang mga makahulang pusa, sabong, unicorn, kuwago, kabayo ay nagkaroon ng hugis... Nagtatag sila ng mga anyo na kinakailangan para sa ilan, at idolatrous para sa iba.
Sa tingin ko sa mga pinakabagong gawa ng libro. Nais ni Tenisheva na gumamit ng sinaunang craftsmanship upang makuha ang sinaunang idolatriya ng apuyan. Buhayin ang mga anyo ng mga nakalimutang talisman na ipinadala ng diyosa ng kasaganaan upang bantayan ang tahanan ng isang tao. Sa hanay ng mga naka-istilong anyo, ang isang tao ay hindi nakadarama ng isang artista ng hayop, ngunit ang mga pangarap ng mga anting-anting noong unang panahon. Ang mga burloloy na puno ng lihim na kahulugan ay lalong nakakaakit ng ating pansin, at gayundin ang tunay na gawain ng aklat. Pinalawak ni Tenisheva ang mga abot-tanaw ng mahusay na artistikong pagsasawsaw,"- nabanggit ng artist sa artikulong "The Sworn Beast".

"Ang mga simbolo na malakas sa mga spelling ay kailangan para sa paglibot ng ating sining," ― pagtatapos niya. Sa mga simbolo ng hayop ng N.K. Nakita ni Roerich ang walang hanggan, cosmic na kahulugan ng Being, na bumaba sa atin mula sa kalaliman ng mga siglo. Tatawagin ito ng artista: "nalibing na kayamanan", "mas mababa kaysa sa kalaliman". Mula sa henerasyon hanggang sa henerasyon, ang ating mga ninuno, sa pamamagitan ng mga larawan ng mga hayop, ay naghatid ng kaalaman sa mga batas ng Cosmos sa pamamagitan ng wika ng mga simbolo. Ang mga simbolo ng mga hayop sa sinaunang misteryo ay nagsalita tungkol sa makalupang kalikasan ng tao, ang kanyang koneksyon sa siksik na bagay, na binago sa pamamagitan ng espirituwal na labanan ni St. George kasama ang Serpent, Theseus kasama ang Minotaur, sa pamamagitan ng "pagbaba sa impiyerno" ng Orpheus para sa Eurydice, Demeter para sa Persephone. Ang parehong "mga simbolo na makapangyarihan sa mga spell" ay dumating sa amin sa tinatawag na mga kuweba ng Panahon ng Bato, na nagsilbing puwang din para sa pagbabago ng bagay, isang templo ng mga misteryo, at isang labirint para sa bayani. Ang pagpatay sa Dragon-Minotaur sa kailaliman nito, pinalaya ng bayani mula sa mga bitag ng impiyerno mula sa kapangyarihan ng Pluto ang isang kaluluwa na maaaring magkaroon, tulad ng bayani, iba't ibang pangalan: Elizabeth, Eurydice, Persephone. Hindi nagkataon na ang mga simbahang Kristiyano ay madalas na pinalamutian sa panlabas na harapan ng mga chimera o nakakatakot na maskara.

Noong 1903, namatay si Vyacheslav Tenishev. Namatay siya sa Paris. Nagpasya si Maria Klavdievna na ang kanyang pahingahang lugar ay ang kanilang katutubong Talashkino, kung saan sila ay masaya na magkasama. Ang Templo ng Espiritu ay sabay na itinayo bilang isang crypt - ang libingan ng asawa, at sa hinaharap, sa kanya. Doon, sa basement ng templo, na parang sa isang crypt, inilibing ang embalsamadong katawan ni Prinsipe Tenishev. Noong 1923, binuksan ng "mga aktibistang Kombedov" ang Templo ng Espiritu at kinaladkad ang namatay na Prinsipe Tenishev palabas doon. Ang katawan ng "burges" ay itinapon sa isang mababaw na butas nang walang anumang karangalan. Gayunpaman, ang mga lokal na magsasaka, kung saan ang mga Tenishev ay lumikha ng isang huwarang sakahan sa kanilang ari-arian at para sa kanilang mga anak na inayos nila ang isang paaralang pang-agrikultura, kinuha ang katawan ni Vyacheslav Nikolaevich mula sa hukay sa gabi at muling inilibing sa sementeryo ng nayon. Ang lugar ng kanyang libingan ay inilihim, kaya ang kanyang libingan ay nawala.

Noong 1901, ayon sa disenyo ng artist na si S.V. Malyutin, ang kamangha-manghang "Teremok" ay itinayo. Sa una, ito ay mayroong silid-aklatan para sa mga mag-aaral ng paaralang pang-agrikultura. Ang gusali mismo ay napaka orihinal. Sa pamamagitan ng kamangha-manghang mga pagpipinta, mga kulot ng napakalaking bulaklak, mga kakaibang hayop at mga ibon, ito ay kahawig ng isang bahay mula sa mga kwentong bayan.

Sa loob ay may katibayan ng masining na buhay ni Talashkin. Dumating dito ang mga musikero, artista, artista. Marami sa kanila ang nanatili at nagtrabaho sa estate sa mahabang panahon: A.N. Benoit, M.A. Vrubel, K.A. Korovin, A.A. Kurennoy, M.V. Nesterov, A.V. Prakhov, I.E. Repin, Ya.F. Tsionglinsky. Sina Repin at Korovin ay nagpinta ng mga larawan ng may-ari sa Talashkino - M.K. Tenisheva. Ngunit ang Talashkin art workshop, na binuksan noong 1900, ay nagdala ng tunay na kaluwalhatian sa mga lugar na ito. Inanyayahan ang artist na si S.V. na pamunuan ang bagong negosyo. Mayutina.

Sa loob ng limang taon ng pag-iral nito, ang mga pagawaan ng pag-ukit, karpintero, keramika at pagbuburda ay gumawa ng maraming gamit sa bahay mula sa mga laruan ng mga bata at balalaikas hanggang sa buong set ng kasangkapan. Ang mga sketch para sa marami ay ginawa ng mga sikat na artista: Vrubel, Malyutin, Korovin, atbp. Sa gusali ng dating paaralang pang-agrikultura mayroon na ngayong isang kawili-wiling eksibisyon, na nagpapatotoo sa isa pang direksyon ng aktibidad ng M.K. Tenisheva. Ang isa sa pinakamalaking koleksyon ng katutubong sining ay nakolekta sa Talashkino.

V.M. Vasnetsov.Icon na "Our Lady". (1882).

Tiyak na ang icon na ito na kung minsan ay itinuturing na imahe ng Ina ng Diyos ng Vasnetsov, na unang lumitaw sa iconostasis ng Abramtsevo Church at kung saan ang mga mag-aaral ng Committee of Trusteeship ng Russian Icon Painting ay tinawag upang ipinta. Tinalakay mismo ni Vasnetsov ang romantikong rapprochement sa pagitan ng ideya ng kagandahan at icon ni Kristo:

“Sa pamamagitan ng paglalagay kay Kristo bilang liwanag na sentro ng mga gawain ng sining, hindi ko pinaliit ang saklaw nito, bagkus ay pinalalawak ito. Dapat tayong umasa na ang mga artista ay maniniwala na ang gawain ng sining ay hindi lamang ang negasyon ng mabuti (ang ating panahon), kundi pati na rin ang mabuti mismo (ang imahe ng mga pagpapakita nito). Ang imahe ni Kristo sa Vladimir Cathedral ay malinaw na idinisenyo para sa isang espesyal na mystical contact sa pagitan ng artist - ang may-akda ng icon - ang artisan at ang viewer. Bukod dito, ang panloob na koneksyon na ito ay maaaring makamit sa ilalim ng isang kundisyon - ang malikhaing pang-unawa ng isang relihiyosong imahe. Ang isang espesyal na malikhaing gawa ay kinakailangan mula sa artisan at ng manonood sa pag-unawa sa ideya ng ganap na kagandahan na inilagay ng artist sa imahe ng panalangin. Dahil ang sining ay madalas na isinasaalang-alang (sumusunod kay John Ruskin) bilang pagpapahayag ng sarili ng isang bansa, kinakailangan upang mahanap ang susi sa isang espesyal na emosyonal na pang-unawa ng "pambansang manonood".

Hinanap mismo ni Vasnetsov ang susi na ito hindi sa pamamagitan ng pagkopya ng isang sinaunang icon, ngunit sa artistikong kultura ng European romanticism, pati na rin sa larangan ng pambansang epiko at pilosopiyang relihiyon ng Russia. Ito ay binanggit din ni Igor Grabar:

"Nangarap si Vasnetsov na muling mabuhay ang espiritu, at hindi lamang mga primitive na pamamaraan; hindi niya nais ang isang bagong panlilinlang, ngunit isang bagong relihiyosong lubos na kaligayahan, na ipinahayag ng modernong artistikong paraan."

V.M. Vasnetsov. "Ang Birhen at Bata". 1889.

Canvas, langis. 170x102.6 cm.

Regalo ng Moscow Theological Academy mula sa

Kanyang Kabanalan Patriarch ng Moscow at All Rus'

Alexy I noong 1956.

Nilagdaan sa kaliwang ibaba gamit ang isang brush sa brown na pigment - "Marso 2, 1889 V. Vasnetsov"; sa ibaba, na may isang brush at isang puting-orange na pigment - "Emily at Adrien". Sa unang pagkakataon sa imahe ng Ina ng Diyos V.M. Nagbalik-loob si Vasnetsov noong 1881-1882, nagpinta ng isang icon para sa Church of the Savior Not Made by Hands sa Abramtsevo. Kasunod nito, ang temang ito ay binuo sa napakagandang komposisyon ng Vladimir Cathedral sa Kyiv (1885-1895). Ang pinuno ng trabaho sa pagpipinta ng katedral ay ang propesor ng St. Petersburg University na si A.V. Prakhov. V.M. Ang Vasnetsov ay inspirasyon ng sikat na mosaic na "Our Lady of the Unbreakable Wall" ng Kyiv St. Sophia Cathedral at ang "Sistine Madonna" ni Raphael. Sa gitna ng komposisyon ay isang naglalakad na Ina ng Diyos kasama ang Batang Kristo sa kanyang mga bisig. Ang Bata, na nakabalot sa isang saplot, ay yumuko paharap sa kanyang buong katawan at itinaas ang kanyang mga kamay, binasbasan ang mga naroroon. Ang mga ulo ng Ina ng Diyos at ng Bata ay napapalibutan ng malambot na ningning. Ang iconography na ito ay madalas na ginamit sa pagpipinta ng icon ng Russia. Ang inskripsyon ng dedikasyon sa pagpipinta na "Ang Birhen at Bata" ay nagpapahiwatig na ito ay ipininta ni V.M. Vasnetsov bilang isang regalo sa mga Prakhov pagkatapos makumpleto ang mga pagpipinta ng Vladimir Cathedral.

Kaya, sapat na bang sundin ang iconographic canon - kahit na ito ay hindi mapag-aalinlanganan, hindi nagkakamali - para ang isang imahe ay maging isang icon? O may iba pang pamantayan? Para sa ilang mga mahigpit, na may magaan na kamay ng mga sikat na may-akda ng ika-20 siglo, ang estilo ay isang pamantayan.
Sa pang-araw-araw, philistine na pag-unawa, ang estilo ay nalilito lamang sa canon. Upang hindi na bumalik sa isyung ito, muli naming ulitin na ang iconographic canon ay isang purong pampanitikan, nominal na bahagi ng imahe: kung sino, sa anong pananamit, setting, aksyon ang dapat na kinakatawan sa icon - kaya, theoretically, kahit isang larawan ng mga naka-costume na extra sa sikat na tanawin ay maaaring maging walang kamali-mali sa mga tuntunin ng iconography. Ang istilo ay isang sistema ng artistikong pananaw ng mundo, ganap na independiyente sa paksa ng imahe, panloob na magkakasuwato at pinag-isa, ang prisma kung saan ang artist - at pagkatapos niya ang manonood - ay tumitingin sa lahat - maging ito ay isang magandang larawan ng Huling Paghuhukom o ang pinakamaliit na tangkay ng damo, isang bahay, isang bato, isang lalaki, at bawat buhok sa ulo ng lalaking iyon. Mayroong pagkakaiba sa pagitan ng indibidwal na istilo ng artist (mayroong walang katapusan na maraming mga estilo, o asal, at bawat isa sa kanila ay natatangi, bilang isang pagpapahayag ng isang natatanging kaluluwa ng tao) - at estilo sa isang mas malawak na kahulugan, na nagpapahayag ng diwa ng isang panahon, bansa, paaralan. Sa kabanatang ito ay gagamitin lamang natin ang terminong "estilo" sa pangalawang kahulugan.

Kaya, mayroong isang opinyon na ang mga ipininta lamang sa tinatawag na "estilo ng Byzantine" ay isang tunay na icon. Ang istilong "akademiko" o "Italyano", na sa Russia ay tinawag na "Fryazhsky" noong transisyonal na panahon, ay diumano'y isang bulok na produkto ng huwad na teolohiya ng Kanluraning Simbahan, at ang isang akdang nakasulat sa istilong ito ay hindi umano isang tunay na icon. , hindi lang isang icon.

Ang pananaw na ito ay mali na dahil ang icon bilang isang kababalaghan ay pangunahing pag-aari ng Simbahan, habang ang Simbahan ay walang pasubali na kinikilala ang icon sa akademikong istilo. At kinikilala nito hindi lamang sa antas ng pang-araw-araw na pagsasanay, ang mga panlasa at kagustuhan ng mga ordinaryong parokyano (dito, tulad ng alam, maling akala, nakatanim na masamang gawi, at mga pamahiin ay maaaring maganap). Ang mga dakilang santo noong ika-18 - ika-20 siglo ay nanalangin sa harap ng mga icon na ipininta sa istilong "akademiko"; ang mga workshop ng monasteryo ay nagtrabaho sa istilong ito, kabilang ang mga workshop ng mga natatanging sentrong espirituwal tulad ng Valaam o mga monasteryo ng Athos. Ang pinakamataas na hierarchs ng Russian Orthodox Church ay nag-order ng mga icon mula sa mga akademikong artista. Ang ilan sa mga icon na ito, halimbawa, ang mga gawa ni Viktor Vasnetsov, ay nanatiling kilala at minamahal ng mga tao sa ilang henerasyon, nang hindi sumasalungat sa kamakailang lumalagong katanyagan ng istilong "Byzantine". Metropolitan Anthony Khrapovitsky sa ZOe. tinawag na V. Vasnetsov at M. Nesterov na mga pambansang henyo ng pagpipinta ng icon, mga exponents ng conciliar, katutubong sining, isang natatanging kababalaghan sa lahat ng mga Kristiyanong tao na, sa kanyang opinyon, sa oras na iyon ay walang anumang icon na pagpipinta sa tunay na kahulugan ng ang salita.

Ang pagkakaroon ng itinuro ang walang alinlangan na pagkilala sa hindi-Byzantine na istilo ng pagpipinta ng icon ng Orthodox Church, gayunpaman, hindi tayo maaaring masiyahan dito. Ang opinyon tungkol sa kaibahan sa pagitan ng mga istilong "Byzantine" at "Italian", tungkol sa espiritwalidad ng una at ang kakulangan ng espiritwalidad ng pangalawa, ay masyadong laganap upang hindi na isaalang-alang. Ngunit tandaan natin na ang opinyong ito, sa unang tingin ay makatwiran, sa katunayan ay isang arbitraryong katha. Hindi lamang ang konklusyon mismo, kundi pati na rin ang mga lugar nito ay lubos na kaduda-dudang. Ang mismong mga konseptong ito, na inilalagay namin sa mga panipi dito para sa isang kadahilanan, "Byzantine" at "Italian", o istilong pang-akademiko, ay mga kumbensiyonal at artipisyal na konsepto. Hindi sila pinapansin ng simbahan, hindi rin alam ng siyentipikong kasaysayan at teorya ng sining ang gayong pinasimple na dikotomiya (umaasa kami na hindi na kailangang ipaliwanag na ang mga terminong ito ay hindi nagdadala ng anumang teritoryal-historikal na nilalaman). Ginagamit lamang ang mga ito sa konteksto ng polemics sa pagitan ng mga partisan ng una at pangalawa. At dito tayo ay pinilit na tukuyin ang mga konsepto na mahalagang walang kapararakan para sa atin - ngunit, sa kasamaang-palad, ay matatag na nakabaon sa kamalayang philistine. Sa itaas napag-usapan na natin ang tungkol sa maraming "pangalawang tampok" ng kung ano ang itinuturing na "estilo ng Byzantine," ngunit ang tunay na paghahati sa pagitan ng "mga istilo," siyempre, ay nasa ibang lugar. Ang kathang-isip at madaling natutunaw na pagsalungat para sa mga semi-educated na mga tao ay bumaba sa sumusunod na primitive na pormula: ang estilo ng akademiko ay kapag ito ay "mukhang" mula sa kalikasan (o sa halip, tila sa tagapagtatag ng "teolohiya ng icon" na si L. Uspensky na ito ay magkatulad), at estilo ng Byzantine - kapag ito ay "hindi kamukha" (ayon sa opinyon ng parehong Uspensky). Totoo, ang kilalang "teologo ng icon" ay hindi nagbibigay ng mga kahulugan sa isang direktang anyo - tulad ng, sa katunayan, sa anumang iba pang anyo. Ang kanyang aklat sa pangkalahatan ay isang magandang halimbawa ng kumpletong kawalan ng metodolohiya at ganap na boluntaryo sa terminolohiya. Walang lugar sa lahat para sa mga kahulugan at pangunahing mga probisyon sa pangunahing gawaing ito; ang mga konklusyon ay agad na inilatag sa talahanayan, interspersed na may preventive kicks sa mga hindi sanay na sumang-ayon sa mga konklusyon mula sa wala. Kaya't ang mga pormula na "katulad - akademiko - hindi espirituwal" at "hindi magkatulad - Byzantine - espirituwal" ay wala kahit saan ipinakita ni Uspensky sa kanilang kaakit-akit na kahubaran, ngunit unti-unting ipinakita sa mambabasa sa maliliit na natutunaw na mga dosis na may hitsura na ito ay mga axiom na nilagdaan ng mga ama. ng pitong Ecumenical Councils - hindi nang walang dahilan at ang aklat mismo ay tinatawag - hindi hihigit o mas kaunti - "Theology of the Icon of the Orthodox Church." Upang maging patas, idagdag natin na ang orihinal na pamagat ng aklat ay mas katamtaman at isinalin mula sa Pranses bilang "The Theology of the Icon in the Orthodox Church," ngunit sa Russian edition ang maliit na preposisyon na "in" ay nawala sa isang lugar, eleganteng. pagkilala sa Simbahang Ortodokso na may isang pag-alis sa mataas na paaralan nang walang edukasyong teolohiko.

46 - Metropolitan Anthony Khrapovitsky. Ang pangunahing natatanging katangian ng mga taong Ruso ay sa pagpipinta ng icon at sa kapistahan ng Pagkabuhay na Mag-uli ni Kristo. - "Ang Mensahero ng Tsar". (Serbia), 1931. No. 221. - Sa aklat. Teolohiya ng imahe. Mga pintor ng icon at icon. Antolohiya. M. 2002. p. 274.

Ngunit bumalik tayo sa tanong ng estilo. Tinatawag naming primitive at bulgar ang pagsalungat sa pagitan ng "Byzantine" at "Italian" dahil:

1. a) Ang ideya ng kung ano ang katulad ng kalikasan at kung ano ang hindi katulad nito ay labis
2. medyo. Kahit na sa parehong tao maaari itong mangyari sa paglipas ng panahon.
3. medyo malaki ang pagbabago. Ang ibigay ang iyong sariling mga ideya tungkol sa pagkakatulad sa kalikasan ng ibang tao, at higit pa sa ibang mga panahon at bansa, ay higit pa sa walang muwang.
4. b) Sa makasagisag na sining ng anumang istilo at anumang panahon, ang imitasyon ng kalikasan ay hindi binubuo sa pasibo na pagkopya nito, ngunit sa mahusay na paglilipat ng malalalim na katangian nito, lohika at pagkakaisa ng nakikitang mundo, banayad na laro at pagkakaisa ng mga sulat na ating patuloy na nagmamasid sa Paglikha.
5. c) Samakatuwid, sa sikolohiya ng artistikong pagkamalikhain, sa pagtatasa ng madla, ang pagkakahawig sa kalikasan ay isang walang alinlangan na positibong kababalaghan. Sinisikap ito ng isang pintor na matino ang puso at isip, inaasahan ito ng manonood at kinikilala ito sa gawa ng co-creation.
6. d) Ang isang pagtatangka sa isang seryosong teolohiko na pagpapatunay ng kasamaan ng pagkakatulad sa kalikasan at ang pagpapala ng hindi pagkakatulad dito ay hahantong sa alinman sa isang lohikal na patay na dulo o sa maling pananampalataya. Tila, ito ang dahilan kung bakit walang gumawa ng ganoong pagtatangka sa ngayon.
7. Ngunit sa gawaing ito, gaya ng nabanggit sa itaas, umiiwas tayo sa pagsusuri sa teolohiya. Limitahan natin ang ating mga sarili sa pagpapakita lamang ng kamalian ng paghahati ng sagradong sining sa "fallen academic" at "spiritual Byzantine" mula sa pananaw ng kasaysayan at teorya ng sining.

49 I. Buslaev. Orihinal ayon sa edisyon ng ika-18 siglo. - Nasa libro. Teolohiya ng imahe. Mga pintor ng icon at icon. Antolohiya. M. 2002. p. 227

Alalahanin natin ang klasikong kuwento ni N. A. Leskov na "The Sealed Angel." Ang sikat na master, na sa halaga ng napakaraming pagsisikap at sakripisyo ay natagpuan ng komunidad ng Lumang Mananampalataya, na pinahahalagahan ang kanyang sagradong sining na lubos na tumanggi na marumi ang kanyang mga kamay sa isang sekular na kaayusan, ay naging, sa kakanyahan, isang birtuoso master ng pamemeke. Pininturahan niya ang isang icon na may magaan na puso, hindi upang italaga ito at ilagay ito sa isang simbahan para sa panalangin, ngunit pagkatapos, sa pamamagitan ng paggamit ng mga tusong pamamaraan upang takpan ang pagpipinta ng mga bitak, punasan ito ng mamantika na putik, upang gawing isang bagay. para sa pagpapalit. Kahit na ang mga bayani ni Leskov ay hindi mga ordinaryong manloloko, nais lamang nilang ibalik ang imahe na hindi makatarungang kinuha ng pulisya - posible bang ipalagay na ang birtuoso na kahusayan ng tagatulad ng sinaunang panahon ay nakuha niya nang eksklusibo sa saklaw ng naturang "matuwid na pandaraya" ? At ano ang tungkol sa mga masters ng Moscow mula sa parehong kuwento, na nagbebenta ng mga icon ng kahanga-hangang "antigong" trabaho sa mga mapanlinlang na probinsiya? Sa ilalim ng layer ng pinaka-pinong mga kulay ng mga icon na ito, ang mga demonyo ay natuklasan na ipininta sa gesso, at ang mapang-uyam na nalinlang na mga probinsyano ay itinatapon ang "parang-impiyerno" na imahe sa luha... Sa susunod na araw ay ibabalik ito ng mga scammer at muling ibebenta. sa isa pang biktima na handang magbayad ng anumang pera para sa "totoo", ibig sabihin, sa lumang paraan na nakasulat, icon...

Ito ang malungkot ngunit hindi maiiwasang kapalaran ng isang istilo na hindi konektado sa personal na espirituwal at malikhaing karanasan ng pintor ng icon, isang istilong hiwalay sa aesthetics at kultura ng panahon nito. Dahil sa kultural na tradisyon, tinatawag namin ang mga icon hindi lamang ang mga gawa ng medieval masters, kung kanino ang kanilang estilo ay hindi stylization, ngunit isang worldview. Tinatawag namin ang mga icon na parehong murang mga imahe na walang pag-iisip na nakatatak ng mga hindi magaling na artisan (monghe at layko), at ang mga gawa ng mga "old-timers" noong ika-18-20 na siglo, napakatalino sa kanilang diskarte sa pagganap, kung minsan ay inilaan ng mga may-akda bilang mga pekeng. Ngunit ang produktong ito ay walang anumang preemptive na karapatan sa pamagat ng icon sa kahulugan ng simbahan ng salita. Ni kaugnay ng mga kontemporaryong icon ng istilong pang-akademiko, o kaugnay ng anumang pang-istilong intermediate na phenomena, o kaugnay ng pagpipinta ng icon ng ating mga araw. Anumang mga pagtatangka na diktahan ang istilo ng artist para sa mga kadahilanang hindi nauugnay sa sining, intelektwal at teoretikal na pagsasaalang-alang, ay tiyak na mabibigo. Kahit na ang mga sopistikadong pintor ng icon ay hindi nakahiwalay sa medieval na pamana (tulad ng nangyari sa unang paglipat ng Russia), ngunit may access dito (tulad ng, halimbawa, sa Greece). Hindi sapat na "talakayin at magpasya" na ang icon na "Byzantine" ay higit na banal kaysa sa hindi Byzantine o kahit na may monopolyo sa kabanalan - dapat ding magawa ng isang tao ang istilong idineklara na ang tanging sagrado, ngunit walang teorya ang magbibigay nito. Ibigay natin ang sahig kay Archimandrite Cyprian (Pyzhov), ang may-akda ng isang bilang ng mga hindi patas na nakalimutang artikulo sa pagpipinta ng icon:

"Sa kasalukuyan sa Greece ay mayroong isang artipisyal na pagbabagong-buhay ng istilong Byzantine, na ipinahayag sa pagputol ng magagandang anyo at linya at, sa pangkalahatan, ang istilong binuo, espirituwal na kahanga-hangang pagkamalikhain ng mga sinaunang artista ng Byzantium. Ang modernong Greek icon na pintor na si Kondoglu, sa tulong ng Synod of the Greek Church, ay naglabas ng isang bilang ng mga reproductions ng kanyang produksyon, na hindi maaaring hindi makilala bilang pangkaraniwang imitasyon ng sikat na Greek artist na Panselin... Admirers of Kondoglu at kanyang mga alagad sabihin na ang mga santo ay "hindi dapat magmukhang totoong tao" - sino sila? magkamukha ba sila?! Ang primitiveness ng naturang interpretasyon ay lubhang nakakapinsala sa mga nakakakita at mababaw na nauunawaan ang espirituwal at aesthetic na kagandahan ng sinaunang pagpipinta ng icon at tinatanggihan ang mga kahalili nito, na inaalok bilang mga halimbawa ng diumano'y naibalik na istilo ng Byzantine. Kadalasan ang pagpapakita ng sigasig para sa "sinaunang istilo" ay hindi sinsero, na nagpapakita lamang sa mga tagasuporta nito ng pagiging mapagpanggap at ang kawalan ng kakayahan na makilala sa pagitan ng tunay na sining at magaspang na imitasyon.

50 - Archimandrite Cyprian (Pyzhov). Patungo sa kaalaman sa pagpipinta ng icon ng Orthodox. Nasa libro. Teolohiya ng imahe. Mga pintor ng icon at icon. Antolohiya. M. 2002. p. 422.

Ang gayong sigasig para sa sinaunang istilo sa anumang halaga ay likas sa mga indibidwal o grupo, nang hindi makatwiran o hindi tiyak, kadalasang medyo makalupa, mga pagsasaalang-alang, ngunit walang mga ipinagbabawal na kautusan ng simbahan na may kinalaman sa istilo ay wala pa rin at hindi pa umiiral.

Ang canonicity ng iconography at ang katanggap-tanggap ng istilo ay tinutukoy ng Simbahan "sa pamamagitan ng pagpindot", nang walang anumang mga reseta, ngunit sa pamamagitan ng direktang pakiramdam - sa bawat indibidwal na kaso. At kung sa iconography ay limitado pa rin ang bilang ng mga makasaysayang precedent para sa bawat paksa, kung gayon sa larangan ng istilo ay hindi posible na bumalangkas ng anumang mga ipinagbabawal na regulasyon. Ang isang icon na lumihis mula sa "Greek na paraan" patungo sa "Latin" at kahit na ipininta sa isang purong akademikong paraan ay hindi maaaring, para sa isang kadahilanang ito, ay hindi kasama sa kategorya ng mga icon. Gayundin, ang "estilo ng Byzantine" mismo ay hindi ginagawang sagrado ang imahe - alinman sa ating panahon, o mga siglo na ang nakalilipas.

Kaugnay nito, ipapakita namin dito ang isa pang obserbasyon na nakatakas sa atensyon ng mga "teologo ng icon" ng sikat na paaralan. Ang sinuman na kahit na mababaw na pamilyar sa kasaysayan ng sining sa mga bansang Kristiyano ay alam na ang estilo na tinatawag na "Byzantine" ay nagsilbi hindi lamang para sa mga sagradong imahe, ngunit sa isang tiyak na makasaysayang panahon ay ang tanging istilo - para sa kakulangan ng isa pa, para sa kawalan ng kakayahan ng isa pa.

Ang pagpipinta ng icon - easel at monumental - ay sa mga araw na iyon ang pangunahing larangan ng aktibidad ng mga artista, ngunit mayroon pa ring iba pang mga lugar, iba pang mga genre.

Ang parehong mga craftsmen na nagpinta ng mga icon at pinalamutian ang mga liturgical na manuscript na may mga miniature ay kailangang ilarawan ang mga makasaysayang salaysay at siyentipikong treatise. Ngunit wala sa kanila ang gumamit ng anumang espesyal na "di-sagrado" na istilo para sa mga "di-sagrado" na mga gawang ito. Sa harap (iluminado, naglalaman ng mga ilustrasyon) na mga talaan ay nakikita natin ang mga larawan ng mga eksena sa labanan, mga panorama ng mga lungsod, mga larawan ng pang-araw-araw na buhay, kabilang ang mga kapistahan at sayaw, mga pigura ng mga kinatawan ng mga taong Basurman - binibigyang kahulugan sa parehong istilo ng mga sagradong imahe ng parehong panahon, pinapanatili ang lahat ng mga tampok na madaling maiugnay sa espirituwalidad at isang ebanghelikal na pananaw sa mundo.

Mayroon ding tinatawag na "reverse perspective" sa mga larawang ito (o sa halip, mga kumbinasyon ng iba't ibang mga projection na nagbibigay ng matatag, typified na mga larawan ng mga bagay), mayroon ding kilalang "kakulangan ng mga anino" (mas tama na tinatawag na pagbabawas ng mga anino , binabawasan ang mga ito sa isang natatanging linya ng tabas). Mayroon ding sabay-sabay na pagpapakita ng mga kaganapan na malayo sa isa't isa sa espasyo at oras. Mayroon ding kung ano ang kinukuha ng mga "teologo" ng isang kilalang paaralan para sa kawalan ng pagnanasa - ang likas na katangian ng mga pigura ng tao, pagiging kumbensiyonal at ilang teatricality ng mga kilos, isang kalmado at hiwalay na pagpapahayag ng mga mukha, kadalasang bumaling sa manonood nang buong mukha o sa 3/4. Bakit, maaaring itanong ng isa, ito ba ay kawalan ng pagnanasa para sa mga mandirigma sa labanan, mga dancing buffoon, mga berdugo o mga mamamatay-tao, na ang mga imahe ay matatagpuan sa mga talaan? Hindi lang alam ng medieval artist kung paano ihatid ang isang emosyonal na estado sa pamamagitan ng ekspresyon ng mukha, hindi niya alam kung paano at hindi talaga nagsusumikap para dito - sa Middle Ages, ang paksa ng imahe ay ang tipikal, matatag, unibersal, at ang partikular, lumilipas, random ay hindi pumukaw ng interes. Ang mga nababagong emosyon at banayad na sikolohikal na mga nuances ay hindi makikita sa panitikan, o sa musika, o sa pagpipinta - ni sa sekular na sining, o sa sagradong sining.

Marahil ay tututol sa atin na ang mga makasaysayang talaan sa Middle Ages ay sa isang tiyak na kahulugan ay isang mataas na genre, na pinagsama-sama at pinalamutian ng mga monghe, at samakatuwid ay walang nakakagulat sa paglilipat ng isang "sagradong istilo" sa kanila. Buweno, bumaba tayo ng isa pang hakbang, na nagpapatunay kung ano ang malinaw hindi lamang para sa isang propesyonal na kritiko ng sining, kundi pati na rin para sa sinumang tao na sensitibo sa sining: ang isang mahusay na istilo ng kasaysayan ay hindi awtomatikong espirituwal o awtomatikong bastos, ito ay pantay na inilalapat sa mataas. , at sa mababa.

Bumaling tayo sa mga sikat na kopya ng Russia, na laganap mula noong ika-17 siglo. (ngunit umiiral na noon). Sa una ito ay mga guhit, na may kulay na mga pintura ng tubig, pagkatapos ay may kulay na mga kopya ng mga ukit sa kahoy, at pagkatapos ay sa tanso. Ang mga ito ay ginawa ng parehong monastic at sekular na mga pagpindot, ang kanilang mga may-akda ay mga taong may iba't ibang antas ng artistikong at pangkalahatang pagsasanay sa edukasyon, at binili sila ng lahat ng Russia - urban at rural, literate at illiterate, mayaman at mahirap, relihiyoso at hindi talaga maka-diyos. . Ang ilan ay bumili ng mga icon, mga kwentong moral sa mga larawan, mga tanawin ng mga monasteryo at mga larawan ng mga obispo. Mas gusto ng iba ang mga larawan ng mga heneral, mga eksena ng mga labanan, parada at pagdiriwang, mga makasaysayang pagpipinta at tanawin ng mga lungsod sa ibang bansa. Ang iba pa ay pumili ng mga may larawang lyrics ng mga kanta at fairy tale, nakakatawang biro, anekdota - kahit na ang pinakamaalat at pinaka-prangka.

Sa koleksyon ng mga sikat na kopya ng Ruso ni D. Rovinsky mayroong isang makatarungang bilang ng mga hindi makadiyos na imahe - binibigyan sila ng isang buong hiwalay na dami sa sikat na edisyon ng facsimile. Sa istilo, ang volume na "itinatangi" na ito ay ganap na katulad sa iba, na naglalaman ng "neutral" at sagradong mga larawan. Ang pagkakaiba lamang ay nasa balangkas: narito ang masayang Khersonya, na sumusuporta sa lahat, narito ang isang nakakatawang ginoo na pumipiga ng isang pancake cook, narito ang isang sundalo na may isang masiglang batang babae sa kanyang kandungan - at walang mga bakas ng "nahulog na kasiglahan". Ang pananaw ay "reverse", ang mga anino ay "wala", ang pangkulay ay batay sa mga lokal na kulay, ang espasyo ay patag at may kondisyon. Ang mga kumbinasyon ng iba't ibang mga projection at mga pagbabago sa natural na proporsyon ay malawakang ginagamit. Ang mga character ay lumilitaw sa hieratically sa manonood, nakaharap sa kanya nang buong mukha (paminsan-minsan sa % at halos hindi kailanman sa profile), ang kanilang mga binti ay lumilipad sa itaas ng nakasanayang pose, ang kanilang mga kamay ay nagyelo sa mga kilos sa dula. Ang kanilang mga damit ay nahuhulog sa mga matutulis na tiklop at kadalasang natatakpan ng mga patag at kumakalat na disenyo. Ang kanilang mga mukha, sa wakas, ay hindi lamang magkatulad, ngunit magkapareho sa mga mukha ng mga santo mula sa isa pang volume ng parehong koleksyon. Ang parehong masaya at perpektong hugis-itlog, ang parehong malinaw, mahinahon na mga mata, ang parehong archaic na ngiti ng mga labi, inukit na may parehong mga paggalaw ng panulat: ang artista ay hindi alam kung paano ilarawan ang isang libertine maliban sa isang asetiko, isang patutot sa iba. kaysa sa isang santo.

Nakakalungkot na si E. Trubetskoy, L. Uspensky at ang mga nagpapakalat ng kanilang karunungan ay nahuli ng tatlong daang taon sa kanilang "teolohiya": ipinaliwanag sana nila sa artista kung saan ang mga larawan ay magiging mas angkop para sa kanya, at kung saan lamang ang istilong "Byzantine" ay angkop. Ngayon ay wala nang magagawa: nang hindi humihingi ng kanilang payo, ang mga masters ng sikat na Ruso na pag-print ay ganap na gumamit ng "tanging espirituwal na istilo" para sa mga layunin maliban sa kanilang nilalayon na layunin. At wala silang nakalimutan, ang mga kontrabida na ito: kahit na ang mga inskripsiyon ay naroroon sa kanilang mga nakakatawang larawan. "Pan Tryk", "Khersonya", "Paramoshka" - nagbabasa kami ng malalaking titik ng Slavic sa tabi ng mga larawan ng mga character na hindi talaga banal. Ang mga paliwanag na inskripsiyon ay kasama rin sa komposisyon - pigilin natin ang pagsipi sa kanila: ang mga karaniwang katutubong taludtod na ito, bagaman nakakatawa, ay ganap na malaswa. Maging ang simbolismo, ang wika ng mga senyales na ang nagsisimula lamang ang makakabasa, ay may lugar. Halimbawa, sa ganap na walang kibo na mukha ng isang babaeng nakatayo sa harap ng manonood sa isang ganap na walang kibo na pose, makikita ang isang kumbinasyon ng mga langaw (artipisyal na nunal), ibig sabihin, halimbawa, isang madamdaming apela upang ibahagi ang kagalakan ng pag-ibig, o isang mapanghamak na pagtanggi, o kawalan ng pag-asa sa paghihiwalay sa paksa ng isang tao. Bilang karagdagan sa wika ng mga langaw, mayroon ding napakaunlad na simbolikong wika ng mga bulaklak - tiyak na hindi na may napakagandang teolohikong interpretasyon ng iskarlata at lila, ginto at itim, ngunit may iba pang mga interpretasyon na inangkop sa mga pangangailangan ng mga nanliligaw na mga kababaihan at mga ginoo. Mayroon ding mga mas simpleng simbolo, na mauunawaan nang walang paliwanag sa kanilang tuwirang imahe - halimbawa, isang malaking pulang bulaklak na may itim na gitna sa palda ng isang naa-access na batang babae o isang platito na may mag-asawa itlog ng manok sa paanan ng isang matapang na binata na naghahanda para sa isang suntukan... Ito ay nananatiling idagdag na sa sining ng Kanlurang Europa, maging sa Middle Ages o sa Bagong Panahon, "hindi sagradong mga imahe sa isang sagradong istilo" ay umiral sa parehong paraan - tila, walang sinuman doon bothered upang ipaliwanag sa oras na mga artist, kung aling estilo ay bastos at kung saan ay sagrado.

Tulad ng nakikita natin, hindi ito gaanong simple - upang matukoy ang mga tampok na pangkakanyahan na ginagawang isang icon ang isang icon, bumubuo makabuluhang pagkakaiba sa pagitan ng sagrado at ng bastos, maging malaswa. Ito ay mas mahirap para sa isang hindi espesyalista. Ang sinumang nagsasagawa na pag-usapan ang isang icon bilang isang gawa ng sining ay dapat magkaroon ng hindi bababa sa pangunahing kaalaman sa larangan ng kasaysayan at teorya ng sining. Kung hindi man, nanganganib siya hindi lamang na sirain ang kanyang sarili sa mga mata ng mga eksperto sa kanyang katawa-tawa na mga konklusyon, ngunit nag-aambag din sa pag-unlad ng maling pananampalataya - pagkatapos ng lahat, ang isang icon, anuman ang iyong sabihin, ay hindi pa rin isang gawa ng sining. Ang lahat ng mali na sinasabi tungkol sa icon sa larangang pang-agham ay nakakaapekto rin sa larangang espirituwal.
Kaya, kailangan nating aminin na ang mga pagtatangka na gawing banal ang istilong "Byzantine" - bilang, sa katunayan, anumang iba pang mahusay na istilo ng kasaysayan - ay kathang-isip at mali. Ang mga pagkakaiba sa istilo ay nabibilang sa larangan ng purong pagpuna sa sining, binabalewala sila ng Simbahan - o sa halip, tinatanggap nito ang mga ito, dahil ang mahusay na istilo ng kasaysayan ay isang panahon sa buhay ng Simbahan, isang pagpapahayag ng diwa nito, na hindi maaaring mahulog o lapastanganin. . Tanging ang diwa ng isang indibidwal na artista ang maaaring mahulog.

Iyon ang dahilan kung bakit pinananatili ng Simbahan ang kaugalian ng pagsusumite ng bawat bagong ipininta na icon sa hierarchy para sa pagsasaalang-alang. Kinikilala at itinatalaga ng pari o obispo ang icon - o, pinapanatili ang diwa ng katotohanan, tinatanggihan ang hindi katulad na icon. Ano ang isinasaalang-alang ng kinatawan ng hierarchy sa icon na ipinakita sa kanya, ano ang kanyang sinusuri?

Ang antas ng teolohikong pagsasanay ng artista? Ngunit ang iconographic canon ay umiiral para sa kadahilanang ito, upang ang mga masters ng brush ay maaaring, nang walang karagdagang ado, italaga ang kanilang sarili nang buo sa kanilang sagradong bapor - lahat ng dogmatikong pag-unlad ng mga paksa ng icon ay nagawa na para sa kanila. Upang hatulan kung ang isang icon ay tumutugma sa isa o iba pang kilalang pamamaraan, ang isa ay hindi kailangang maging miyembro ng hierarchy, o kahit isang Kristiyano. Anumang siyentipikong espesyalista, anuman ang kanyang mga pananaw sa relihiyon, ay maaaring hatulan ang dogmatikong kawastuhan ng icon - tiyak dahil ang dogma ay matatag, malinaw na ipinahayag sa iconographic scheme at sa gayon ay naiintindihan. Pagkatapos, marahil, isasailalim ng hierarch ang istilo ng icon sa paghatol at pagsusuri? Ngunit naipakita na natin - sa malawak na makasaysayang materyal - na ang pagsalungat sa pagitan ng "Byzantine-unlike-from-nature" at ang "academic-similar" na mga istilo, na naimbento sa pagtatapos ng ikalawang milenyo AD, ay hindi kailanman umiral sa Simbahan. Ang katotohanan na ang mga indibidwal na miyembro ng hierarchy ay kinikilala lamang ang una ay hindi nagpapatunay ng anuman, dahil mayroong - at sa malaking bilang - mga miyembro ng hierarchy na kinikilala lamang ang pangalawa, at hinahanap ang unang bastos, lipas na sa panahon at primitive. Ito ay isang bagay ng kanilang panlasa, gawi, pananaw sa kultura, at hindi sa kanilang kanang pakpak o masamang espiritu. At ang mga salungatan ay hindi lumitaw sa batayan na ito, dahil ang isyu ng estilo ay nalutas nang mapayapa, sa pamamagitan ng demand sa merkado o kapag nag-order - isang artist ay iniimbitahan, na ang stylistic orientation ay kilala at malapit sa customer, isang sample ay pinili, atbp. ating sarili upang ipahayag ang opinyon na ito ay libreng mga estilo ng kumpetisyon na umiiral sa Russia ngayon ay lubhang kapaki-pakinabang para sa icon, dahil pinipilit nito ang magkabilang panig na mapabuti ang kalidad, upang makamit ang tunay na artistikong lalim, na nakakumbinsi hindi lamang para sa mga tagasuporta, kundi pati na rin para sa mga kalaban ng isang partikular na istilo. Kaya, ang kalapitan ng paaralang "Byzantine" ay pinipilit ang "akademiko" na maging mas mahigpit, mas matino, at mas makahulugan. Ang kalapitan ng paaralang "Byzantine" sa paaralang "akademiko" ay pumipigil dito na maging primitive na pagkakayari.

Kaya, ano ang tinatanggap ng hierarchy - o tinatanggihan - kung kaninong paghatol ang mga sagradong imahe ay iniharap, kung ang mga isyu ng iconography ay napagpasyahan nang maaga, at ang mga isyu ng estilo ay panlabas sa Simbahan? Ano pa bang pamantayan ang nalampasan natin? Bakit hindi - sa gayong kalayaang ipinagkaloob sa icon na pintor ng Simbahan, hindi pa rin nito kinikilala ang bawat imaheng nag-aangking icon? Ito - sa esensya, ang pinakamahalaga - ang pamantayan ay tatalakayin sa susunod na kabanata.