Kulayan ang isang icon sa istilong pang-akademiko sa pagawaan ng pagpipinta ng icon ng Northern Atho. Mga icon ng Byzantine

Iconography (writing icons) ay isang Kristiyano, sining ng simbahan.

Ngunit una, pag-usapan natin kung ano ang isang icon.

Ano ang icon

Mula sa sinaunang wikang Griyego ang salitang "icon" ay isinalin bilang "larawan", "larawan". Ngunit hindi lahat ng imahe ay isang icon, ngunit isang imahe lamang ng mga tao o mga kaganapan ng Sagrado o kasaysayan ng Simbahan, na siyang paksa ng pagsamba. Ang pagpupuri sa mga Orthodox at Katoliko ay naayos dogma(isang hindi nababagong katotohanan na hindi napapailalim sa pagpuna o pagdududa) ng Ikapitong Ekumenikal na Konseho noong 787. Ang Konseho ay ginanap sa lungsod ng Nicaea, kaya naman tinawag din itong Ikalawang Konseho ng Nicaea.

Tungkol sa pagsamba sa icon

Ang Konseho ay natipon laban sa iconoclasm, na bumangon 60 taon bago ang Konseho sa ilalim ng Byzantine emperor Leo the Isaurian, na itinuturing na kinakailangan upang alisin ang pagsamba sa mga icon. Ang konseho ay binubuo ng 367 obispo, na, batay sa mga resulta ng kanilang trabaho, ay inaprubahan ang dogma ng pagsamba sa icon. Ipinanumbalik ng dokumentong ito ang pagsamba sa mga icon at pinahintulutan ang paggamit ng mga icon ng Panginoong Hesukristo, ang Ina ng Diyos, mga Anghel at mga Banal sa mga simbahan at tahanan, pinararangalan sila ng "magalang na pagsamba": "... kami, naglalakad na parang maharlikang paraan at pagsunod sa mga banal na turo ng mga banal na ama at tradisyon Simbahang Katoliko at sa Banal na Espiritu na naninirahan dito, nang buong pag-iingat at pag-iingat ay tinutukoy namin: tulad ng imahe ng tapat at nagbibigay-buhay na Krus, upang ilagay sa mga banal na simbahan ng Diyos, sa mga sagradong sisidlan at damit, sa mga dingding at sa mga tabla. , sa mga bahay at sa mga landas, tapat at banal na mga icon , pininturahan ng mga pintura at ginawa mula sa mga mosaic at mula sa iba pang angkop na mga sangkap, mga icon ng Panginoon at Diyos at ng Ating Tagapagligtas na si Hesukristo, ang kalinis-linisang Ginang ng ating Banal na Ina ng Diyos, mga tapat na anghel din. at lahat ng mga banal at kagalang-galang na mga tao. Para sa mas madalas na nakikita ang mga ito sa pamamagitan ng mga imahe sa mga icon, mas ang mga tumitingin sa kanila ay hinihikayat na alalahanin ang mga prototype mismo at mahalin sila...”
Kaya, ang isang icon ay isang imahe ng mga tao o mga kaganapan ng Sagradong kasaysayan. Ngunit madalas nating nakikita ang mga larawang ito sa mga pintura ng mga artista na hindi naman relihiyoso. Kaya ang anumang imahe ay isang icon? Syempre hindi.

Isang icon at isang pagpipinta - ano ang pagkakaiba sa pagitan nila?

At ngayon ay pag-uusapan natin ang pagkakaiba sa pagitan ng isang icon at ng pagpipinta ng isang pintor na naglalarawan kay Hesukristo, ang Ina ng Diyos at iba pang mga tao ng Sagradong kasaysayan.
Sa harap natin ay isang pagpaparami ng pagpipinta ni Raphael na "The Sistine Madonna" - isa sa mga obra maestra ng pagpipinta sa mundo.

Raphael "Sistine Madonna" (1512-1513). Canvas, langis. 256 x 196 cm. Gallery ng Old Masters (Dresden)
Nilikha ni Raphael ang pagpipinta na ito para sa altar ng simbahan ng monasteryo ng St. Sixtus sa Piacenza, na inatasan ni Pope Julius II.
Ang pagpipinta ay naglalarawan sa Madonna at Bata na nasa gilid ni Pope Sixtus II (Obispo ng Roma mula Agosto 30, 257 hanggang Agosto 6, 258. Siya ay naging martir sa panahon ng pag-uusig sa mga Kristiyano noong panahon ni Emperador Valerian) at St. Barbara (Kristiyanong martir) sa gilid at may dalawang anghel. Ang Madonna ay inilalarawan na bumababa mula sa langit, na naglalakad nang bahagya sa mga ulap. Lumapit siya sa manonood, patungo sa mga tao, at tinitingnan kami sa mga mata.
Pinagsasama ng imahe ni Maria ang isang relihiyosong kaganapan at pangkalahatang damdamin ng tao: malalim na lambing ng ina at isang sulyap ng pagkabalisa para sa kapalaran ng sanggol. Simple lang ang damit niya, naglalakad siya sa mga ulap na nakatapak, napapaligiran ng liwanag...
Ang anumang pagpipinta, kabilang ang isang ipininta sa isang paksa ng relihiyon, ay isang masining na imahe na nilikha ng malikhaing imahinasyon ng artist - ito ay isang paglipat ng kanyang sariling pananaw sa mundo.
Ang icon ay isang paghahayag ng Diyos, na ipinahayag sa wika ng mga linya at kulay. Ang pintor ng icon ay hindi nagpapahayag ng kanyang malikhaing imahinasyon; ang pananaw sa mundo ng pintor ng icon ay ang pananaw sa mundo ng Simbahan. Ang isang icon ay walang tiyak na oras; ito ay isang salamin ng iba sa ating mundo.
Ang pagpipinta ay nailalarawan sa pamamagitan ng ipinahayag na sariling katangian ng may-akda: sa kanyang natatanging paraan ng larawan, tiyak na mga diskarte sa komposisyon, at scheme ng kulay. Iyon ay, sa larawan makikita natin ang may-akda, ang kanyang pananaw sa mundo, saloobin sa problemang inilalarawan, atbp.
Ang pagiging may-akda ng icon na pintor ay sadyang nakatago. Ang pagpipinta ng icon ay hindi pagpapahayag ng sarili, ngunit serbisyo. Sa natapos na pagpipinta, inilalagay ng artist ang kanyang pirma, at ang pangalan ng tao na ang mukha ay inilalarawan ay nakasulat sa icon.
Narito mayroon kaming isang pagpipinta ng Itinerant artist na si I. Kramskoy.

I. Kramskoy "Si Kristo sa Disyerto" (1872). Canvas, langis. 180 x 210 cm. Estado Tretyakov Gallery(Moscow)
Ang balangkas ng larawan ay kinuha mula sa Bagong Tipan: pagkatapos ng binyag sa tubig ng Ilog Jordan, si Kristo ay umalis sa disyerto para sa 40-araw na pag-aayuno, kung saan Siya ay tinukso ng diyablo (Ebanghelyo ni Mateo, 4:1- 11).
Sa pagpipinta, inilalarawan si Kristo na nakaupo sa isang kulay abong bato sa isang mabatong disyerto. Ang pangunahing kahalagahan sa larawan ay ibinibigay sa mukha at mga kamay ni Kristo, na lumilikha ng sikolohikal na panghihikayat at sangkatauhan ng kanyang imahe. Ang mahigpit na nakakuyom na mga kamay at mukha ni Kristo ay kumakatawan sa semantiko at emosyonal na sentro ng larawan; nakakaakit sila ng atensyon ng manonood.
Ang gawain ng pag-iisip ni Kristo at ang lakas ng kanyang espiritu ay hindi nagpapahintulot sa atin na tawaging static ang larawang ito, kahit na walang pisikal na pagkilos hindi ipinapakita dito.
Ayon sa artista, nais niyang makuha ang dramatikong sitwasyon ng pagpili sa moral, hindi maiiwasan sa buhay ng bawat tao. Malamang na ang bawat isa sa atin ay nagkaroon ng sitwasyon kung kailan inilalagay ka ng buhay sa harap ng isang mahirap na pagpipilian, o ikaw mismo ang nakakaintindi ng ilan sa iyong mga aksyon, na naghahanap ng tamang landas.
Sinusuri ng I. Kramskoy ang relihiyosong balangkas mula sa isang moral at pilosopikal na pananaw at inaalok ito sa madla. "Narito ang masakit na pagsisikap ni Kristo upang matanto sa kanyang sarili ang pagkakaisa ng Banal at Tao" (G. Wagner).
Ang larawan ay dapat na emosyonal, dahil ang sining ay isang anyo ng katalusan at pagmuni-muni ng nakapaligid na mundo sa pamamagitan ng mga damdamin. Ang larawan ay kabilang sa espirituwal na mundo.

Icon ng Tagapagligtas Pantocrator (Pantocrator)
Ang pintor ng icon, hindi katulad ng pintor, ay walang awa: hindi dapat maganap ang mga personal na emosyon. Ang icon ay sadyang walang panlabas na emosyon; empatiya at perception ng iconographic na mga simbolo ay nangyayari sa isang espirituwal na antas. Ang icon ay isang paraan ng komunikasyon sa Diyos at sa Kanyang mga banal.

Ang mga pangunahing pagkakaiba sa pagitan ng isang icon at isang pagpipinta

Ang visual na wika ng icon ay umunlad at unti-unting nabuo sa paglipas ng mga siglo, at natanggap ang kumpletong pagpapahayag nito sa mga patakaran at alituntunin ng icon na pagpipinta ng canon. Ang isang icon ay hindi isang paglalarawan ng Banal na Kasulatan at kasaysayan ng simbahan, o isang larawan ng isang santo. Para sa isang Kristiyanong Ortodokso, ang isang icon ay nagsisilbing tagapamagitan sa pagitan ng pandama na mundo at ng mundo na hindi naa-access sa pang-araw-araw na pang-unawa, isang mundo na nakikilala lamang sa pamamagitan ng pananampalataya. At hindi pinapayagan ng canon ang icon na bumaba sa antas ng sekular na pagpipinta.

1. Ang icon ay nailalarawan sa pamamagitan ng isang maginoo na imahe. Hindi gaanong bagay mismo ang inilalarawan bilang ideya ng bagay. Samakatuwid ang "deformed", kadalasang pinahabang proporsyon ng mga figure - ang ideya ng ​nagbagong laman na naninirahan sa makalangit na mundo. Ang icon ay walang ganoong tagumpay ng pisikal na makikita sa mga pintura ng maraming mga artista, halimbawa, si Rubens.

2. Ang larawan ay binuo ayon sa mga batas ng direktang pananaw. Madaling maunawaan ito kung maiisip mo ang isang guhit o larawan ng isang riles ng tren: ang mga riles ay nagtatagpo sa isang puntong matatagpuan sa linya ng abot-tanaw. Ang icon ay nailalarawan sa pamamagitan ng isang reverse perspective, kung saan ang nawawalang punto ay matatagpuan hindi sa kailaliman ng picture plane, ngunit sa taong nakatayo sa harap ng icon. At ang mga magkatulad na linya sa icon ay hindi nagtatagpo, ngunit, sa kabaligtaran, palawakin sa puwang ng icon. Ang foreground at background ay walang pictorial, ngunit semantic na kahulugan. Sa mga icon, ang mga malalayong bagay ay hindi nakatago, tulad ng sa mga makatotohanang pagpipinta, ngunit kasama sa pangkalahatang komposisyon.

3. Walang panlabas na pinagmumulan ng ilaw sa icon. Ang liwanag ay nagmumula sa mga mukha at pigura bilang simbolo ng kabanalan. (Ang pagpipinta ay nagpapakita ng isang mukha, at ang icon ay nagpapakita ng isang mukha).

Mukha at mukha
Ang halos sa icon ay simbolo ng kabanalan; ito ang pinakamahalagang katangian ng mga sagradong imahen ng Kristiyano. Naka-on Mga icon ng Orthodox Ang halo ay kumakatawan sa paligid na bumubuo ng isang solong kabuuan na may pigura ng santo. Sa mga sagradong imahe at pagpipinta ng Katoliko, ang isang halo sa anyo ng isang bilog ay nakabitin sa itaas ng ulo ng santo. Ang Katolikong bersyon ng halo ay isang gantimpala na ibinigay sa santo mula sa labas, at ang Orthodox na bersyon ay isang korona ng kabanalan, ipinanganak mula sa loob.

4. Ang kulay sa icon ay may simbolikong function. Halimbawa, ang pulang kulay sa mga icon ng mga martir ay maaaring sumagisag sa pagsasakripisyo ng sarili para sa kapakanan ni Kristo, habang sa iba pang mga icon ito ay ang kulay ng maharlikang dignidad. Ang ginto ay isang simbolo ng Banal na liwanag, at upang maihatid ang ningning ng hindi nilikha na ilaw na ito sa mga icon, hindi mga pintura ang kinakailangan, ngunit isang espesyal na materyal - ginto. Ngunit hindi bilang isang simbolo ng kayamanan, ngunit bilang isang tanda ng pakikilahok sa Banal sa pamamagitan ng biyaya. kulay puti ay ang kulay ng mga hayop na sakripisyo. Ang mapurol na itim na kulay, kung saan ang gesso ay hindi lumiwanag, ay ginagamit lamang sa mga icon sa mga kaso kung saan kinakailangan upang ipakita ang mga puwersa ng kasamaan o ang underworld.

5. Ang mga icon ay nailalarawan sa pamamagitan ng simultaneity ng imahe: lahat ng mga kaganapan ay nangyayari nang sabay-sabay. Ang icon na "Assumption of the Mother of God" ay sabay-sabay na naglalarawan sa mga apostol na dinala ng mga anghel sa pagkamatay ng Ina ng Diyos, at ang parehong mga apostol na nakatayo sa paligid ng kama. Iminumungkahi nito na ang mga kaganapan sa Sagradong kasaysayan na naganap sa ating tunay na oras at espasyo ay may ibang imahe sa espirituwal na espasyo.

Dormisyon ng Mahal na Birheng Maria (Kievo-Pechersk Icon)
Ang isang canonical icon ay walang random na mga detalye o mga dekorasyon na walang semantic na kahulugan. Kahit na ang frame - ang dekorasyon ng front surface ng icon board - ay may sariling katwiran. Ito ay isang uri ng belo na pinoprotektahan ang dambana, itinatago ito mula sa hindi karapat-dapat na mga tingin.
Ang pangunahing gawain ng icon ay upang ipakita ang katotohanan ng espirituwal na mundo. Kabaligtaran sa pagpipinta, na naghahatid ng senswal, materyal na bahagi ng mundo. Ang pagpipinta ay isang milestone sa landas ng aesthetic development ng isang tao; ang isang icon ay isang milestone sa espirituwal na landas.
Ang isang icon ay palaging isang dambana, kahit sa anong kaakit-akit na paraan ito ay isinasagawa. At medyo marami ang pictorial manners (schools). Dapat ding maunawaan na ang iconographic canon ay hindi isang stencil o isang pamantayan. Maaari mong palaging madama ang "kamay" ng may-akda, ang kanyang espesyal na istilo ng pagsulat, ang ilan sa kanyang mga espirituwal na priyoridad. Ngunit ang mga icon at mga pintura ay may iba't ibang layunin: ang isang icon ay inilaan para sa espirituwal na pagmumuni-muni at panalangin, at ang isang pagpipinta ay nagtuturo sa ating estado ng pag-iisip. Bagaman ang larawan ay maaaring magdulot ng malalim na espirituwal na mga karanasan.

Pagpipinta ng icon ng Russia

Ang sining ng pagpipinta ng icon ay dumating sa Rus' mula sa Byzantium matapos mabinyagan noong 988 sa ilalim ng Prinsipe Vladimir Svyatoslavich. Nagdala si Prinsipe Vladimir ng maraming mga icon at dambana mula sa Chersonese hanggang Kyiv, ngunit wala ni isa sa mga icon na "Korsun" ang nakaligtas. Ang mga pinakalumang icon sa Rus' ay napanatili sa Veliky Novgorod.

Sina Apostol Pedro at Pablo. Icon ng kalagitnaan ng ika-11 siglo. (Novgorod Museum)
Vladimir-Suzdal na paaralan ng pagpipinta ng icon. Ang kasagsagan nito ay nauugnay kay Andrei Bogolyubsky.
Noong 1155, iniwan ni Andrei Bogolyubsky ang Vyshgorod, kasama niya ang iginagalang na icon ng Ina ng Diyos, at nanirahan sa Vladimir sa Klyazma. Ang icon na dinala niya, na tumanggap ng pangalang Vladimir, ay naging kilala sa buong Russia at nagsilbing isang uri ng sukat ng artistikong kalidad para sa mga pintor ng icon na nagtrabaho dito.

Vladimir (Vyshgorod) Icon ng Ina ng Diyos
Noong ika-13 siglo malaking icon-painting workshops ay, bukod kay Vladimir, din sa Yaroslavl.

Our Lady of Oranta mula sa Yaroslavl (circa 1224). State Tretyakov Gallery (Moscow)
Kilala Pskov, Novgorod, Moscow, Tver at iba pang mga paaralan ng pagpipinta ng icon - imposibleng pag-usapan ito sa isang artikulo sa pagsusuri. Ang pinakatanyag at iginagalang na master ng Moscow school of icon painting, libro at monumental na pagpipinta noong ika-15 siglo. – Andrey Rublev. Sa pagtatapos ng XIV - simula ng XV siglo. Nilikha ni Rublev ang kanyang obra maestra - ang icon na "Holy Trinity" (Tretyakov Gallery). Isa siya sa mga pinakatanyag na icon ng Russia.

Ang mga damit ng gitnang anghel (pulang tunika, asul na himation, sewn stripe (klav)) ay naglalaman ng isang pahiwatig ng iconography ni Jesu-Kristo. Sa hitsura ng kaliwang anghel ay madarama ng isa ang awtoridad ng ama; ang kanyang tingin ay ibinaling sa iba pang mga anghel, at ang mga galaw at pagliko ng dalawa pang anghel ay nabaling sa kanya. Ang light purple na kulay ng mga damit ay nagpapahiwatig ng maharlikang dignidad. Ito ay mga indikasyon ng unang persona ng Banal na Trinidad. Ang anghel sa kanang bahagi ay inilalarawan na nakasuot ng mausok na berdeng damit. Ito ang hypostasis ng Banal na Espiritu. Mayroong ilang higit pang mga simbolo sa icon: isang puno at isang bahay, isang bundok. Ang puno (Mamvrian oak) ay isang simbolo ng buhay, isang indikasyon ng nagbibigay-buhay na kalikasan ng Trinity; bahay – ang Ekonomiya ng Ama; bundok - Espiritu Santo.
Ang pagkamalikhain ni Rublev ay isa sa mga tuktok ng kultura ng Russia at mundo. Sa panahon ng buhay ni Rublev, ang kanyang mga icon ay pinahahalagahan at iginagalang bilang mapaghimala.
Ang isa sa mga pangunahing uri ng mga imahe ng Ina ng Diyos sa pagpipinta ng icon ng Russia ay Eleusa(mula sa Griyego - maawain, maawain, maawain), o Paglalambing. Ang Ina ng Diyos ay inilalarawan kasama ang Batang Kristo na nakaupo sa Kanyang kamay at idiniin ang Kanyang pisngi sa Kanyang pisngi. Sa mga icon ng Ina ng Diyos ng Eleusa, walang distansya sa pagitan ni Maria (ang simbolo at perpekto ng sangkatauhan) at Diyos na Anak, ang kanilang pag-ibig ay walang limitasyon. Inilarawan ng icon ang sakripisyo ni Kristong Tagapagligtas sa krus bilang pinakamataas na pagpapahayag ng pagmamahal ng Diyos sa mga tao.
Kasama sa uri ng Eleus ang Vladimir, Don, Feodorovskaya, Yaroslavl, Pochaevskaya, Zhirovitskaya, Grebnevskaya, Akhrenskaya, Recovery of the Dead, icon ng Degtyarevskaya, atbp.

Eleusa. Vladimir Icon ng Ina ng Diyos (XII siglo)

Maraming mga eksperto na interesado sa pagpipinta ng icon ang nagtatanong - ano ang maaaring ituring na isang icon sa ating panahon? Sapat ba na sundin lamang ang mga kanon na inilatag ilang siglo na ang nakalilipas? Gayunpaman, mayroong isang punto ng pananaw, ang mga tagasunod na kung saan ay nagtaltalan na kinakailangan pa ring mapanatili ang istilong direksyon kapag lumilikha. ng ganitong uri.

Mga kanon at istilo

Maraming tao ang nalilito sa dalawang konseptong ito: canon at istilo. Dapat silang maghiwalay. Gayunpaman, ang mga canon, sa kanilang orihinal na kahulugan, ay higit pa sa isang pampanitikang bahagi ng imahe. Para sa kanya, mas mahalaga ang plot ng itinatanghal na eksena: sino ang nakatayo kung saan, sa anong kasuotan, kung ano ang kanilang ginagawa at iba pang aspeto ng fine art. Halimbawa, ang inilalarawan ay isang pangunahing halimbawa ng pagpapahayag ng canon.

Sa mga tuntunin ng estilo, higit pa mahalagang papel gumaganap sa paraan ng pagpapahayag ng artist ng kanyang mga iniisip, na nakakaimpluwensya sa atin at nagpapaunawa sa atin at mas nauunawaan ang layunin ng paglikha ng isang masining na imahe. Kinakailangang maunawaan na pinagsasama ng estilo ng bawat pagpipinta ang parehong mga indibidwal na katangian ng pamamaraan ng pagpipinta ng artist at ang lilim ng genre, panahon, bansa at maging ang direksyon ng napiling paaralan. Kaya, ito ay dalawang magkaibang konsepto na dapat paghiwalayin kung gusto mong maunawaan ang pagpipinta ng icon.

I-highlight natin ang dalawang pangunahing istilo:

• Byzantine.
• Akademiko.

Estilo ng Byzantine.

Ang isa sa mga pinakasikat na teorya tungkol sa paglikha ng mga icon ay ang pinapaboran lamang ang mga gawa ng sining na ipininta sa istilong "Byzantine". Sa Russia, ang "Italian" o "akademiko" na lilim ay mas madalas na ginagamit. Kaya naman hindi nakikilala ng mga tagasunod ng kilusang ito ang mga icon mula sa maraming bansa.

Gayunpaman, kung tatanungin mo ang mga ministro ng simbahan, sasagot sila na ang mga ito ay ganap na mga icon at walang dahilan upang tratuhin sila nang iba.

Kaya, ang pagtataas ng pamamaraang "Byzantine" sa iba ay mali.

Estilo ng akademiko.

Gayunpaman, marami ang patuloy na umaasa sa "kakulangan ng espirituwalidad" ng istilong "akademiko" at hindi tumatanggap ng mga icon na may katulad na mga lilim. Ngunit mayroong isang makatwirang butil sa mga argumentong ito sa unang sulyap lamang, dahil pagkatapos na tingnang mabuti at pag-isipang mabuti, malinaw na hindi para sa wala na ang lahat ng mga pangalang ito ay binanggit sa panitikan sa mga panipi at napakaingat. Pagkatapos ng lahat, sila mismo ay isang kumbinasyon ng maraming mga kadahilanan na nakaimpluwensya sa artist at sa kanyang estilo ng pagpapahayag ng sarili.

Ang mga opisyal ay ganap na hindi binabalewala at hindi nais na makilala sa pagitan ng gayong mga trifle. Samakatuwid, ang mga konseptong ito sa karamihan ng mga kaso ay ginagamit lamang sa mga pagtatalo sa pagitan ng masigasig na mga tagapagtaguyod ng isa at isa pang direksyon ng istilo.

Ang salitang "icon" ay nagmula sa Greek.
salitang Griyego eikon nangangahulugang "larawan", "larawan". Sa panahon ng pagbuo ng Kristiyanong sining sa Byzantium, ang salitang ito ay tumutukoy sa anumang imahe ng Tagapagligtas, Ina ng Diyos, Santo, Anghel o kaganapan. Sagradong Kasaysayan, hindi alintana kung ang larawang ito ay isang monumental na pagpipinta o isang easel, at anuman ang pamamaraan na ginamit nito. Ngayon ang salitang "icon" ay pangunahing inilapat sa mga icon ng panalangin, pininturahan, inukit, mosaic, atbp. Ito ay sa ganitong kahulugan na ito ay ginagamit sa arkeolohiya at kasaysayan ng sining.

Ang Simbahang Ortodokso ay nagpapatunay at nagtuturo na ang sagradong imahe ay bunga ng Pagkakatawang-tao, ay nakabatay dito at samakatuwid ay likas sa mismong kakanyahan ng Kristiyanismo, kung saan ito ay hindi mapaghihiwalay.

Sagradong Tradisyon

Ang imahe ay lumitaw sa Kristiyanong sining sa simula. Itinayo ng tradisyon ang paglikha ng mga unang icon sa panahon ng mga apostol at nauugnay sa pangalan ng Ebanghelista na si Lucas. Ayon sa alamat, hindi niya inilarawan ang kanyang nakita, ngunit ang hitsura ng Mahal na Birheng Maria kasama ang Anak ng Diyos.

Ang mga ugat ng mga visual na diskarte ng pagpipinta ng icon, sa isang banda, ay nasa mga miniature ng libro, kung saan hiniram ang mahusay na pagsulat, hangin, at pagiging sopistikado ng palette. Sa kabilang banda, sa larawan ng Fayum, kung saan ang mga iconographic na imahe ay nagmana ng malalaking mata, isang selyo ng malungkot na detatsment sa kanilang mga mukha, at isang ginintuang background.

Sa mga catacomb ng Roma noong ika-2 hanggang ika-4 na siglo, ang mga gawa ng Kristiyanong sining na may simbolikong katangian o pagsasalaysay ay napanatili.
Ang mga pinakalumang icon na dumating sa amin ay nagmula noong ika-6 na siglo at ginawa gamit ang encaustic technique sa isang kahoy na base, na ginagawang katulad ng Egyptian-Hellenistic na sining (ang tinatawag na "Fayum portraits").

Ipinagbabawal ng Trullo (o Fifth-Sixth) Council ang mga simbolikong larawan ng Tagapagligtas, na nag-uutos na dapat Siya ay ilarawan lamang “ayon sa kalikasan ng tao.”

Noong ika-8 siglo, ang Simbahang Kristiyano ay nahaharap sa maling pananampalataya ng iconoclasm, ang ideolohiya na ganap na nanaig sa estado, simbahan at kultural na buhay. Ang mga icon ay patuloy na nilikha sa mga lalawigan, malayo sa pangangasiwa ng imperyal at simbahan. Ang pag-unlad ng isang sapat na tugon sa mga iconoclast, ang pag-ampon ng dogma ng pagsamba sa icon sa Seventh Ecumenical Council (787) ay nagdala ng mas malalim na pag-unawa sa icon, naglalatag ng mga seryosong teolohikong pundasyon, na nag-uugnay sa teolohiya ng imahe sa Christological dogmas.

Ang teolohiya ng icon ay may malaking impluwensya sa pag-unlad ng iconography at pagbuo ng mga iconographic canon. Ang paglayo sa naturalistic rendering ng sensory world, ang icon painting ay nagiging mas conventional, gravitating patungo sa flatness, ang imahe ng mga mukha ay pinapalitan ng imahe ng mga mukha, na sumasalamin sa pisikal at espirituwal, ang sensual at ang supersensible. Ang mga tradisyong Helenistiko ay unti-unting ginagawang muli at iniangkop sa mga konseptong Kristiyano.

Ang mga gawain ng pagpipinta ng icon ay ang sagisag ng diyos sa isang imahe ng katawan. Ang salitang "icon" mismo ay nangangahulugang "larawan" o "larawan" sa Griyego. Ipapaalala sana nito ang imaheng kumikislap sa isipan ng taong nagdarasal. Ito ay isang "tulay" sa pagitan ng isang tao at banal na mundo, sagradong bagay. Nagawa ng mga Kristiyanong icon na pintor ang isang mahirap na gawain: upang maihatid sa pamamagitan ng larawan, materyal ang ibig sabihin ng hindi nasasalat, espirituwal, at ethereal. Samakatuwid, ang mga iconographic na imahe ay nailalarawan sa pamamagitan ng matinding dematerialization ng mga figure na nabawasan sa dalawang-dimensional na anino ng makinis na ibabaw ng board, isang ginintuang background, isang mystical na kapaligiran, non-flatness at non-space, ngunit isang bagay na hindi matatag, kumikislap sa liwanag ng mga lampara. Ang ginintuang kulay ay itinuturing na banal hindi lamang ng mata, kundi pati na rin ng isip. Tinatawag ito ng mga mananampalataya na "Tabor", dahil, ayon sa alamat sa Bibliya, ang pagbabagong-anyo ni Kristo ay naganap sa Bundok Tabor, kung saan ang kanyang imahe ay lumitaw sa isang nakabubulag na ginintuang ningning. Kasabay nito, si Kristo, ang Birheng Maria, ang mga apostol, at ang mga santo ay talagang nabubuhay na mga tao na may makalupang katangian.

Upang maihatid ang espiritwalidad at kabanalan ng mga makalupang imahe, isang espesyal, mahigpit na tinukoy na uri ng paglalarawan ng isang partikular na paksa, na tinatawag na iconographic canon, ay binuo sa Kristiyanong sining. Ang Canonicity, tulad ng maraming iba pang mga katangian ng kultura ng Byzantine, ay malapit na konektado sa sistema ng pananaw sa mundo ng mga Byzantine. Ang pinagbabatayan na ideya ng imahe, ang tanda ng kakanyahan at ang prinsipyo ng hierarchy ay nangangailangan ng patuloy na pagmumuni-muni na pagpapalalim sa parehong mga phenomena (mga imahe, palatandaan, teksto, atbp.). na humantong sa organisasyon ng kultura kasama ng mga stereotypical na prinsipyo. Ang canon ng fine art ay lubos na sumasalamin sa aesthetic na esensya ng kultura ng Byzantine. Ang iconographic canon ay isinagawa ng rad mahahalagang tungkulin. Una sa lahat, nagdala ito ng impormasyon na may utilitarian, historical at narrative na kalikasan, i.e. kinuha ang buong pasanin ng naglalarawang relihiyosong teksto. Ang iconographic scheme sa bagay na ito ay halos magkapareho sa literal na kahulugan ng teksto. Ang canon ay naitala din sa mga espesyal na paglalarawan hitsura Santo, ang mga tagubilin sa physiognomic ay kailangang sundin nang mahigpit.

Mayroong Kristiyanong simbolismo ng kulay, ang mga pundasyon nito ay binuo ng Byzantine na manunulat na si Dionysius the Areopagite noong ika-4 na siglo. Ayon dito, ang kulay ng cherry, na pinagsasama ang pula at lila, ang simula at wakas ng spectrum, ay nangangahulugang si Kristo mismo, na siyang simula at wakas ng lahat ng bagay. Asul langit, kadalisayan. Ang pula ay banal na apoy, ang kulay ng dugo ni Kristo, sa Byzantium ito ang kulay ng royalty. Ang berde ay ang kulay ng kabataan, pagiging bago, pag-renew. Ang dilaw ay kapareho ng ginto. Ang puti ay simbolo ng Diyos, katulad ng Liwanag at pinagsasama ang lahat ng kulay ng bahaghari. Ang itim ay ang pinakaloob na lihim ng Diyos. Si Kristo ay palaging inilalarawan sa isang cherry tunika at isang asul na balabal - himation, at ang Ina ng Diyos - sa isang madilim na asul na tunika at cherry veil - maphoria. Kasama rin sa mga canon ng imahe ang reverse perspective, na may mga nawawalang punto hindi sa likod, sa loob ng imahe, ngunit sa mata ng tao, ibig sabihin, sa harap ng imahe. Ang bawat bagay, samakatuwid, ay lumalawak habang lumalayo ito, na parang "naglalahad" patungo sa tumitingin. Ang imahe ay "gumagalaw" patungo sa tao,
at hindi galing sa kanya. Ang iconography ay kasing impormasyon hangga't maaari; ito ay nagpaparami ng isang kumpletong mundo.

Ang istraktura ng arkitektura ng icon at ang teknolohiya ng pagpipinta ng icon ay binuo alinsunod sa mga ideya tungkol sa layunin nito: upang magdala ng isang sagradong imahe. Ang mga icon ay at nakasulat sa mga board, kadalasang cypress. Ang ilang mga board ay gaganapin kasama ng mga dowel. Ang tuktok ng mga board ay natatakpan ng gesso, isang panimulang aklat na gawa sa pandikit ng isda. Ang gesso ay pinakintab hanggang makinis, at pagkatapos ay inilapat ang isang imahe: una ay isang pagguhit, at pagkatapos ay isang layer ng pagpipinta. Sa icon ay may mga patlang, isang gitnang-gitnang imahe at isang kaban - isang makitid na strip sa kahabaan ng perimeter ng icon. Mga imaheng iconograpiko, na binuo sa Byzantium, mahigpit ding tumutugma sa canon.

Sa kauna-unahang pagkakataon sa tatlong siglo ng Kristiyanismo, karaniwan ang simbolikong at alegorikong mga imahe. Si Kristo ay inilalarawan bilang isang tupa, isang angkla, isang barko, isang isda, isang baging, at isang mabuting pastol. Lamang sa IV-VI siglo. Ang paglalarawan at simbolikong iconograpia ay nagsimulang magkaroon ng hugis, na naging batayan ng istruktura ng lahat ng sining ng Silangang Kristiyano.

Iba't ibang pag-unawa sa mga icon sa Kanluran at tradisyong silangan sa huli ay humantong sa iba't ibang direksyon sa pag-unlad ng sining sa pangkalahatan: pagkakaroon ng napakalaking impluwensya sa sining ng Kanlurang Europa (lalo na ang Italya), ang pagpipinta ng icon sa panahon ng Renaissance ay napalitan ng pagpipinta at eskultura. Ang pagpipinta ng icon ay pangunahing binuo sa teritoryo ng Byzantine Empire at mga bansang nagpatibay sa silangang sangay ng Kristiyanismo-Orthodoxy.

Byzantium

Ang iconography ng Byzantine Empire ay ang pinakamalaking artistikong phenomenon sa Eastern Christian world. Ang kulturang sining ng Byzantine ay hindi lamang naging ninuno ng ilang mga pambansang kultura (halimbawa, Lumang Ruso), ngunit sa buong pag-iral nito naimpluwensyahan nito ang iconograpiya ng iba pang mga bansang Ortodokso: Serbia, Bulgaria, Macedonia, Rus', Georgia, Syria, Palestine, Egypt . Naimpluwensyahan din ng Byzantium ang kultura ng Italya, lalo na ang Venice. Mahalaga Para sa mga bansang ito mayroong mga iconograpya ng Byzantine at mga bagong usong pangkakanyahan na lumitaw sa Byzantium.

Panahon ng Pre-Iconoclastic

Apostol Pedro. Encaustic na icon. VI siglo. Monasteryo ng St. Catherine sa Sinai.

Ang mga pinakalumang icon na nakaligtas hanggang sa ating panahon ay itinayo noong ika-6 na siglo. Ang mga unang icon ng ika-6-7 siglo ay nagpapanatili ng sinaunang pamamaraan ng pagpipinta - encaustic. Ang ilang mga gawa ay nagpapanatili ng ilang partikular na katangian ng sinaunang naturalismo at pictorial illusionism (halimbawa, ang mga icon na "Christ Pantocrator" at "Apostle Peter" mula sa Monastery of St. Catherine sa Sinai), habang ang iba ay madaling kapitan ng conventionality at schematic representation (halimbawa, ang icon na "Bishop Abraham" mula sa Dahlem Museum , Berlin, icon na "Christ and Saint Mina" mula sa Louvre). Magkaiba, hindi antigo, masining na wika ay katangian ng silangang mga rehiyon ng Byzantium - Egypt, Syria, Palestine. Sa kanilang pagpipinta ng icon, ang pagpapahayag ay sa simula ay mas mahalaga kaysa sa kaalaman sa anatomy at ang kakayahang maghatid ng lakas ng tunog.

Ang Birhen at Bata. Encaustic na icon. VI siglo. Kyiv. Museo ng Sining. Bogdan at Varvara Khanenko.

Mga martir na sina Sergius at Bacchus. Encaustic na icon. ika-6 o ika-7 siglo. Monasteryo ng St. Catherine sa Sinai.

Para sa Ravenna - ang pinakamalaking grupo ng mga sinaunang Kristiyano at unang bahagi ng Byzantine na mga mosaic na nabubuhay hanggang sa kasalukuyan at mga mosaic ng ika-5 siglo (Mausoleum ng Galla Placidia, Orthodox Baptistery) ay nailalarawan sa pamamagitan ng masiglang mga anggulo ng mga pigura, naturalistikong pagmomodelo ng lakas ng tunog, at kaakit-akit na mosaic masonry. Sa mga mosaic mula sa huling bahagi ng ika-5 siglo (Arian Baptistery) at ika-6 na siglo (basilicasSant'Apollinare Nuovo At Sant'Apollinare sa Classe, Simbahan ng San Vitale ) ang mga figure ay nagiging flat, ang mga linya ng mga fold ng mga damit ay matibay, sketchy. Nag-freeze ang mga pose at kilos, halos mawala ang lalim ng espasyo. Ang mga mukha ay nawala ang kanilang matalim na sariling katangian, ang mosaic laying ay nagiging mahigpit na iniutos. Ang dahilan para sa mga pagbabagong ito ay isang naka-target na paghahanap para sa isang espesyal matalinghagang wika may kakayahang magpahayag ng turong Kristiyano.

Iconoclastic na panahon

Ang pag-unlad ng Kristiyanong sining ay nagambala ng iconoclasm, na itinatag ang sarili bilang opisyal na ideolohiya

imperyo mula noong 730. Naging sanhi ito ng pagkasira ng mga icon at painting sa mga simbahan. Pag-uusig sa mga sumasamba sa icon. Maraming mga pintor ng icon ang lumipat sa malalayong dulo ng Imperyo at mga kalapit na bansa - sa Cappadocia, Crimea, Italya, at bahagyang sa Gitnang Silangan, kung saan patuloy silang lumikha ng mga icon.

Ang pakikibaka na ito ay tumagal ng kabuuang mahigit 100 taon at nahahati sa dalawang yugto. Ang una ay mula 730 hanggang 787, nang maganap ang Seventh Ecumenical Council sa ilalim ni Empress Irina, na nagpanumbalik ng pagsamba sa mga icon at nagsiwalat ng dogma ng pagsamba na ito. Bagama't noong 787, sa Seventh Ecumenical Council, ang iconoclasm ay hinatulan bilang isang maling pananampalataya at ang teolohikong pagbibigay-katwiran para sa pagsamba sa icon ay nabuo, ang huling pagpapanumbalik ng pagsamba sa icon ay dumating lamang noong 843. Sa panahon ng iconoclasm, sa halip na mga icon sa mga simbahan, tanging mga imahe ng krus ang ginamit, sa halip na mga lumang kuwadro na gawa, ang mga pandekorasyon na larawan ng mga halaman at hayop ay ginawa, ang mga sekular na eksena ay inilalarawan, lalo na, karera ng kabayo, na minamahal ni Emperador Constantine V. .

Panahon ng Macedonian

Matapos ang huling tagumpay laban sa maling pananampalataya ng iconoclasm noong 843, nagsimula muli ang paglikha ng mga kuwadro na gawa at mga icon para sa mga templo ng Constantinople at iba pang mga lungsod. Mula 867 hanggang 1056, ang Byzantium ay pinamumunuan ng dinastiyang Macedonian, na nagbigay ng pangalan nito
ang buong panahon, na nahahati sa dalawang yugto:

Macedonian "Renaissance"

Inihandog ni Apostol Thaddeus si Haring Abgar ng Larawan ni Kristo na hindi ginawa ng mga kamay. Natitiklop na sintas. ika-10 siglo

Tinanggap ni Haring Abgar ang Larawan ni Kristo na Hindi Ginawa ng mga Kamay. Natitiklop na sintas. ika-10 siglo

Ang unang kalahati ng panahon ng Macedonian ay nailalarawan sa pamamagitan ng pagtaas ng interes sa klasikal na sinaunang pamana. Ang mga gawa sa panahong ito ay nakikilala sa pamamagitan ng kanilang pagiging natural sa paglalarawan ng katawan ng tao, lambot sa paglalarawan ng mga kurtina, at kasiglahan sa mga mukha. Ang mga matingkad na halimbawa ng klasikal na sining ay: ang mosaic ni Sophia ng Constantinople na may imahe ng Ina ng Diyos sa trono (kalagitnaan ng ika-9 na siglo), isang natitiklop na icon mula sa monasteryo ng St. Catherine sa Sinai na may larawan nina Apostol Thaddeus at Haring Abgar na tumatanggap ng isang plato Isang mahimalang larawan Tagapagligtas (kalagitnaan ng ika-10 siglo).

Sa ikalawang kalahati ng ika-10 siglo, ang pagpipinta ng icon ay nagpapanatili ng mga klasikal na tampok, ngunit ang mga pintor ng icon ay naghahanap ng mga paraan upang bigyan ang mga larawan ng higit na espirituwalidad.

Ascetic na istilo

Sa unang kalahati ng ika-11 siglo, ang estilo ng pagpipinta ng icon ng Byzantine ay nagbago nang husto sa direksyon na kabaligtaran sa mga sinaunang klasiko. Mula sa oras na ito, maraming malalaking ensemble ng monumental na pagpipinta ang napanatili: mga fresco ng simbahan ng Panagia ton Chalkeon sa Thessaloniki mula 1028, mga mosaic ng katholikon ng monasteryo ng Hosios Loukas sa Phokis 30-40. XI siglo, mosaic at frescoes ng Sophia ng Kyiv ng parehong oras, frescoes ng Sophia ng Ohrid mula sa gitna - 3 quarters ng ika-11 siglo, mosaic ng Nea Moni sa isla ng Chios 1042-56. at iba pa.

Archdeacon Lavrenty. Mosaic ng St. Sophia Cathedral sa Kyiv. XI siglo.

Ang lahat ng mga nakalistang monumento ay nailalarawan sa pamamagitan ng isang matinding antas ng asetisismo ng mga imahe. Ang mga imahe ay ganap na walang anumang pansamantala at nababago. Ang mga mukha ay walang anumang mga damdamin o emosyon; sila ay labis na nagyelo, na naghahatid ng panloob na kalmado ng mga inilalarawan. Para sa kadahilanang ito, binibigyang-diin ang malalaking simetriko na mga mata na may hiwalay, hindi gumagalaw na tingin. Ang mga numero ay nag-freeze sa mahigpit na tinukoy na mga pose at madalas na nakakakuha ng squat, mabigat na sukat. Ang mga kamay at paa ay nagiging mabigat at magaspang. Ang pagmomodelo ng mga fold ng damit ay inilarawan sa pangkinaugalian, nagiging napaka-graphic, kundi kondisyon lamang na nagdadala ng mga natural na anyo. Ang liwanag sa pagmomodelo ay nakakakuha ng supernatural na liwanag, na nagdadala ng simbolikong kahulugan ng Banal na Liwanag.

Ang istilong trend na ito ay may kasamang double-sided na icon ng Mother of God Hodegetria na may perpektong napreserbang imahe ng Great Martyr George sa kabaligtaran (XI century, sa Assumption Cathedral ng Moscow Kremlin), pati na rin ang maraming mga miniature ng libro. Ang ascetic trend sa pagpipinta ng icon ay patuloy na umiral nang maglaon, na lumitaw noong ika-12 siglo. Ang isang halimbawa ay ang dalawang icon ng Our Lady Hodegetria sa Hilandar Monastery sa Mount Athos at sa Greek Patriarchate sa Istanbul.

Panahon ng Komnenian

Vladimir Icon ng Ina ng Diyos. Simula ng ika-12 siglo. Constantinople.

Ang susunod na panahon sa kasaysayan ng pagpipinta ng icon ng Byzantine ay bumagsak sa paghahari ng mga dinastiya ng Douk, Comneni at Mga Anghel (1059-1204). Sa pangkalahatan ito ay tinatawag na Komninian. Sa ikalawang kalahati ng ika-11 siglo, muling pinalitan ang asetisismo ng
klasikong hugis at maayos na imahe. Ang mga gawa sa panahong ito (halimbawa, ang mga mosaic ni Daphne noong 1100) ay nakakamit ng balanse sa pagitan ng klasikal na anyo at espirituwalidad ng imahe, ang mga ito ay matikas at patula.

Ang paglikha ng Vladimir Icon ng Ina ng Diyos (TG) ay nagsimula noong katapusan ng ika-11 siglo o simula ng ika-12 siglo. Isa ito sa pinakamagandang larawan ng panahon ng Comnenian, walang alinlangan mula sa Constantinople. Noong 1131-32 ang icon ay dinala sa Rus', kung saan
naging lalo na iginagalang. Mula sa orihinal na pagpipinta, tanging ang mga mukha lamang ng Ina ng Diyos at ng Bata ang napanatili. Maganda, puno ng banayad na kalungkutan para sa pagdurusa ng Anak, ang mukha ng Ina ng Diyos ay isang katangian na halimbawa ng mas bukas at makataong sining ng panahon ng Comnenian. Kasabay nito, sa kanyang halimbawa ay makikita ang mga katangian ng physiognomic na pagpipinta ng Komninian: isang pinahabang mukha, singkit na mata, isang manipis na ilong na may tatsulok na hukay sa tulay ng ilong.

Saint Gregory the Wonderworker. Icon. XII siglo. Hermitage Museum.

Kristo Pantocrator ang Maawain. Icon ng mosaic. XII siglo.

Ang mosaic icon na "Christ Pantocrator the Merciful" mula sa State Museums Dahlem sa Berlin ay itinayo noong unang kalahati ng ika-12 siglo. Ito ay nagpapahayag ng panloob at panlabas na pagkakaisa ng imahe, konsentrasyon at pagmumuni-muni, ang Banal at tao sa Tagapagligtas.

Pagpapahayag. Icon. Katapusan ng ika-12 siglo Sinai.

Sa ikalawang kalahati ng ika-12 siglo, ang icon na "Gregory the Wonderworker" ay nilikha mula sa Estado. Ermita. Ang icon ay nakikilala sa pamamagitan ng kahanga-hangang script ng Constantinople. Sa imahe ng santo, ang indibidwal na prinsipyo ay lalo na mahigpit na binibigyang diin; sa harap natin ay, parang isang larawan ng isang pilosopo.

Comnenian mannerism

Pagpapako kay Kristo sa krus na may mga larawan ng mga banal sa gilid. Icon ng ikalawang kalahati ng ika-12 siglo.

Bilang karagdagan sa klasikal na direksyon, lumitaw ang iba pang mga uso sa pagpipinta ng icon noong ika-12 siglo, na may posibilidad na makagambala sa balanse at pagkakaisa sa direksyon ng higit na espirituwalisasyon ng imahe. Sa ilang mga kaso, ito ay nakamit sa pamamagitan ng pagtaas ng pagpapahayag ng pagpipinta (ang pinakamaagang halimbawa ay ang mga fresco ng Church of St. Panteleimon sa Nerezi mula 1164, ang mga icon na "Descent into Hell" at "Assumption" ng huling bahagi ng ika-12 siglo mula sa monasteryo ng St. Catherine sa Sinai).

Sa pinakabagong mga gawa ng ika-12 siglo, ang linear stylization ng imahe ay lubos na pinahusay. At ang mga draperies ng mga damit at maging ang mga mukha ay natatakpan ng isang network ng maliwanag na mga linya ng whitewash, na gumaganap ng isang mapagpasyang papel sa pagbuo ng form. Dito, tulad ng dati, ang liwanag ay may pinakamahalagang simbolikong kahulugan. Ang mga proporsyon ng mga figure ay inilarawan sa pangkinaugalian, nagiging labis na pinahaba at manipis. Naabot ng estilisasyon ang pinakamataas na pagpapakita nito sa tinatawag na late Comnenian mannerism. Pangunahing tumutukoy ang terminong ito sa mga fresco ng Church of St. George sa Kurbinovo, pati na rin ang isang bilang ng mga icon, halimbawa, ang "Annunciation" ng huling bahagi ng ika-12 siglo mula sa koleksyon sa Sinai. Sa mga kuwadro na ito at mga icon, ang mga figure ay pinagkalooban ng matalim at mabilis na paggalaw, ang mga fold ng damit ay kulot na masalimuot, at ang mga mukha ay may baluktot, partikular na nagpapahayag ng mga tampok.

Sa Russia mayroon ding mga halimbawa ng istilong ito, halimbawa, ang mga fresco ng Church of St. George sa Staraya Ladoga at ang kabaligtaran ng icon na "Savior Not Made by Hands," na naglalarawan ng pagsamba sa mga anghel sa Krus (Tretyakov Gallery).

XIII siglo

Ang pag-usbong ng pagpipinta ng icon at iba pang sining ay naantala ng malagim na trahedya noong 1204. Sa taong ito, ang mga kabalyero ng Ika-apat na Krusada ay nakuha at labis na sinamsam ang Constantinople. Sa loob ng higit sa kalahating siglo, ang Byzantine Empire ay umiral lamang sa bilang tatlo magkahiwalay na estado na may mga sentro sa Nicaea, Trebizond at Epirus. Ang Latin Crusader Empire ay nabuo sa paligid ng Constantinople. Sa kabila nito, patuloy na umunlad ang pagpipinta ng icon. Ang ika-13 siglo ay minarkahan ng ilang mahahalagang phenomena na pangkakanyahan.

San Panteleimon sa kanyang buhay. Icon. XIII siglo. Monastery ng St. Catherine sa Sinai.

Kristo Pantocrator. Icon mula sa monasteryo ng Hilandar. 1260s

Sa pagliko ng ika-12-13 siglo, isang makabuluhang pagbabago sa istilo ang naganap sa sining ng buong mundo ng Byzantine. Karaniwan, ang kababalaghang ito ay tinatawag na "sining sa paligid ng 1200." Ang linear stylization at expression sa pagpipinta ng icon ay pinalitan ng kalmado at monumentalismo. Ang mga imahe ay nagiging malaki, static, na may malinaw na silweta at isang sculptural, plastic form. Ang isang napaka-katangian na halimbawa ng istilong ito ay ang mga fresco sa monasteryo ng St. John the Evangelist sa isla ng Patmos. SA simula ng XIII siglo mayroong isang bilang ng mga icon mula sa monasteryo ng St. Catherine sa Sinai: "Christ Pantocrator", mosaic "Our Lady Hodegetria", "Arkanghel Michael" mula sa Deesis, "St. Theodore Stratilates at Demetrius ng Thessalonica." Lahat sila ay nagpapakita ng mga tampok ng isang bagong direksyon, na ginagawang iba sa mga larawan ng istilong Comnenian.

Kasabay nito, lumitaw ang isang bagong uri ng iconograpiya. Kung ang mga naunang eksena ng buhay ng isang partikular na santo ay maaaring ilarawan sa mga ilustradong Minologies, sa mga epistyle (mahabang pahalang na icon para sa mga hadlang sa altar), sa mga pintuan ng natitiklop na triptych, ngayon ay nagsimulang maglagay ng mga eksena ng buhay (“mga selyo”) sa kahabaan ng perimeter ng gitna ng icon, kung saan
ang santo mismo ay inilalarawan. Ang mga hagiographic na icon ng St. Catherine (full-length) at St. Nicholas (waist-length) ay napanatili sa koleksyon sa Sinai.

Sa ikalawang kalahati ng ika-13 siglo, ang mga klasikal na ideyal ay nangingibabaw sa pagpipinta ng icon. Sa mga icon ni Kristo at ang Ina ng Diyos mula sa monasteryo ng Hilandar sa Mount Athos (1260s) mayroong isang regular, klasikal na anyo, ang pagpipinta ay kumplikado, nuanced at maayos. Walang tensyon sa mga larawan. Sa kabaligtaran, ang buhay at konkretong tingin ni Kristo ay kalmado at magiliw. Sa mga icon na ito, nilapitan ng sining ng Byzantine ang pinakamataas na posibleng antas ng kalapitan ng Banal sa tao. Noong 1280-90 Ang sining ay patuloy na sumunod sa klasikal na oryentasyon, ngunit sa parehong oras, isang espesyal na monumentalidad, kapangyarihan at diin ng mga diskarte ang lumitaw dito. Ang mga larawan ay nagpakita ng mga kabayanihan. Gayunpaman, dahil sa labis na intensity, medyo nabawasan ang pagkakaisa. Ang isang kapansin-pansing halimbawa ng pagpipinta ng icon mula sa huling bahagi ng ika-13 siglo ay ang "Matthew the Evangelist" mula sa icon gallery sa Ohrid.

Mga workshop ng Crusader

Ang isang espesyal na kababalaghan sa pagpipinta ng icon ay ang mga workshop na ginawa sa silangan ng mga crusaders. Pinagsama nila ang mga katangian ng European (Romanesque) at sining ng Byzantine. Dito, pinagtibay ng mga artista sa Kanluran ang mga pamamaraan ng pagsulat ng Byzantine, at ang mga Byzantine ay nagsagawa ng mga icon na malapit sa panlasa ng mga crusaders na nag-utos sa kanila. Ang resulta
ang resulta ay isang kawili-wiling pagsasanib ng dalawang magkaibang tradisyon, na magkakaugnay sa iba't ibang paraan sa bawat indibidwal na gawain (halimbawa, ang mga fresco ng Cypriot Church of Antiphonitis). Ang mga pagawaan ng Crusader ay umiral sa Jerusalem, Acre,
sa Cyprus at Sinai.

Panahon ng Palaiologan

Ang tagapagtatag ng huling dinastiya ng Byzantine Empire, si Michael VIII Palaiologos, ay nagbalik ng Constantinople sa mga kamay ng mga Griyego noong 1261. Ang kanyang kahalili sa trono ay si Andronikos II (naghari noong 1282-1328). Sa korte ng Andronikos II, ang katangi-tanging sining ay umunlad nang kahanga-hanga, na tumutugma sa kultura ng korte ng silid, na nailalarawan sa pamamagitan ng mahusay na edukasyon at isang pagtaas ng interes sa sinaunang panitikan at sining.

Palaiologan Renaissance- ito ang karaniwang tinatawag na phenomenon sa sining ng Byzantine noong unang quarter ng ika-14 na siglo.

Theodore Stratilates» sa pulong ng State Assembly. Ang mga imahe sa naturang mga icon ay hindi pangkaraniwang maganda at humanga sa maliit na katangian ng trabaho. Ang mga imahe ay alinman sa kalmado,
walang sikolohikal o espirituwal na lalim, o, sa kabaligtaran, matalas na katangian, na parang portraiture. Ito ang mga imahe sa icon na may apat na santo, na matatagpuan din sa Ermita.

Maraming mga icon na ipininta sa karaniwang tempera technique ang nakaligtas din. Lahat sila ay magkakaiba, ang mga imahe ay hindi na paulit-ulit, na sumasalamin sa iba't ibang mga katangian at estado. Kaya sa icon na "Our Lady of Psychosostria (Soul Savior)" mula sa Ohridang katigasan at lakas ay ipinahayag sa icon na "Our Lady Hodegetria" mula sa Byzantine Museum sa Tesalonica sa kabaligtaran, liriko at lambing ang ipinaparating. Sa likod ng "Our Lady of Psychosostria" ang "Annunciation" ay inilalarawan, at sa ipinares na icon ng Tagapagligtas sa likod ay nakasulat ang "The Crucifixion of Christ", na maantig na naghahatid ng sakit at kalungkutan na napagtagumpayan ng kapangyarihan ng espiritu. . Ang isa pang obra maestra ng panahon ay ang icon na "The Twelve Apostles" mula sa koleksyonMuseo ng Fine Arts. Pushkin. Sa loob nito, ang mga imahe ng mga apostol ay pinagkalooban ng isang maliwanag na indibidwal na tila tinitingnan natin ang isang larawan ng mga siyentipiko, pilosopo, istoryador, makata, philologist, at humanist na nabuhay noong mga taong iyon sa korte ng imperyal.

Ang lahat ng mga icon na ito ay nailalarawan sa pamamagitan ng hindi nagkakamali na mga proporsyon, nababaluktot na paggalaw, kahanga-hangang pose ng mga figure, matatag na pose at madaling basahin, tumpak na mga komposisyon. Mayroong isang sandali ng libangan, konkreto ng sitwasyon at ang pagkakaroon ng mga character sa espasyo, ang kanilang komunikasyon.

Ang mga katulad na tampok ay malinaw ding ipinakita sa monumental na pagpipinta. Ngunit dito dinala lalo na ang panahon ng Paleologian
maraming inobasyon sa larangan ng iconography. Maraming mga bagong balangkas at pinalawak na mga siklo ng pagsasalaysay ang lumitaw, at ang mga programa ay naging mayaman sa kumplikadong simbolismo na nauugnay sa interpretasyon ng Banal na Kasulatan at mga liturhikal na teksto. Ang mga kumplikadong simbolo at maging ang mga alegorya ay nagsimulang gamitin. Sa Constantinople, dalawang ensembles ng mosaic at frescoes mula sa mga unang dekada ng ika-14 na siglo ang napanatili - sa monasteryo ng Pommakarystos (Fitie-jami) at monasteryo ng Chora (Kahrie-jami). Sa paglalarawan ng iba't ibang mga eksena mula sa buhay ng Ina ng Diyos at mula sa Ebanghelyo, lumitaw ang dating hindi kilalang teatro,
mga detalye ng pagsasalaysay, kalidad ng panitikan.

Varlaam, na dumating sa Constantinople mula sa Calabria sa Italya, at Gregory Palama- scientist-monghe na may Athos . Si Varlaam ay pinalaki sa isang kapaligirang Europeo at malaki ang pagkakaiba kay Gregory Palamas at sa mga monghe ng Athonite sa usapin ng espirituwal na buhay at panalangin. Sa panimula nila ay naiiba ang pagkaunawa sa mga gawain at kakayahan ng tao sa pakikipag-usap sa Diyos. Si Varlaam ay sumunod sa panig ng humanismo at itinanggi ang posibilidad ng anumang mystical na koneksyon sa pagitan ng tao at Diyos . Samakatuwid, tinanggihan niya ang kasanayan na umiiral sa Athos hesychasm - ang sinaunang Silangang Kristiyanong tradisyon ng panalangin. Naniniwala ang mga monghe ng Athonite na nang manalangin sila, nakita nila ang Banal na liwanag - iyon
ang pinakamaraming nakita mo ang mga apostol sa Bundok Tabor sa sandaling ito Pagbabagong-anyo ng Panginoon. Ang liwanag na ito (tinatawag na Favorian) ay naunawaan bilang isang nakikitang pagpapakita ng hindi nilikha na Banal na enerhiya, na tumatagos sa buong mundo, na nagbabago sa isang tao at nagpapahintulot sa kanya na makipag-usap sa Diyos. Para kay Varlaam, ang liwanag na ito ay maaaring magkaroon ng eksklusibong nilikhang karakter, at hindi
Maaaring walang direktang komunikasyon sa Diyos at walang pagbabagong-anyo ng tao sa pamamagitan ng Banal na enerhiya. Ipinagtanggol ni Gregory Palamas ang hesychasm bilang orihinal Pagtuturo ng Orthodox tungkol sa kaligtasan ng tao. Natapos ang alitan sa pagkapanalo ni Gregory Palamas. Sa katedral sa
Constantinople noong 1352, kinilala ang hesychasm bilang totoo, at ang mga Banal na enerhiya bilang hindi nilikha, iyon ay, mga pagpapakita ng Diyos mismo sa nilikhang mundo.
Ang mga icon ng oras ng kontrobersya ay nailalarawan sa pamamagitan ng pag-igting sa imahe, at sa mga artistikong termino, isang kakulangan ng pagkakaisa, na kamakailan lamang ay naging napakapopular sa katangi-tanging sining ng korte. Ang isang halimbawa ng isang icon mula sa panahong ito ay ang kalahating haba Larawan ng Deesis ni Juan Bautista mula sa koleksyon ng Ermita.

(Sa kabila ng katotohanan na patuloy silang nagkomento sa ikaanim na kabanata, at nagkomento ng mabuti, nagsisimula akong mag-post ng ikapitong).

Estilo sa pagpipinta ng icon

Kaya, sapat na bang sundin - kahit na hindi mapag-aalinlanganan, walang kamali-mali - ang iconographic na canon para maging isang icon ang isang imahe? O may iba pang pamantayan? Para sa ilang mga rigorists, na may magaan na kamay ng mga sikat na may-akda ng ikadalawampu siglo, ang estilo ay isang pamantayan.

Sa pang-araw-araw, philistine na pag-unawa, ang estilo ay nalilito lamang sa canon. Upang hindi na bumalik sa isyung ito muli, ulitin namin iyon ang iconographic canon ay ang purong pampanitikan, nominal na bahagi ng imahe : sino, sa anong pananamit, setting, aksyon ang dapat na kinakatawan sa icon - kaya, theoretically, kahit na isang larawan ng mga costume na extra sa mga sikat na setting ay maaaring maging walang kamali-mali mula sa punto ng view ng iconography. Ang istilo ay isang sistema ng masining na pananaw ng mundo na ganap na independyente sa paksa ng imahe. , panloob na magkakasuwato at nagkakaisa, ang prisma na iyon kung saan ang artista - at pagkatapos niya ang manonood - ay tumitingin sa lahat - maging ito ay isang magandang larawan ng Huling Paghuhukom o ang pinakamaliit na tangkay ng damo, isang bahay, isang bato, isang tao at bawat buhok sa ulo ng taong ito. Makilala indibidwal na istilo ang pintor (mayroong walang katapusan na maraming gayong mga estilo, o asal, at bawat isa sa kanila ay natatangi, bilang isang pagpapahayag ng isang natatanging kaluluwa ng tao) - at estilo sa isang mas malawak na kahulugan, na nagpapahayag ng diwa ng isang panahon, bansa, paaralan. Sa kabanatang ito ay gagamitin lamang natin ang terminong "estilo" sa pangalawang kahulugan.

Kaya, mayroong isang opinyon

na parang ang mga ipininta lamang sa tinatawag na "estilo ng Byzantine" ay isang tunay na icon. Ang istilong "akademiko" o "Italyano", na sa Russia ay tinawag na "Fryazhsky" noong transisyonal na panahon, ay diumano'y isang bulok na produkto ng huwad na teolohiya ng Kanluraning Simbahan, at ang isang akdang nakasulat sa istilong ito ay hindi umano isang tunay na icon. , hindi lang isang icon .

Dome ng Katedral ng St. Sofia sa Kiev, 1046

V.A. Vasnetsov. Sketch ng pagpipinta ng simboryo ng Vladimir Cathedral sa Kyiv. 1896.

Ang pananaw na ito ay mali na dahil ang icon bilang isang kababalaghan ay pangunahing pag-aari ng Simbahan, habang ang Simbahan ay walang pasubali na kinikilala ang icon sa akademikong istilo. At kinikilala nito hindi lamang sa antas ng pang-araw-araw na pagsasanay, ang mga panlasa at kagustuhan ng mga ordinaryong parokyano (dito, tulad ng alam, maling akala, nakatanim na masamang gawi, at mga pamahiin ay maaaring maganap). Ang mga dakilang santo ay nanalangin sa harap ng mga icon na ipininta sa istilong "akademiko". VIII - XX siglo, ang mga monastic workshop ay nagtrabaho sa istilong ito, kabilang ang mga workshop ng mga natitirang espirituwal na sentro tulad ng Valaam o ang mga monasteryo ng Athos. Ang pinakamataas na hierarchs ng Russian Orthodox Church ay nag-order ng mga icon mula sa mga akademikong artista. Ang ilan sa mga icon na ito, halimbawa, ang mga gawa ni Viktor Vasnetsov, ay nananatiling kilala at minamahal ng mga tao sa ilang henerasyon, nang hindi sumasalungat sa lumalaking Kamakailan lamang ang katanyagan ng istilong "Byzantine". Metropolitan Anthony Khrapovitsky noong 30s. tinatawag na V. Vasnetsov at M. Nesterov na mga pambansang henyo ng pagpipinta ng icon, mga exponents ng katedral, katutubong sining, isang namumukod-tanging kababalaghan sa lahat ng mga Kristiyanong tao na, sa kanyang palagay, noong panahong iyon ay walang iconograpiya sa tunay na kahulugan ng salita.

Ang pagkakaroon ng itinuro ang walang alinlangan na pagkilala sa hindi-Byzantine na istilo ng pagpipinta ng icon ng Orthodox Church, gayunpaman, hindi tayo maaaring masiyahan dito. Ang opinyon tungkol sa kaibahan sa pagitan ng mga istilong "Byzantine" at "Italian", tungkol sa espiritwalidad ng una at ang kakulangan ng espiritwalidad ng pangalawa, ay masyadong laganap upang hindi na isaalang-alang. Ngunit tandaan natin na ang opinyong ito, sa unang tingin ay makatwiran, sa katunayan ay isang arbitraryong katha. Hindi lamang ang konklusyon mismo, kundi pati na rin ang mga lugar nito ay lubos na kaduda-dudang. Ang mismong mga konseptong ito, na inilalagay namin sa mga panipi dito para sa isang kadahilanan, "Byzantine" at "Italian", o istilong pang-akademiko, ay mga kumbensiyonal at artipisyal na konsepto. Binabalewala sila ng simbahan, hindi rin alam ng siyentipikong kasaysayan at teorya ng sining ang gayong pinasimple na dichotomy (umaasa kami na hindi na kailangang ipaliwanag na ang mga terminong ito ay hindi nagdadala ng anumang teritoryal-historikal na nilalaman). Ginagamit lamang ang mga ito sa konteksto ng polemics sa pagitan ng mga partisan ng una at pangalawa. At dito tayo ay pinilit na tukuyin ang mga konsepto na mahalagang walang kapararakan para sa atin - ngunit, sa kasamaang-palad, ay matatag na nakabaon sa kamalayang philistine. Sa itaas ay marami na tayong napag-usapan " pangalawang palatandaan"ng itinuturing na "estilo ng Byzantine", ngunit ang tunay na paghahati sa pagitan ng mga "estilo", siyempre, ay nasa ibang lugar. Ang kathang-isip at madaling natutunaw na pagsalungat na ito para sa mga semi-educated na tao ay bumaba sa sumusunod na primitive na pormula: ang istilo ng akademiko ay kapag ito ay "mukhang" mula sa kalikasan (o sa halip, ang tagapagtatag ng "teolohiya ng icon" na si L. Uspensky ay nag-iisip na ito ay mukhang tulad ng), at estilo ng Byzantine - kapag ito ay "hindi kamukha" (ayon sa opinyon ng parehong Uspensky). Totoo, ang kilalang "teologo ng icon" ay hindi nagbibigay ng mga kahulugan sa isang direktang anyo - tulad ng, sa katunayan, sa anumang iba pang anyo. Ang kanyang aklat ay isang magandang halimbawa kumpletong kawalan metodolohiya at ganap na boluntaryo sa terminolohiya. Walang lugar sa lahat para sa mga kahulugan at pangunahing mga probisyon sa pangunahing gawaing ito; ang mga konklusyon ay agad na inilatag sa talahanayan, interspersed na may preventive kicks sa mga hindi sanay na sumang-ayon sa mga konklusyon mula sa wala. Kaya't ang mga pormula na "katulad - akademiko - hindi espirituwal" at "hindi magkatulad - Byzantine - espirituwal" ay wala kahit saan ipinakita ni Uspensky sa kanilang kaakit-akit na kahubaran, ngunit unti-unting ipinakita sa mambabasa sa maliliit na natutunaw na mga dosis na may hitsura na ito ay mga axiom na nilagdaan ng mga ama. ng pitong Ecumenical Councils- Ito ay hindi para sa wala na ang libro mismo ay tinatawag - hindi bababa sa - "Theology of the Icon of the Orthodox Church." Upang maging patas, idinagdag namin na ang orihinal na pamagat ng aklat ay mas katamtaman at isinalin mula sa Pranses bilang "Theology of the Icon V Simbahang Ortodokso,” ang maliit na pang-ukol na ito na “sa” ay nawala sa isang lugar sa edisyong Ruso, na maganda ang pagkakakilanlan ng Simbahang Ortodokso na nag-drop sa mataas na paaralan nang walang edukasyong teolohiko.

Ngunit bumalik tayo sa tanong ng estilo. Tinatawag naming primitive at bulgar ang pagsalungat sa pagitan ng "Byzantine" at "Italian" dahil:

a) Ang ideya ng kung ano ang katulad ng kalikasan at kung ano ang hindi katulad nito ay lubhang kamag-anak. Kahit na para sa parehong tao, maaari itong magbago nang malaki sa paglipas ng panahon. Ang ibigay ang iyong sariling mga ideya tungkol sa pagkakatulad sa kalikasan ng ibang tao, at higit pa sa ibang mga panahon at bansa, ay higit pa sa walang muwang.

b) Sa makasagisag na sining ng anumang istilo at anumang panahon, ang imitasyon ng kalikasan ay hindi binubuo sa pasibo na pagkopya nito, ngunit sa mahusay na paglilipat ng malalalim na katangian nito, lohika at pagkakaisa ng nakikitang mundo, banayad na laro at pagkakaisa ng mga sulat na ating patuloy na nagmamasid sa Paglikha.

c) Samakatuwid, sa sikolohiya ng artistikong pagkamalikhain, sa pagtatasa ng madla, ang pagkakahawig sa kalikasan ay isang walang alinlangan na positibong kababalaghan. Sinisikap ito ng isang pintor na matino ang puso at isip, inaasahan ito ng manonood at kinikilala ito sa gawa ng co-creation.

d) Ang isang pagtatangka sa isang seryosong teolohiko na pagpapatunay ng kasamaan ng pagkakatulad sa kalikasan at ang pagpapala ng hindi pagkakatulad dito ay hahantong sa alinman sa isang lohikal na patay na dulo o sa maling pananampalataya. Tila, ito ang dahilan kung bakit walang gumawa ng ganoong pagtatangka sa ngayon.

Ngunit sa gawaing ito, gaya ng nabanggit sa itaas, umiiwas tayo sa pagsusuri sa teolohiya. Limitahan natin ang ating mga sarili sa pagpapakita lamang ng kamalian ng paghahati ng sagradong sining sa "fallen academic" at "spiritual Byzantine" mula sa pananaw ng kasaysayan at teorya ng sining.

Hindi mo kailangang maging isang mahusay na espesyalista upang mapansin ang mga sumusunod: ang mga sagradong larawan ng unang grupo ay kinabibilangan hindi lamang ang mga icon ng Vasnetsov at Nesterov, na nilapastangan ni Uspensky, kundi pati na rin ang mga icon ng Russian Baroque at Classicism, ganap na naiiba sa istilo, hindi banggitin ang lahat ng sagradong pagpipinta sa Kanlurang Europa - mula sa Maagang Renaissance hanggang Matangkad, mula Giotto hanggang Durer, mula Raphael hanggang Murillo, mula Rubens hanggang Ingres. Hindi maipahayag na kayamanan at lawak, buong panahon sa kasaysayan ng mundong Kristiyano, tumataas at bumabagsak na mga alon ng mahusay na mga estilo, pambansa at lokal na mga paaralan, mga pangalan ng mga dakilang masters, tungkol sa kung kaninong buhay, kabanalan, mystical na karanasan mayroon kaming data ng dokumentaryo na mas mayaman kaysa sa tungkol sa " tradisyonal” na mga pintor ng icon . Ang lahat ng walang katapusang estilistang pagkakaiba-iba na ito ay hindi maaaring bawasan sa isang sumasaklaw sa lahat at isang priori negatibong termino.

At ano ang walang pag-aalinlangan na tinatawag na "estilo ng Byzantine"? Dito ay nakatagpo tayo ng mas malupit, higit na labag sa batas na pagkakaisa sa ilalim ng isang termino ng halos dalawang libong taon ng kasaysayan ng pagpipinta ng simbahan, kasama ang lahat ng pagkakaiba-iba ng mga paaralan at ugali: mula sa sukdulan, pinaka-primitive na generalisasyon ng mga likas na anyo hanggang sa halos naturalistikong interpretasyon ng sila, mula sa matinding pagiging simple hanggang sa sukdulan, sinasadyang kumplikado, mula sa madamdamin na pagpapahayag hanggang sa pinaka malambot na lambing, mula sa pagiging direkta ng apostol hanggang sa manneristic na kasiyahan, mula sa mga dakilang master ng kahalagahan ng panahon hanggang sa mga artisan at maging mga baguhan. Alam (mula sa mga dokumento, at hindi mula sa di-makatwirang interpretasyon ng sinuman) ang lahat ng pagkakaiba-iba ng malaking layer na ito kulturang Kristiyano, wala tayong karapatang suriin ng priori ang lahat ng phenomena na akma sa kahulugan ng "estilo ng Byzantine" bilang tunay na eklesyastiko at lubos na espirituwal.

At, sa wakas, ano ang dapat nating gawin sa malaking bilang ng mga artistikong phenomena na ang istilo ay hindi kabilang sa isang partikular na kampo, ngunit matatagpuan sa hangganan sa pagitan nila, o, sa halip, sa kanilang pagsasama? Saan natin inilalagay ang mga icon nina Simon Ushakov, Kirill Ulanov at iba pang mga pintor ng icon ng kanilang lupon? Iconography ng western outskirts ng Russian Empire XVI - XVII siglo?

Hodegetria. Kirill Ulanov, 1721

Our Lady of Korsun. 1708 36.7 x 31.1 cm Pribadong koleksyon, Moscow. Inskripsyon sa kanang ibaba: "(1708) na isinulat ni Alexy Kvashnin"

"Kagalakan ng lahat na nagdadalamhati" Ukraine, ika-17 siglo.

St. Mga Dakilang Martir na sina Barbara at Catherine. Ika-18 siglo Pambansang Museo ng Ukraine

Mga gawa ng mga artista ng paaralan ng Cretan XV - XVII siglo, isang tanyag na kanlungan sa mundo para sa mga manggagawang Ortodokso na tumatakas sa mga mananakop na Turko? Ang kababalaghan ng paaralan ng Cretan lamang, sa pamamagitan ng mismong pag-iral nito, ay pinabulaanan ang lahat ng mga haka-haka na sumasalungat sa maling paraan ng Kanluranin sa matuwid na Silangan. Isinasagawa ng mga Cretan ang mga utos ng Orthodox at mga Katoliko. Para sa dalawa, depende sa kondisyon,sa manieragreeca o sa maniera latina. Kadalasan mayroon silang, bilang karagdagan sa isang workshop sa Candia, isa pa sa Venice; Ang mga artistang Italyano ay nagmula sa Venice hanggang Crete - ang kanilang mga pangalan ay matatagpuan sa mga rehistro ng guild ng Candia. Ang parehong mga masters ay pinagkadalubhasaan ang parehong mga estilo at maaaring gumana nang halili sa isa o sa iba pa, tulad ng, halimbawa, Andreas Pavias, na nagpinta ng mga icon na "Greek" at "Latin" na may pantay na tagumpay sa parehong mga taon. Nangyari na ang mga komposisyon sa parehong mga estilo ay inilagay sa mga pintuan ng parehong fold - ito ang ginawa ni Nikolaos Ritsos at ng mga artista ng kanyang bilog. Ito ay nangyari na ang isang Greek master ay bumuo ng kanyang sariling espesyal na istilo, na nag-synthesize ng "Greek" at "Latin" na mga katangian, tulad ni Nikolaos Zafouris.

Andreas Ritsos. con. ika-15 siglo

Ang pag-alis sa Crete para sa mga monasteryo ng Ortodokso, napabuti ng mga candiot masters ang kanilang mga sarili sa tradisyong Griyego (Theofanis Strelitsas, may-akda ng mga icon at wall painting ng Meteora at ang Great Lavra sa Athos). Ang paglipat sa mga bansa sa Kanlurang Europa, nagtrabaho sila nang walang gaanong tagumpay sa tradisyon ng Latin, gayunpaman, patuloy na kinikilala ang kanilang sarili bilang Orthodox, Greeks, Candiots - at kahit na ipahiwatig ito sa mga lagda sa kanilang mga gawa. Ang pinakakapansin-pansing halimbawa ay ang Domenikos Theotokopoulos, na kalaunan ay tinawag na El Greco. Ang kanyang mga icon, na ipininta sa Crete, ay hindi maikakailang natutugunan ang pinakamahigpit na mga kinakailangan ng istilong "Byzantine", mga tradisyonal na materyales at teknolohiya, at iconographic na canonicity.

Ang kanyang mga kuwadro na gawa mula sa panahon ng Espanyol ay kilala sa lahat, at ang kanilang estilistang pagkakaugnay sa paaralan ng Kanlurang Europa ay walang alinlangan din.

Ngunit si Master Domenikos mismo ay hindi gumawa ng anumang mahalagang pagkakaiba sa pagitan ng dalawa. Palagi siyang pumirma sa Greek, pinapanatili niya ang karaniwang paraan ng pagtatrabaho ng Greek mula sa mga sample at nagulat sa mga customer na Espanyol sa pamamagitan ng pagpapakita ng mga ito - upang pasimplehin ang mga negosasyon - na may isang uri ng homemade iconographic na orihinal, karaniwang mga komposisyon ng mga pinakakaraniwang paksa na kanyang binuo.

Sa espesyal na heograpikal at pampulitikang mga kondisyon ng pagkakaroon ng paaralan ng Cretan, palagi itong nagpapakita ng sarili sa isang partikular na maliwanag at puro anyo. ang likas na pagkakaisa ng Kristiyanong sining sa pangunahing - at kapwa interes, kapwa pagpapayaman ng mga paaralan at kultura . Ang mga pagtatangka ng mga obscurantist na bigyang-kahulugan ang mga kababalaghang tulad ng teolohiko at moral na pagkabulok, bilang isang bagay na orihinal na hindi pangkaraniwan para sa pagpipinta ng icon ng Russia, ay hindi mapagkakatiwalaan mula sa alinman sa teolohiko o historikal-kultural na pananaw. Ang Russia ay hindi kailanman naging eksepsiyon sa panuntunang ito, at tiyak na sa kasaganaan at kalayaan ng mga contact ang utang nito sa pag-usbong ng pambansang pagpipinta ng icon.

Ngunit ano ang tungkol sa sikat na kontrobersya? XVII V. tungkol sa mga istilo ng pagpipinta ng icon? Ano, kung gayon, ang paghahati ng sining ng simbahang Ruso sa dalawang sangay: "tradisyonal na nagdadala ng espiritu" at "nahulog na Italianizing"? Hindi tayo maaaring pumikit sa mga sikat na ito (at masyadong naiintindihan)phenomena. Pag-uusapan natin ang tungkol sa mga ito - ngunit, hindi tulad ng mga sikat na icon na theologian sa Kanlurang Europa, hindi natin ituturing ang mga phenomena na ito ng isang espirituwal na kahulugan na wala sa kanila.

Ang "style debate" ay naganap sa mahirap na mga kondisyong pampulitika at laban sa background pagkakahati ng simbahan. Ang malinaw na kaibahan sa pagitan ng mga pinong gawa ng mga siglong gulang na pinakintab na istilo ng bansa at ang unang mahirap na pagtatangka na makabisado ang istilong "Italyano" ay nagbigay sa mga ideologo ng "banal na sinaunang panahon" ng isang malakas na sandata, na hindi sila mabagal sa paggamit. Ang katotohanan na ang tradisyonal na pagpipinta ng icon XVII V. hindi na nagtataglay ng lakas at sigla XV siglo, at, nagiging mas at mas nagyelo, lumilihis sa detalye at pagpapaganda, nagmartsa patungo sa Baroque sa sarili nitong paraan, mas pinili nilang huwag pansinin. Ang lahat ng kanilang mga arrow ay nakadirekta laban sa "lifelikeness" - ang terminong ito, na likha ni Archpriest Avvakum, ay, sa pamamagitan ng paraan, ay lubhang hindi maginhawa para sa mga kalaban nito, na nagmumungkahi bilang kabaligtaran ng isang uri ng "katulad ng kamatayan".

St. Matuwid na Grand Duke George
1645, Vladimir, Assumption Cathedral.

Solovki, ikalawang quarter ng ika-17 siglo.

Nevyansk, simula Ika-18 siglo

St. Venerable Nifont
pagliko ng ika-17-18 siglo Permian,
Galerya ng sining

Shuya Icon ng Ina ng Diyos
Fyodor Fedotov 1764
Isakovo, Museo ng mga Icon ng Ina ng Diyos

Hindi kami mag-quote sa aming buod ang mga argumento ng magkabilang panig, hindi palaging lohikal at theologically justified. Hindi namin ito isasailalim sa pagsusuri - lalo na't umiiral na ang mga ganitong gawain. Ngunit dapat pa rin nating tandaan na dahil hindi natin sineseryoso ang teolohiya ng schism ng Russia, hindi tayo obligadong makita ang hindi mapag-aalinlanganang katotohanan sa schismatic na "theology of the icon." At higit pa rito, hindi tayo obligadong makita ang hindi mapag-aalinlanganang katotohanan sa mababaw, kampi at diborsiyado mula sa mga katha ng kulturang Ruso tungkol sa icon, na laganap pa rin sa Kanlurang Europa. Ang mga nais na ulitin ang madaling natutunaw na mga incantation tungkol sa mga istilo ng "espirituwal na Byzantine" at "nahulog na akademiko" ay makabubuting basahin ang mga gawa ng mga tunay na propesyonal na nabuhay sa kanilang buong buhay sa Russia, kung saan ang mga kamay ng libu-libong sinaunang mga icon ay dumaan - F. I. Buslaev, N. V. Pokrovsky, N. P. Kondakova. Nakita nilang lahat ang salungatan sa pagitan ng "lumang ugali" at "kabuhayan" nang mas malalim at matino, at hindi sila mga partisan nina Avvakum at Ivan Pleshkovich, kasama ang kanilang "gross split at ignorante Old Belief". Lahat sila ay nanindigan para sa kasiningan, propesyonalismo at kagandahan sa pagpipinta ng icon at tinuligsa ang bangkay, murang handicraft, katangahan at obscurantism, kahit na sa pinakadalisay na "estilo ng Byzantine".

Ang mga layunin ng aming pananaliksik ay hindi nagpapahintulot sa amin na manatili sa kontrobersya nang matagal XVII V. sa pagitan ng mga kinatawan at ideologist ng dalawang direksyon sa sining ng simbahan ng Russia. Lumiko tayo sa mga bunga ng mga direksyong ito. Ang isa sa kanila ay hindi nagpataw ng anumang mga estilistang paghihigpit sa mga artist at self-regulated sa pamamagitan ng mga order at kasunod na pagkilala o hindi pagkilala sa mga icon ng klero at layko, ang isa, konserbatibo, sa unang pagkakataon sa kasaysayan ay sinubukang magreseta sa mga pintor ng icon. estilo ng sining, ang pinaka banayad, malalim na personal na instrumento ng kaalaman sa Diyos at sa nilikhang mundo.

Ang sagradong sining ng una, pangunahing direksyon, na malapit na nauugnay sa buhay at kultura ng mga taong Orthodox, ay sumailalim sa isang tiyak na panahon ng reorientation at, medyo nagbago ng mga teknikal na pamamaraan, mga ideya tungkol sa kombensiyon at pagiging totoo, ang sistema ng spatial constructions, nagpatuloy. sa pinakamahuhusay na kinatawan nito ang sagradong misyon ng kaalaman sa Diyos sa mga larawan. Ang kaalaman sa Diyos ay tunay na tapat at responsable, hindi pinapayagan ang personalidad ng artista na magtago sa ilalim ng maskara ng panlabas na istilo.

At kung ano ang nangyari sa oras na ito, mula sa dulo XVII hanggang XX c., na may "tradisyonal" na pagpipinta ng icon? Inilalagay namin ang salitang ito sa mga panipi dahil sa katotohanan ang hindi pangkaraniwang bagay na ito hindi sa lahat ng tradisyonal, ngunit hindi pa nagagawa: hanggang ngayon estilo ng pagpipinta ng icon ay kasabay nito ay isang makasaysayang istilo, isang buhay na pagpapahayag ng espirituwal na kakanyahan ng panahon at bansa, at ngayon lamang ang isa sa mga istilong ito ay nagyelo sa kawalang-kilos at idineklara ang sarili na ang tanging totoo.

St. Reverend Evdokia
Nevyansk, Ivan Chernobrovin, 1858

Nevyansk, 1894
(lahat ng mga icon ng Old Believer para sa pag-post na ito ay kinuha )

Ang pagpapalit na ito ng isang buhay na pagsisikap na makipag-usap sa Diyos sa pamamagitan ng isang iresponsableng pag-uulit ng mga kilalang formula ay makabuluhang nagpababa sa antas ng pagpipinta ng icon sa "tradisyonal na paraan." Ang average na "tradisyonal" na icon ng panahong ito, sa kanyang artistikong at espirituwal na nagpapahayag na mga katangian, ay makabuluhang mas mababa hindi lamang sa mga icon ng mga naunang panahon, kundi pati na rin ang mga kontemporaryong icon na ipininta sa isang akademikong paraan - dahil sa ang katunayan na kahit sinong may talento na artista ay hinahangad. upang makabisado ang akademikong paraan, nakikita sa loob nito ang isang perpektong instrumento para sa pag-unawa sa nakikita at di-nakikitang mundo, at sa mga diskarteng Byzantine - tanging pagkabagot at barbarismo. At hindi natin makikilala ang pag-unawa sa mga bagay na ito bilang malusog at tama, dahil ang pagkabagot at barbarismo na ito ay talagang likas sa "estilo ng Byzantine", na bumagsak sa mga kamay ng mga artisan, at ang huli, kahiya-hiyang kontribusyon nito sa kaban ng simbahan. Napakahalaga na ang napakakaunting mga master na may mataas na uri na "nahanap ang kanilang mga sarili" sa istilong ito na patay na sa kasaysayan ay hindi gumana para sa Simbahan. Ang mga kliyente ng gayong mga pintor ng icon (karaniwan ay Old Believers) ay para sa karamihan ay hindi mga monasteryo o simbahan ng parokya, ngunit mga indibidwal na amateur collector. Kaya, ang mismong layunin ng icon para sa pakikipag-usap sa Diyos at kaalaman sa Diyos ay naging pangalawa: sa pinakamaganda, ang gayong mahusay na ipininta na icon ay naging isang bagay ng paghanga, sa pinakamasama, isang bagay ng pamumuhunan at pagkuha. Ang kalapastanganang pagpapalit na ito ay binaluktot ang kahulugan at pagtitiyak ng mga gawa ng "makalumang" mga pintor ng icon. Tandaan natin ang makabuluhang terminong ito na may malinaw na lasa ng artificiality at pekeng. Ang malikhaing gawain, na minsan ay isang malalim na personal na paglilingkod sa Panginoon sa Simbahan at para sa Simbahan, ay dumanas ng pagkabulok, hanggang sa punto ng tahasang pagkakasala: mula sa isang mahuhusay na tagagaya hanggang sa isang mahuhusay na manghuhuwad ay isang hakbang.

Alalahanin natin ang klasikong kuwento ni N. A. Leskov na "The Sealed Angel." Isang sikat na master, sa halaga ng labis na pagsisikap at sakripisyo, na natagpuan ng komunidad ng Lumang Mananampalataya, na pinahahalagahan ang kanyang sagradong sining. na tahasang tumatangging madumihan ang kanyang mga kamay ng isang sekular na kaayusan ay lumalabas na, sa esensya, isang birtuoso na master ng pamemeke. Pininturahan niya ang isang icon na may magaan na puso, hindi upang italaga ito at ilagay ito sa isang simbahan para sa panalangin, ngunit pagkatapos, sa pamamagitan ng paggamit ng mga tusong pamamaraan upang takpan ang pagpipinta ng mga bitak, punasan ito ng mamantika na putik, upang gawing isang bagay. para sa pagpapalit. Kahit na ang mga bayani ni Leskov ay hindi mga ordinaryong manloloko, nais lamang nilang ibalik ang imaheng hindi makatarungang inagaw ng pulisya - posible bang ipalagay na ang birtuoso na kahusayan ng tagatulad ng sinaunang panahon ay nakuha niya nang eksklusibo sa saklaw ng naturang "matuwid na pandaraya" ? At ano ang tungkol sa mga masters ng Moscow mula sa parehong kuwento, na nagbebenta ng mga icon ng kahanga-hangang "antigong" trabaho sa mga mapanlinlang na probinsiya? Sa ilalim ng layer ng pinaka-pinong mga kulay ng mga icon na ito, ang mga demonyo ay natuklasan na iginuhit sa gesso, at ang mapang-uyam na nalinlang na mga probinsyano ay itinatapon ang "parang-impiyerno" na imahe sa luha... Sa susunod na araw ay ibabalik ito ng mga scammer at ibebenta muli sa isa pang biktima na handang magbayad ng anumang pera para sa "totoo", i.e. -isang sinaunang nakasulat na icon...

Ito ang malungkot ngunit hindi maiiwasang kapalaran ng isang istilo na hindi konektado sa personal na espirituwal at malikhaing karanasan ng pintor ng icon, isang istilong hiwalay sa aesthetics at kultura ng panahon nito. Dahil sa kultural na tradisyon, tinatawag namin ang mga icon hindi lamang ang mga gawa ng medieval masters, kung kanino ang kanilang estilo ay hindi stylization, ngunit isang worldview. Tinatawag namin ang mga icon na parehong murang mga imahe na walang pag-iisip na nakatatak ng mga pangkaraniwan na artisan (monghe at layko), at ang mga gawa ng "old-timer" na napakatalino sa kanilang diskarte sa pagganap. XVIII - XX siglo, kung minsan ay orihinal na inilaan ng mga may-akda bilang mga pekeng. Ngunit ang produktong ito ay walang preemptive right sa pamagat ng icon sa kahulugan ng simbahan ng salita. Ni kaugnay ng mga kontemporaryong icon ng istilong pang-akademiko, o kaugnay ng anumang pang-istilong intermediate na phenomena, o kaugnay ng pagpipinta ng icon ng ating mga araw. Anumang mga pagtatangka na idikta ang istilo ng artist para sa mga kadahilanang hindi nauugnay sa sining, intelektwal at teoretikal na pagsasaalang-alang, ay tiyak na mabibigo. Kahit na ang mga sopistikadong pintor ng icon ay hindi nakahiwalay sa medieval na pamana (tulad ng nangyari sa unang paglipat ng Russia), ngunit may access dito (tulad ng, halimbawa, sa Greece). Hindi sapat na "talakayin at magpasya" na ang icon na "Byzantine" ay higit na banal kaysa sa hindi Byzantine o kahit na may monopolyo sa kabanalan - dapat ding magawa ng isang tao ang istilo na idineklara na ang tanging sagrado, ngunit walang teorya ang magbibigay nito. Ibigay natin ang sahig kay Archimandrite Cyprian (Pyzhov), isang pintor ng icon at may-akda ng isang bilang ng mga hindi patas na nakalimutang artikulo sa pagpipinta ng icon:

"Sa kasalukuyan sa Greece mayroong isang artipisyal na pagbabagong-buhay ng istilong Byzantine, na ipinahayag sa pagputol ng magagandang anyo at linya at, sa pangkalahatan, ang istilong binuo, espirituwal na kahanga-hangang pagkamalikhain ng mga sinaunang artista ng Byzantium. Ang modernong Greek icon na pintor na si Kondoglu, sa tulong ng Synod of the Greek Church, ay naglabas ng isang bilang ng mga reproductions ng kanyang produksyon, na hindi maaaring hindi makilala bilang pangkaraniwang imitasyon ng sikat na Greek artist na Panselin... Admirers of Kondoglu at kanyang mga alagad sabihin na ang mga santo ay "hindi dapat magmukhang totoong tao" - tulad ng kung sino ang dapat nilang kamukha?! Ang primitiveness ng naturang interpretasyon ay lubhang nakakapinsala sa mga nakakakita at mababaw na nauunawaan ang espirituwal at aesthetic na kagandahan ng sinaunang pagpipinta ng icon at tinatanggihan ang mga kahalili nito, na inaalok bilang mga halimbawa ng diumano'y naibalik na istilo ng Byzantine. Kadalasan ang pagpapakita ng sigasig para sa "sinaunang istilo" ay hindi sinsero, na nagpapakita lamang sa mga tagasuporta nito ng pagiging mapagpanggap at ang kawalan ng kakayahan na makilala sa pagitan ng tunay na sining at magaspang na imitasyon.

Eleusa.
Fotis Kondoglu, 1960s, sa ibaba - ang parehong mga brush ng Hodegetria at Self-Portrait.

Ang estilo ng pagpipinta ng icon ng Athos ay nabuo noong kalagitnaan ng ika-19 na siglo. Sa panahong ito, ang Russia, ang pinakamalaki at pinakamayamang kapangyarihang Ortodokso, ay nakakaranas ng walang uliran na kasaganaan. Isang malaking bilang ng mga templo at monasteryo ang itinatayo sa buong mundo. Ginagawa ang mga workshop sa pagpipinta ng mga icon sa malalaking monasteryo, kabilang ang Athos at Valaam. Sa mga workshop na ito ng pagpipinta ng icon na nilikha ang isang natatanging istilo ng pagpipinta ng icon, na tinatawag na "Athos". Ang kanyang mga natatanging katangian- ginintuang, embossed background, ang pinakamahusay na pagpipinta ng mga mukha, ang paggamit ng mga pintura ng langis sa halip ng egg tempera.

Iveron Icon ng Ina ng Diyos, fragment, Athos, ika-19 na siglo.

St. Sergius at Herman, fragment, Valaam, ika-19 na siglo.

Dapat nating maunawaan na ang paglikha ng isang icon ay isang buhay na proseso, direktang nauugnay sa pagsasanay sa panalangin. Maraming monghe sa Mount Athos, sa ilalim ng patnubay ng makaranasang matatanda, ang nagsagawa ng Panalangin ni Hesus at nanatili sa pagmumuni-muni at pangitain ng Tabor Light. Ang Ina ng Diyos at ang mga banal ay nagpakita sa marami sa kanila. Sa palagay ko ay hindi labis na pagmamalabis na sabihin na sila ay nabubuhay na napapaligiran ng mga santo at mga anghel. At sa ilang mga punto, hindi na sila nasisiyahan sa abstract na istilo ng Byzantine, na sa oras na iyon ay naging isang walang katapusang pag-uulit ng parehong maginoo, eskematiko na mga imahe. Ang mga ama ay nagsimulang magpinta ng mas matingkad na mga imahe, sinusubukang gawin ang "hindi nakikita" na "nakikita," ngunit hindi tumatawid sa linya na nagiging isang mukha sa isang mukha, at isang icon sa isang larawan. Nangyari ito sa ganoong paraan mga katangian ng karakter Estilo ng Athonite - ginto, kumikinang, embossed na mga background - isang simbolo ng Liwanag ng Tabor, transparent na mga layer ng pintura, banayad na paglipat ng liwanag at anino na nagbibigay sa icon ng panloob na glow, at makatotohanang pagsulat ng mga mukha. Ang mga icon ay nagsimulang ipinta sa katulad na paraan sa Russia, kasama ang Valaam.

Sa oras na ito, ang pagpipinta ng icon ng Byzantine at Greek ay bumababa. Ang Greece, Serbia, at Bulgaria ay nasa ilalim ng pamumuno ng Ottoman Empire, na siyempre ay hindi nakakatulong sa pag-usbong ng icon painting. Ang mga mukha sa mga icon ay naging mas sketchy, ang mga imahe ay higit na mababaw at primitive. Ang mga bagay ay hindi mas mahusay sa Russia. Maraming icon painting artels sa Moscow, Yaroslavl, Nizhny Novgorod, Palekh, nakatuon sa customer, karamihan na kung saan, ang klase ng mangangalakal, ay ginawa ang icon sa isang panloob na dekorasyon item, isang uri ng Palekh box. Karaniwan ang mga mukha sa naturang mga icon ay nagiging pangalawang bagay, nawala sa maraming mga burloloy at pandekorasyon na mga kulot.

Icon painting workshop sa Mount Atho. ika-19 na siglo

Ang mga master ng Ruso at Athonite ay lumalayo sa likas na eskematiko ng mga huling disenyo ng Byzantine at ang pandekorasyon na labis na karga ng mga Ruso; ibalik ang icon sa orihinal nitong espirituwal na kahulugan.

Ang aming workshop, sa abot ng kanyang katamtamang lakas, at sa tulong ng Diyos, ay umaasa na muling buhayin ang kahanga-hangang tradisyon ng pagpipinta ng icon, at buong puso naming umaasa na ang aming mga icon ay makakatulong sa lahat na nagsusumikap para sa pagiging perpekto kay Kristo, paglilinis ng puso, at ang pagtatamo ng Banal na Pag-ibig.

Estilo ng akademiko

Ang mga icon sa istilong pang-akademiko ay makikita sa halos bawat simbahan. At kung ang templo ay mula sa ika-18 o ika-19 na siglo, kung gayon ang mga icon sa istilong akademiko, bilang panuntunan, ay bumubuo sa karamihan ng mga icon ng templo. At kasabay nito, ang istilong pang-akademiko ng pagpipinta ng icon ay nagdudulot ng mainit na kontrobersya kapwa sa mga pintor ng icon at mga connoisseurs ng pagpipinta ng icon. Ang esensya ng kontrobersya ay ang mga sumusunod. Ang mga tagasuporta ng istilong Byzantine, na gumagawa ng mga icon "sa canon," ay inaakusahan ang mga icon sa istilong pang-akademiko na kulang sa espirituwalidad at pag-alis sa mga tradisyon ng pagpipinta ng icon.

Susubukang unawain ang mga akusasyong ito. Una sa espirituwalidad. Magsimula tayo sa katotohanan na ang espiritwalidad ay medyo banayad at mailap na bagay; walang mga tool para sa pagtukoy ng espirituwalidad, at lahat ng bagay sa lugar na ito ay lubos na subjective. At kung may mag-claim niyan mahimalang larawan Ang Kazan Icon ng Ina ng Diyos, na ipininta sa istilong pang-akademiko, at, ayon sa alamat, nagligtas sa St. Petersburg sa panahon ng digmaan, ay hindi gaanong espirituwal kaysa sa katulad na icon sa istilong Byzantine... hayaan ang pahayag na ito na manatili sa kanyang budhi .

Kadalasan, bilang argumento, maririnig mo ang mga ganitong pahayag. Sinasabi nila na ang mga icon sa istilong pang-akademiko ay may pisikal, mala-rosas na pisngi, sensual na labi, atbp. Sa katunayan, ang pamamayani ng sensual, carnal na prinsipyo sa icon ay hindi isang problema sa istilo, ngunit sa mababang antas ng propesyonal indibidwal na mga pintor ng icon. Ang isang tao ay maaaring magbanggit ng maraming mga halimbawa ng mga icon na ipininta sa "canon" mismo, kung saan ang "karton" na inexpressive na mukha ay nawala sa maraming mga kulot ng labis na sensual na mga dekorasyon, mga burloloy, atbp.

Ngayon tungkol sa pag-alis ng istilong pang-akademiko mula sa mga tradisyon ng pagpipinta ng icon. Ang kasaysayan ng pagpipinta ng icon ay bumalik sa higit sa isang libo at limang daang taon. At ngayon sa mga monasteryo ng Athonite ay makikita mo ang mga nakaitim, sinaunang mga icon mula sa ika-7 hanggang ika-10 siglo. Ngunit ang kasagsagan ng pagpipinta ng icon sa Byzantium ay naganap sa pagtatapos ng ika-13 siglo, at nauugnay sa pangalan ng Panselin, ang Greek Andrei Rublev. Nakarating na sa amin ang mga painting ni Panselin sa Karey. Ang isa pang namumukod-tanging pintor ng icon ng Greek, si Theophanes ng Crete, ay nagtrabaho sa Mount Athos sa simula ng ika-16 na siglo. Gumawa siya ng mga kuwadro na gawa sa Stavronikita monastery at sa refectory ng Great Lavra. Sa Rus', ang mga icon ni Andrei Rublev ay wastong kinikilala bilang ang tuktok ng pagpipinta ng icon.

Kung susuriin nating mabuti ang buong halos dalawang libong taong kasaysayan ng pagpipinta ng icon, matutuklasan natin ang kamangha-manghang pagkakaiba-iba nito. Ang mga unang icon ay pininturahan gamit ang encaustic technique (mga pintura batay sa mainit na waks). Ang katotohanang ito lamang ay pinabulaanan ang popular na paniniwala na ang isang "tunay" na icon ay dapat na ipininta sa egg tempera. Bukod dito, ang estilo ng mga naunang icon na ito ay mas malapit sa mga icon sa istilong pang-akademiko kaysa sa "canon". Hindi ito nakakagulat. Upang magpinta ng mga icon, kinuha ng mga unang pintor ng icon ang mga larawan ng Fayum bilang batayan, mga larawan ng mga totoong tao na nilikha gamit ang encaustic technique.

Kristo Pantocrator. Sinai.
ika-7 siglo
encaustic

Tagapagligtas. Andrey Rublev.
ika-15 siglo
ugali

Panginoong Makapangyarihan. V. Vasnetsov
ika-19 na siglo
langis

Tingnan ang mga halimbawa sa itaas. Pagkatapos nito, halos hindi posible na sabihin nang may kumpiyansa na ang mga icon sa istilong pang-akademiko ni V. Vasnetsov ay isang pag-alis mula sa tradisyon ng pagpipinta ng icon.

Sa katunayan, ang tradisyon ng pagpipinta ng icon, tulad ng lahat ng bagay sa mundong ito, ay umuunlad nang paikot. Pagsapit ng ika-18 siglo, ang tinatawag na "canonical" na istilo ay tumanggi sa lahat ng dako. Sa Greece at sa mga bansang Balkan ito ay bahagyang dahil sa pananakop ng Turko, sa Russia kasama ang mga reporma ni Peter. Ngunit hindi ito ang pangunahing dahilan. Ang pang-unawa ng tao sa mundo at ang kanyang saloobin sa mundo sa paligid niya, kabilang ang espirituwal na mundo, ay nagbabago. Napagtanto ng tao noong ika-19 na siglo ang mundo iba kaysa sa isang tao noong ika-13 siglo. At ang pagpipinta ng icon ay hindi isang walang katapusang pag-uulit ng parehong mga pattern ayon sa mga guhit, ngunit isang buhay na proseso batay sa parehong relihiyosong karanasan ng mismong pintor ng icon at sa pang-unawa ng espirituwal na mundo ng buong henerasyon.

Icon painting workshop Northern Atho. 2013
Icon sa istilong pang-akademiko.

Valaam Icon ng Ina ng Diyos
(fragment, mukha)
Icon painting workshop Northern Atho. 2010
Icon sa istilong Athonite

Ang pagsilang ng isang bagong tradisyon ng pagpipinta ng icon ay nauugnay sa monasteryo ng Russia ng St. Panteleimon, at ang organisasyon ng mga workshop sa pagpipinta ng icon sa monasteryo. Ang tinatawag na "estilo ng Athos" ay nagmula doon. Ang mga pintor ng icon ng Russia ay gumawa ng ilang mga pagbabago sa tradisyonal na pamamaraan ng mga icon ng pagpipinta.

Una sa lahat, tinalikuran nila ang tempera ng itlog. Sa kabila ng malakas na opinyon na ang mga pintura ng tempera ay lubos na matibay, iba ang sinabi ng katotohanan. Sa isang mamasa-masa na klima, ang mga pintura ng tempera ay mabilis na naging inaamag at natatakpan ng maulap at puting patong. Ang sitwasyon ay kumplikado ng hangin sa dagat. Ang asin ay nanirahan sa mga icon at nasira ang layer ng pintura. Nagkaroon ako ng pagkakataon na makakita ng mga modernong icon na ipininta sa egg tempera sa Mount Athos. Pagkatapos ng 3-4 na taon ay nangangailangan na sila ng seryosong pagpapanumbalik. Samakatuwid, ang mga panginoon ng Athonite ay inabandona ang tempera at lumipat sa mga pintura ng langis.

Ang isa pang tampok ng Athonite Russian icon ay ang gold chased background. Sa teolohiko, ang ginintuang background sa icon ay sumisimbolo sa Liwanag ng Tabor. Ang doktrina ng Liwanag ng Tabor, na unang binuo ni St. Si Dionysius the Areopagite ay napakapopular sa Mount Athos. Dito ay idinagdag ang pagsasagawa ng Jesus Prayer, na naging posible upang dalisayin ang kaluluwa sa isang lawak na ang Liwanag ng Tabor ay naging nakikita at nakikita ng katawan. Bilang karagdagan sa mga teolohikong pagsasaalang-alang, ang paggamit ng gintong hinabol na background ay mayroon ding sariling aesthetics. Ang liwanag ng kandila ay sumasalamin sa maraming mga facet ng coinage, na lumilikha ng isang gintong shimmer effect.

Sa paglipas ng panahon, bilang karagdagan sa workshop sa monasteryo ng St. Panteleimon, binuksan ang mga workshop ng pagpipinta ng icon sa Ilyinsky, Andreevsky at iba pang malalaking monasteryo ng Russia. Halos sabay-sabay, sa Russia, binuksan ang mga workshop sa pagpipinta ng icon sa Valaam.

Gayundin sa Moscow at St. Petersburg, ang mga nagtapos ng St. Petersburg Academy of Arts ay nagsisimula nang makisali sa pagpipinta ng icon. Ang pinaka-talino sa kanila, K. Bryullov, N. Bruni, V. Vereshchagin, V. Vasnetsov, ay lumikha ng mga icon, na kalaunan ay naging kilala bilang mga icon sa istilong pang-akademiko.