Projekt dotyczący sztuk pięknych (Sztuki Piękne) na temat: Zasady dydaktyczne i metody nauczania na lekcjach plastyki i pracy artystycznej. Cechy metodologii nauczania sztuk pięknych w szkole podstawowej

1. Sztuka prymitywna. Pojawienie się i cechy rozwoju sztuki pięknej w społeczeństwie prymitywnym. Metody nauczania rysunku w starożytnym Egipcie

Nawrócenie prymitywnych ludzi na nowy dla nich rodzaj działalności - sztukę - jest jednym z największych wydarzeń w historii ludzkości. Sztuka prymitywna odzwierciedlała pierwsze wyobrażenia człowieka o otaczającym go świecie, dzięki niej wiedza i umiejętności były utrwalane i przekazywane, a ludzie porozumiewali się ze sobą. Era kamienia łupanego(ponad 2 miliony lat temu do VI tysiąclecia p.n.e.) dzieli się na paleolit, mezolit i neolit. Pierwsze dzieła sztuki prymitywnej powstały około 30 tysięcy lat temu. Najstarsze obrazy rzeźbiarskie to Wenus paleolityczna - prymitywne figurki kobiece. Oprócz kobiet przedstawiali zwierzęta wykonane z kamienia lub kości. Ludzie epoki kamiennej nadawali artystyczny wygląd przedmiotom codziennego użytku - kamiennym narzędziom i glinianym naczyniom. Później prymitywni rzemieślnicy zaczęli zwracać większą uwagę na szczegóły: przedstawiali wełnę za pomocą pociągnięć i nauczyli się używać dodatkowych kolorów) W XII tysiącleciu pne. mi. sztuka jaskiniowa osiągnęła swój szczyt. Malarstwo tamtych czasów oddawało objętość, perspektywę, kolor i proporcje postaci oraz ruch. W tym samym czasie powstały ogromne malownicze obrazy płótna , pokrywające sklepienia głębokich jaskiń. Dokładny czas powstania malowideł jaskiniowych nie został jeszcze ustalony. Na ścianach jaskiń widnieją dziesiątki dużych zwierząt: mamuty i niedźwiedzie jaskiniowe. Barwniki mineralne zmieszane z wodą, tłuszczem zwierzęcym i sokiem roślinnym nadawały malowidłom jaskiniowym szczególnie żywą barwę. (Jaskinia Altamira, Jaskinia Lascaux)

Sztuka mezolitu. W epoce mezolitu, czyli środkowej epoce kamienia (XII-VIII tysiąclecie p.n.e.), (przybrzeżne regiony górskie wschodniej Hiszpanii, pomiędzy miastami Barcelona i Walencja) postacie ludzi ukazane w szybkim ruchu, wielofigurowe kompozycje i sceny polowań z białka jaj, krew, miód.

Sztuka neolityczna (5000-3000 p.n.e.) Malarstwo jaskiniowe w epoce neolitu stawało się coraz bardziej schematyczne i konwencjonalne: obrazy tylko w niewielkim stopniu przypominały osobę lub zwierzę. Są to np. malowidła naskalne przedstawiające jelenie, niedźwiedzie, wieloryby i foki znalezione w Norwegii, osiągające długość ośmiu metrów. Oprócz schematyzmu wyróżnia je niestaranność wykonania. Oprócz stylizowanych rysunków ludzi i zwierząt pojawiają się różne kształty geometryczne (koła, prostokąty, romby i spirale itp.), Wizerunki broni i pojazdów (łodzi i statków). Pierwsze malowidła naskalne odkryto w latach 1847-1850. w Afryce Północnej i na Saharze (Tassilin-Ajjer, Tibesti, Fezzan itp.)

brąz (nazwa wzięła się od szeroko rozpowszechnionego wówczas stopu metalu - brązu). Epoka brązu rozpoczęła się w Europie Zachodniej około czterech tysięcy lat temu. w epoce brązu wykonywali wszelkiego rodzaju artykuły gospodarstwa domowego, bogato zdobione ozdobami i o wysokich walorach artystycznych. W III-II tysiącleciu p.n.e. mi. pojawiły się unikalne, ogromne konstrukcje z bloków kamiennych, menhiry - pionowo stojące kamienie o wysokości ponad dwóch metrów. (Półwysep Bretanii we Francji) dolmeny to kilka kamieni wkopanych w ziemię, przykrytych kamienną płytą, pierwotnie używanych do pochówków. Liczne menhiry i dolmeny znajdowały się w miejscach uznawanych za święte. Szczególnie znane są ruiny w Anglii w pobliżu miasta Salisbury – tzw. Stonehenge (II tysiąclecie p.n.e.). Stonehenge zbudowane jest ze stu dwudziestu bloków kamiennych o wadze do siedmiu ton każdy i ma trzydzieści metrów średnicy.

W innym Egipcie powstała i wzmocniła się specjalna szkoła artystyczna, a szkolenia odbywały się systematycznie. Metoda i system nauczania dla wszystkich nauczycieli była taka sama, ponieważ zatwierdzone kanony nakazywały najściślejsze przestrzeganie ustalonych standardów. Pierwszy w historii kultury ludzkiej położył podwaliny pod teoretyczne uzasadnienie rysunku. Nauka rysowania opierała się na zapamiętywaniu opracowanych zasad i kanonów. Choć kanony ułatwiały naukę technik rysunkowych, to jednak krępowały artystę i nie pozwalały mu na przedstawianie świata takim, jakim go widzi. Rysowanie u dr. Egipt był przedmiotem kształcenia ogólnego i był ściśle powiązany z nauczaniem umiejętności pisania. Wiodącą szkołą starożytnego królestwa była nadworna szkoła architektów i rzeźbiarzy w Memphis. Artysta Inne szkoły powstały w centrum i wokół niego. Był nawet instytut, w którym studiowali młodzi mężczyźni. Nauczyciele korzystali ze specjalnych tabel metodologicznych. Zasady i metody opierały się na frontalności, wszystkie rysunki mają charakter linearny, nie ma trójwymiarowości, perspektywy, światłocienia, były proporcje postaci stojącej, siedzącej i innych. Zabytki kultury egipskiej dostarczają wielu cennych i ciekawych materiałów do studiowania metod nauczania sztuk pięknych: malowidła na ścianach grobowców, pałaców, świątyń i na przedmiotach gospodarstwa domowego; rysunki płaskorzeźb i wreszcie rysunki na papirusach. Egipscy artyści zwracali szczególną uwagę na przedstawienie postaci ludzkiej. Zadaniem artysty starożytnego Egiptu nie było rzeczywiste przedstawienie życia. Życie było dla nich zjawiskiem przejściowym, główna egzystencja rozpoczęła się po śmierci. Artysta łączy w jednym obrazie różne punkty widzenia na temat: niektóre części postaci ukazane są z profilu (głowa, nogi), inne z przodu (oko, ramiona). Cechą malarstwa starożytnego Egiptu była przede wszystkim kolorystyka, która przez wiele stuleci sprowadzała się do wypełnienia sylwetki jednym kolorem, bez wprowadzania dodatkowych tonów i kolorowych cieni.

2. Metody nauczania sztuk pięknych w starożytnej Grecji (szkoły w Efezie, Sikionie, Tebanie)

Po przestudiowaniu metod nauczania u dr. W Egipcie Grecy podeszli do problemu szkolenia i edukacji w nowy sposób. Wezwali do dokładnego zbadania życia ziemskiego, a nie życia pozagrobowego. W 432 pne mi. w Sikyonie rzeźbiarz Poliklet napisał esej na temat prawa proporcjonalnego Ludzkie ciało, badał jego mobilność wewnętrzną. Pomocą wizualną był posąg Doryfora.

Polygnot nawoływał do realności obrazu, opanował środki rysunku linearnego, starał się oddać fakturę bez znajomości światłocienia, rysował w naturalnej wielkości malarstwie polichromowanym. Linia odegrała pierwszoplanową rolę, zachowana została klarowność i klarowność obrazu.

Apollodoros z Aten i jego uczeń Zeusis wprowadzili do techniki malarskiej mieszanie kolorów, gradację i światłocień. Parrhasius wprowadził do malarstwa symetrię, jako pierwszy przekazał mimikę twarzy, osiągnął prymat w konturze.

Do IV wieku p.n.e. mi. Sztuka grecka osiąga wysoki etap rozwoju. W Grecji powstało kilka znanych dzieł. szkoły rysunku: Sycyon, Efez i Tebana.

Autostrada Fivanskaya -którego założycielem był Arystydes, czyli Nicomachus, przywiązywał dużą wagę do „efektów czarno-białych, przekazywania wrażeń życiowych i iluzji”. Szkoła efeska, za której założyciela uważa się Efranora z Koryntu, a według innych źródeł Zeuxisa, opierała się na „zmysłowym postrzeganiu natury i piękna zewnętrznego”. Szkoła ta dążyła do iluzji, ale nie była nieskazitelna w rysowaniu.

Autostrada Sikyonskaya -trzymać. dane naukowe z zakresu nauk przyrodniczych i praw natury, miały przybliżyć i nauczyć ucznia poszanowania praw budowy przyrody. założona przez Eupompusa, opierała się na danych naukowych z nauk przyrodniczych i ściśle przestrzegała praw natury. Szkoła ta wymagała „największej dokładności i rygoru rysunku”. Wywarła ogromny wpływ na metody nauczania rysunku i dalszy rozwój sztuki. sztuka.

Artyści nauczyli się oddawać na płaszczyźnie nie tylko objętość (trójwymiarowość) obiektów, ale także zjawiska perspektywy.Ucząc się czerpać z życia, greccy artyści studiowali także anatomię.

Greccy artyści-nauczyciele ustalili właściwą metodę nauczania rysunku, która opierała się na czerpaniu z życia. (Polykleitos. Doryphoros. Marmur. V wiek p.n.e.. Muzeum Neapolitańskie.)

Sztuki piękne starożytnego świata, w porównaniu z egipską, wzbogaciły się o nowe zasady i metody konstruowania obrazu, a jednocześnie o nowe metody nauczania. Po raz pierwszy w historii rozwoju rysunku edukacyjnego greccy artyści wprowadzili światłocień i podali przykłady perspektywicznej konstrukcji obrazów na płaszczyźnie, kładąc podwaliny pod realistyczne czerpanie z życia.

Greccy artyści-nauczyciele ustalili właściwą metodę nauczania rysunku, która opierała się na czerpaniu z życia. Po raz pierwszy wśród Greków rysunek jako przedmiot akademicki otrzymał właściwy kierunek. Na szczególną uwagę zasługuje pod tym względem szkoła rysunku Sikyon i jej faktyczny dyrektor Pamphilus, dzięki czemu rysunek zaczęto uważać za przedmiot kształcenia ogólnego i wprowadzono go we wszystkich szkołach średnich w Grecji. Zasługa Pamphilusa polega na tym, że jako pierwszy zrozumiał, że zadaniem nauki rysowania jest nie tylko kopiowanie obiektów rzeczywistości, ale także znajomość praw natury. Jako pierwszy zrozumiał, że rysunek rozwija myślenie przestrzenne i reprezentację figuratywną, niezbędne ludziom wszelkich zawodów. Po Pamfilu zaczęli to rozumieć wszyscy postępowi myśliciele Grecji; Zrozumieli, że nauczanie plastyki przyczynia się do wszechstronnego rozwoju człowieka.

Era starożytnej Grecji była najwspanialszą erą w historii rozwoju sztuk pięknych starożytnego świata. Znaczenie greckiej sztuki pięknej jest niezwykle duże. Tutaj został ustanowiony sposób naukowego rozumienia sztuki. Greccy artyści-nauczyciele zachęcali swoich uczniów i naśladowców do bezpośredniego studiowania natury, obserwowania jej piękna i wskazywali, czym ona jest. Ich zdaniem piękno tkwi w właściwej proporcjonalności części, czego doskonałym przykładem jest sylwetka ludzka. Mówili, że proporcjonalny wzór ludzkiego ciała w jego jedności tworzy harmonię piękna. Główna zasada Sofiści mawiali: „Człowiek jest miarą wszystkich rzeczy”. Stanowisko to stanowiło podstawę całej sztuki starożytnej Grecji.

. Metody nauczania sztuk pięknych w starożytnym Rzymie

Metody nauczania rysunku w starożytnym Rzymie

Rzymianie bardzo lubili sztukę. sztuki, zwłaszcza dzieł artystów greckich. Sztuka portretowa rozpowszechniła się, jednak Rzymianie nie wprowadzili niczego nowego do metodologii i systemu nauczania, nadal korzystając z dorobku artystów greckich. Co więcej, utracili wiele cennych stanowisk rysunku, nie zachowując ich. Artyści rzymscy kopiowali głównie dzieła artystów greckich. Układ nauczania różnił się od tego w szkołach greckich:

W Rzymie nauczyciela bardziej interesowała rzemieślnicza i techniczna strona zagadnienia, niż przygotowanie artysty-rzemieślnika (więcej rzemieślników do dekoracji swoich domów).

W nauczaniu rysunku dominowało kopiowanie z próbek i mechaniczne powtarzanie technik pracy, co z kolei zmuszało rzymskich artystów-nauczycieli do coraz większego odchodzenia od metod nauczania stosowanych przez greckich artystów-nauczycieli.

W technikach rysunkowych Rzymianie jako pierwsi zastosowali sangwinę (piękny czerwonobrązowy odcień) jako materiał rysunkowy – był on giętki w pracy i lepiej utrwalał się na gładkiej powierzchni niż węgiel drzewny.

Rola kultury starożytnej była szczególnie duża w rozwoju sztuki realistycznej, w tworzeniu i rozwoju akademickiego systemu nauczania rysunku. Do dziś inspiruje nas do dalszych poszukiwań skuteczne metody nauczania sztuk pięknych, naukowego rozwoju metod nauczania rysunku.

domagało się społeczeństwo rzymskie duża ilość artystów i rzemieślników do dekoracji pomieszczeń i budynków użyteczności publicznej, okresy szkolenia były krótkie. Metoda nauczania rysunku jest nienaukowa. rysunek stał się konwencjonalny i schematyczny.

Era panowania rzymskiego na pierwszy rzut oka stwarza wszelkie warunki do dalszego rozwoju metod nauczania rysunku realistycznego. Rzymianie bardzo lubili sztuki piękne. Szczególnie wysoko cenili twórczość artystów greckich. Bogaci ludzie gromadzili kolekcje obrazów, a cesarze budowali publiczne pinakotekki (galerie). Sztuka portretowa staje się coraz popularniejsza. Wizerunki ludzi tamtej epoki przedstawiono bez żadnych ozdób. Z niesamowitą życiową prawdą przekazują indywidualne cechy charakteru ludzi w każdym wieku, jak na przykład malowniczy portret Paquiusa Proculusa i jego żony, chłopca; portrety rzeźbiarskie - Witelina, młodego Augusta, Juliusza Cezara itp.

Wielu szlachciców i patrycjuszy zajmowało się rysunkiem i malarstwem (na przykład Fabiusz Pictor, Pedius, Juliusz Cezar, Neron itp.).

Wydaje się, że wszystko zostało stworzone z myślą o dalszym rozwoju sztuki pięknej i jej nauczaniu. Tak naprawdę jednak Rzymianie nie wprowadzili niczego nowego do metodologii i systemu nauczania rysunku. Korzystali jedynie z dorobku artystów greckich; Nie zachowały przy tym wielu cennych zasad metodyki nauczania rysunku. Jak wynika z zachowanych malowideł Pompejów i relacji historyków, artyści rzymscy kopiowali głównie dzieła wybitnych artystów Grecji. Niektóre obrazy są wykonane z wielkim kunsztem, na przykład „Wesele Aldobrandino”. Nie byli jednak w stanie osiągnąć wysokich umiejętności zawodowych, jakie posiadali słynni artyści starożytnej Grecji.

Kilka słów o technice rysowania. Rzymianie jako pierwsi użyli optymizmu jako materiału do rysowania. W katakumbach znajdują się ślady twórczości rzymskich artystów, którzy używali optymizmu do zarysowania fresków. Być może w większym stopniu niż Grecy przejęli technikę pracy artystów egipskich, zwłaszcza w malarstwie (stosowanie tempery, praca na płótnie, papirusie). Metody nauczania i charakter kształcenia artystów różniły się od szkół greckich. Greccy artyści-nauczyciele próbowali rozwiązywać wzniosłe problemy sztuki, wzywali swoich uczniów do opanowania sztuki przy pomocy nauki, do wznoszenia się na wyżyny sztuki i potępiali artystów, którzy podeszli do sztuki w sposób rzemieślniczy. W epoce Cesarstwa Rzymskiego artysta-nauczyciel mniej myślał o wysokich problemach twórczości artystycznej, interesował się głównie rzemieślniczą i techniczną stroną sprawy.

Społeczeństwo rzymskie potrzebowało dużej liczby artystów i rzemieślników do dekoracji pomieszczeń mieszkalnych i budynków użyteczności publicznej, dlatego okres szkolenia nie mógł być opóźniony. Dlatego w nauczaniu rysunku dominowało kopiowanie z próbek i mechaniczne powtarzanie technik pracy, co z kolei zmuszało artystów rzymskich do coraz większego odchodzenia od głęboko przemyślanych metod nauczania stosowanych przez wybitnych artystów-nauczycieli Grecji.

4. Rysunek w średniowieczu. Sztuka i religia

W epoce średniowiecza i chrześcijaństwa dorobek sztuki realistycznej został skazany na zapomnienie. Artyści nie znali zasad konstruowania obrazu na płaszczyźnie, jakie zastosowali w Dr. Grecja. Zaginęły cenne rękopisy – dzieła teoretyczne wielkich artystów, a także wiele znanych dzieł, które mogły służyć za wzorce. Największym prześladowaniom poddano bałwochwalstwo, wszystkie posągi i obrazy zostały połamane i zniszczone. Wraz z posągami i obrazami zniknęły zwoje i notatki, rysunki i reguły, a sposób nauczania rysunku był nienaukowy. Podstawą szkolenia jest mechaniczne kopiowanie próbek, a nie czerpanie z życia.

Malarze pierwszych wieków chrześcijaństwa nadal posługiwali się formami artystycznymi malarstwa starożytnego. W krótkim czasie tradycje sztuki realistycznej zostały zapomniane i utracone, a rysunek stał się konwencjonalny i schematyczny.

Potępiano naukową wiedzę o świecie i tłumiono wszelkie próby uzasadnienia obserwacji natury. Nie praktykowano studiowania przyrody i przyrody w sensie akademickim.

Poślubić. wielowiekowa sztuka piękna odrzucała nurty realistyczne, ponieważ realistyczna przyroda wywoływała wrażenie „ziemskie”, wszystko było przez Kościół akceptowane lub odrzucane. Poślubić. wielowiekowi artyści nie pracowali z życia, ale według zszytych w zeszytach próbek, będących szkicami konturowymi kompozycji różnych scen kościelnych, poszczególnych postaci, motywów draperii itp. Kierowali się nimi podczas wykonywania obu malowideł ściennych i dzieła malarstwa sztalugowego itp., ponieważ ówczesne stosunki przemysłowe przyczyniły się do rozwoju rzemiosła i powstania korporacji. Szkolenie rysunku odbywało się u mistrza, który nie przestrzegał ani ścisłego systemu, ani jasnych metod nauczania. Studenci w większości uczyli się samodzielnie, przyglądając się z bliska pracy mistrza.

Wielcy mistrzowie Grecji dążyli do prawdziwego przedstawienia natury, artyści średniowiecza, poddając się dogmatom kościelnym, odeszli od realnego świata na rzecz twórczości abstrakcyjnej i mistycznej. Zamiast pięknej nagości ludzkiego ciała, która inspirowała i uczyła greckich artystów, pojawiły się ciężkie, surowe i kanciaste draperie, odrywające artystów od studiowania anatomii. Lekceważąc życie ziemskie i troszcząc się jedynie o życie pozagrobowe, duchowni uważali pragnienie wiedzy za źródło grzechu. Potępiali naukową wiedzę o świecie i tłumili wszelkie próby uzasadnienia obserwacji natury.

Ideolodzy średniowiecznej sztuki pięknej odrzucali nurty realistyczne nie dlatego, że sprzeciwiały się rzeczywistej interpretacji obrazów, ale dlatego, że realistycznie oddana natura wywoływała u widza „ziemskie” uczucie. Wiarygodne przedstawienie formy realnego świata budziło radość w duszy widza, co było sprzeczne z filozofią religijną. Kiedy rzeczywista interpretacja formy, czasami sięgająca granic naturalistycznej iluzoryczności, odpowiadała fabule religijnej, została ona przychylnie przyjęta przez Kościół. Znamy wiele dzieł średniowiecza, które wyróżniają się cechami realistycznymi. Przypominają wizerunki ludzi z tamtej epoki.

. Rysunek w renesansie. Artyści renesansu i ich wkład w metody nauczania rysunku (Cennino Cennini, Alberti, Leonardo da Vinci, A. Durer, Michelangelo. Metoda odpryskiwania. Metoda welonu)

Otwiera się renesans Nowa era nie tylko w historii rozwoju sztuki, ale także w zakresie metod nauczania rysunku. W tym czasie odżywa pragnienie sztuki realistycznej, prawdziwego przekazu rzeczywistości. Mistrzowie renesansu aktywnie podążali ścieżką realistycznego światopoglądu, starali się ujawnić prawa natury i ustanowić związek między nauką a sztuką. W swoich badaniach opierają się na osiągnięciach optyki, matematyki i anatomii. Nauka o proporcjach, perspektywie i anatomii plastycznej jest przedmiotem zainteresowania teoretyków i praktyków sztuki.

W okresie renesansu przywrócono wysoki szacunek dla rysunku. Rysunku musiał uczyć się każdy, kto zajmował się sztuką.

Pierwsza praca naukowa – „Traktat o malarstwie” – należy do Cennino Cenniniego. Podstawą treningu powinno być czerpanie z życia. słusznie uważa, że ​​do opanowania sztuki potrzebny jest uczeń dzienna praca. jednocześnie przywiązuje zbyt dużą wagę do kopiowania rysunków mistrzów.

Kolejnym najnowszym dziełem poświęconym rysunkowi są „Trzy książki o malarstwie”, autorstwa największego florenckiego architekta Leona Battisty Albertiego. Jest to najbardziej niezwykłe dzieło ze wszystkich, które napisano na temat teorii rysunku w okresie renesansu. Traktat o rysunku i podstawowych zasadach konstruowania obrazu na płaszczyźnie. Alberti postrzega rysunek jako poważną dyscyplinę naukową, w której prawa i zasady są równie precyzyjne i przystępne do studiowania jak matematyka.

Szczególną wartość pedagogiczną ma twórczość Albertiego, który w swoim traktacie podał szereg założeń metodologicznych i wskazówek dotyczących nauczania rysunku. Pisze, że skuteczność nauczania plastyki polega przede wszystkim na naukowym uzasadnieniu. Alberti przywiązuje dużą wagę do studiowania anatomii. Alberti sugeruje oparcie całego procesu uczenia się na czerpaniu z życia

Jako pierwszy otwarcie mówił o głębokim znaczeniu sztuki, zdawał sobie sprawę z konieczności wzbogacania sztuki doświadczeniem nauki, przybliżania nauki do praktycznych zadań sztuki. Alberti jest świetny jako naukowiec i jako artysta-humanista.

Kolejnym najnowszym dziełem z zakresu teorii rysunku jest „Księga malarstwa” Leonarda da Vinci. Książka ta zawiera różnorodne informacje: o budowie Wszechświata, o pochodzeniu i właściwościach chmur, o rzeźbie, o poezji, o perspektywie lotniczej i linearnej. Znajdują się tu także instrukcje dotyczące zasad rysowania. Leonardo da Vinci nie proponuje nowych metod i zasad, w zasadzie powtarza zasady już znane.

Leonardo da Vinci, podobnie jak Alberti, uważa, że ​​podstawą metodyki nauczania rysunku powinno być czerpanie z życia. Natura zmusza ucznia do uważnej obserwacji, studiowania cech strukturalnych przedmiotu obrazu, myślenia i refleksji, co z kolei zwiększa efektywność uczenia się i budzi zainteresowanie poznawaniem życia.

Leonardo da Vinci przywiązywał dużą wagę do edukacji naukowej. Sam Leonardo był zaangażowany w poważne badania naukowe. Badając zatem budowę anatomiczną ludzkiego ciała, przeprowadził liczne sekcje zwłok i posunął się w tej kwestii znacznie dalej niż jego współcześni.

Leonardo da Vinci daje także rzetelne wytyczne metodologiczne dotyczące rysowania przedmiotu z życia. Zwraca uwagę, że rysunek należy zaczynać od całości, a nie od części. Szczególną uwagę Leonardo przywiązuje do rysowania postaci ludzkiej. Interesujący jest także sposób utrwalania materiału objętego rysowaniem z pamięci.

Wśród artystów renesansu zajmujących się problematyką pedagogiczną poczesne miejsce zajmuje niemiecki artysta Albrecht Dürer. Jego prace teoretyczne mają ogromną wartość zarówno w zakresie metod nauczania, jak i w zakresie stawiania problemów artystycznych. Pisma Dürera w znacznym stopniu przyczyniły się do dalszego rozwoju metod nauczania rysunku. Dürer uważał, że w sztuce nie można polegać wyłącznie na uczuciach i percepcji wzrokowej, ale przede wszystkim należy opierać się na dokładnej wiedzy; Zajmował się także ogólnymi zagadnieniami pedagogiki, zagadnieniami nauczania i wychowania dzieci. Wśród artystów renesansu niewielu o tym myślało.

Ucząc rysunku i praw konstruowania realistycznego obrazu obiektów na płaszczyźnie, Dürer na pierwszym miejscu kładł perspektywę. Sam artysta wiele czasu poświęcił studiowaniu perspektywy. Drugie, najważniejsze dzieło Durera, „Doktryna proporcji ludzkich”, jest owocem pracy niemal całego jego życia. Dürer podsumował wszystkie znane dane na ten temat i nadał mu naukowe rozwinięcie, załączając ogromną liczbę rysunków, diagramów i rysunków. Artysta próbował znaleźć zasady konstruowania sylwetki ludzkiej poprzez dowód geometryczny i obliczenia matematyczne

Szczególne znaczenie dla pedagogiki artystycznej ma opracowana przez Dürera metoda uogólniania formy (nazwana później siekaniem), a metoda siekania jest następująca. Przedstawienie kształtu prostej bryły geometrycznej, np. sześcianu, zgodnie ze wszystkimi zasadami perspektywy liniowej, nie jest szczególnie trudne nawet dla początkującego rysownika. Bardzo trudno jest oddać prawidłowy obraz perspektywiczny złożonej postaci, na przykład głowy, ręki, czy postaci ludzkiej. Ale jeśli niezwykle uogólnisz złożony kształt na prostoliniowe kształty geometryczne, możesz z łatwością poradzić sobie z tym zadaniem. Metoda siekania pomaga początkującemu rysownikowi poprawnie rozwiązać problemy tonalne rysunku. Zaproponowana przez Dürera metoda analizy i konstruowania obrazów odniosła uderzający efekt w nauczaniu, znalazła zastosowanie i rozwinęła się w praktyce pedagogicznej artystów-nauczycieli.

Ich praca w polu perspektywy pomogła artystom uporać się z trudnym problemem konstruowania trójwymiarowego kształtu obiektów na płaszczyźnie. Przecież przed nimi nie było artystów, którzy potrafiliby skonstruować perspektywiczny obraz trójwymiarowych obiektów. W rzeczywistości artyści renesansu byli twórcami nowej nauki. Udowodnili słuszność i aktualność swoich stanowisk zarówno teoretycznie, jak i praktycznie. Malarze renesansu również dużą wagę przywiązywali do studiowania anatomii plastycznej. Prawie wszystkich kreślarzy interesowały prawa proporcjonalnych relacji między częściami ludzkiego ciała. W każdym traktacie szczegółowo analizowano proporcje ludzkiej twarzy, a także innych części ciała. Mistrzowie renesansu umiejętnie wykorzystywali dane ze swoich obserwacji w praktyce artystycznej. Ich prace zadziwiają głęboką znajomością anatomii, perspektywy i praw optyki. Wykorzystując te nauki jako podstawę sztuk pięknych, artyści renesansu zwracali szczególną uwagę na rysunek. Rysunek, jak twierdzili, zawiera w sobie wszystko, co niezbędne do udanej pracy twórczej.

Metoda czerpania z życia za pomocą zasłony opiera się na zasadzie ścisłego przestrzegania praw perspektywy. Aby artysta mógł ściśle zachować stały poziom widzenia, a na rysunku - stały punkt zbiegu, Alberti zaproponował zastosowanie specjalnego urządzenia - zasłony.

. Akademicki system edukacji artystycznej w XVI – XII w. (Idee pedagogiczne J. A. Komeńskiego, D. Locke’a, J. J. Rousseau, Goethego)

Pod koniec XVI wieku pojawiły się nowe kierunki w dziedzinie edukacji artystycznej i edukacji estetycznej, nowe zasady i wytyczne pedagogiczne. Metodyka nauczania rysunku zaczęła być inaczej konstruowana.Wiek w historii metod nauczania rysunku należy uznać za okres kształtowania się rysunku jako przedmiotu akademickiego i rozwoju nowego systemu nauczania pedagogicznego – akademickiego. Najbardziej charakterystyczną cechą tego okresu jest powstawanie specjalnych instytucji edukacyjnych - akademii artystycznych i szkół artystycznych, w których poważnie kładziono nacisk na nauczanie rysunku.

Najbardziej znana była Bolońska Akademia Sztuk Pięknych, założona przez braci Carracci. Studenci Akademii dokładnie studiują anatomię - nie z książek, ale poprzez sekcje zwłok. Carracci szczegółowo opracowali metodologię nauczania, uznając rysunek za podstawę sztuk pięknych. W swoich wskazówkach metodologicznych wskazywali, że artysta musi opierać się na danych nauki, na rozumie, bo umysł wzbogaca uczucia. Akademie miały na celu zapewnienie poważnego kształcenia w dziedzinie sztuk pięknych. Kształcili młodzież na przykładach sztuki wysokiej starożytności i renesansu. Tradycjonalizm stał się cechą charakterystyczną wszystkich kolejnych akademii. Studiując dziedzictwo i dostrzegając kulturę artystyczną swoich poprzedników, akademie przekazały to wszystko następnemu pokoleniu artystów, ściśle chroniąc wielki i niewzruszony fundament, na którym ta tradycja została stworzona.

Obok uczelni państwowych nadal istniały szkoły prywatne, w których uczniowie otrzymywali dość solidne przygotowanie zawodowe. Największym i najbogatszym w pomoce dydaktyczne był warsztat największego flamandzkiego artysty Petera Paula Rubensa (1577-1640). W XVII wieku była to najlepsza szkoła rysunkowa wśród warsztatów prywatnych. Uczniowie Rubensa byli tak znanymi artystami i znakomitymi rysownikami. Ucząc rysunku, Rubens przywiązywał szczególną wagę do naukowych dowodów na prawa perspektywy, światłocienia i anatomii plastycznej.

Po raz pierwszy po Pamfilu ideę korzyści płynących z rysunku jako ogólnego przedmiotu nauczania wyraził wielki czeski pedagog Jan Amos Komeński (1592-1670) w swojej „Wielkiej dydaktyce”. To prawda, że ​​Komeński nie zdecydował się jeszcze na włączenie rysunku do szkolnego programu nauczania jako przedmiotu obowiązkowego. Wartość tych przemyśleń polegała jednak na tym, że były one ściśle powiązane z zagadnieniami pedagogiki. W rozdziale XXI Wielkiej Dydaktyki, zatytułowanym „Metoda sztuki”, wskazano, że aby uczyć się sztuki, należy przestrzegać trzech wymagań: prawidłowego użycia, rozsądnego kierunku, częstych ćwiczeń.

Komeński, uznając rysunek za przedmiot kształcenia ogólnego, nie czyni wyraźnych różnic w metodach i systemach nauczania plastyki w szkołach powszechnych i specjalnych. Opiera się na ustalonym już systemie nauczania rysunku w uczelniach artystycznych, na sprawdzonych metodach nauczania.

Niemal jednocześnie z Komeńskim nauczyciel języka angielskiego i filozof John Locke (1632-1704) zaczął bronić ogólnej wartości edukacyjnej rysunku. W swojej książce „Myśli o wychowaniu” pisze: „Jeśli chłopiec nabył piękne i szybkie pismo, powinien je nie tylko utrzymywać poprzez staranną praktykę w pisaniu, ale także doskonalić swoją sztukę poprzez rysowanie. W podróży rysunek przyda się młodemu człowiekowi; Często za pomocą kilku funkcji będzie w stanie przedstawić budynki, samochody, ubrania i inne rzeczy, których nie da się wytłumaczyć żadnymi szczegółowymi opisami. Ale nie chcę, żeby został malarzem; wymagałoby to więcej czasu, niż pozostało mu na inne ważne zajęcia”. Jednakże instrukcje metodologiczne J. Locke nie podaje żadnych informacji na temat nauczania rysunku, ogranicza się jedynie do ogólnych dyskusji na temat korzyści płynących z nauki rysunku.

Francuski filozof i encyklopedysta Jean Jacques Rousseau (1712-1778) mówił bardziej szczegółowo o rysunku jako przedmiocie edukacji ogólnej. W swojej książce „Emile” Rousseau pisze, że dla zrozumienia otaczającej rzeczywistości ogromne znaczenie mają zmysły, które można rozwijać u dziecka, ucząc je czerpania z życia. Rousseau słusznie wskazuje, że zajęcia z rysunku należy prowadzić w przyrodzie, gdyż w przyrodzie uczeń może wyraźnie dostrzec zjawiska perspektywy i zrozumieć jej prawa. Dodatkowo obserwując przyrodę uczeń rozwija swój gust, uczy się kochać przyrodę i zaczyna rozumieć jej piękno. Rousseau uważa, że ​​nauka rysowania powinna odbywać się wyłącznie z natury. Pod tym względem Rousseau podchodzi do metodologii nauczania rysunku poważniej niż jego poprzednicy. Idee pedagogiczne Komeńskiego, Locke’a i Rousseau znacząco wzbogaciły teorię i praktykę sztuki. Ich prace teoretyczne stały się impulsem do dalszego rozwoju pedagogiki artystycznej.

W tym okresie umocnił się autorytet uczelni nie tylko jako instytucji edukacyjnej, ale także jako trendsetterki gustów artystycznych. Uznając sztukę starożytną za najwyższy przykład i opierając się na tradycjach wysokiego renesansu, niemal wszystkie akademie europejskie zaczynają tworzyć idealną szkołę sztuk pięknych w szerokim tego słowa znaczeniu. Za podstawę nadal uważa się czerpanie z systemu edukacji artystycznej. Ale nauka czerpania z życia zaczyna się od studiowania klasycznych przykładów starożytności. Tylko poważne studium starożytnych greckich rzeźb pomoże początkującemu poznać prawa natury i sztuki; tylko klasyczne przykłady ujawnią artyście idee piękna i prawa piękna, argumentowali w akademiach.

Stanowisko w sprawie korzyści płynących z rysunku jako ogólnokształcącego przedmiotu edukacyjnego wyraził wielki czeski nauczyciel A. Komeński w swojej „Wielkiej dydaktyce”. To prawda, że ​​Komeński nie zdecydował się jeszcze na włączenie rysunku do szkolnego programu nauczania jako przedmiotu obowiązkowego. Wartość jego przemyśleń na temat rysunku polegała jednak na tym, że były one ściśle powiązane z zagadnieniami pedagogiki. Szczególnie cenne są dla nas przemyślenia Komeńskiego na temat konieczności studiowania metod nauczania. Niemal jednocześnie z Komeńskim nauczyciel języka angielskiego i filozof John Locke zaczął bronić ogólnej wartości edukacyjnej rysunku. Jednak nie będąc specjalistą, J. Locke nie mógł udzielać wskazówek metodycznych w nauczaniu rysunku. Ograniczył się do ogólnych dyskusji na temat korzyści płynących z nauki.Francuski filozof-encyklopedysta Jacques-Jean Rousseau opowiedział bardziej szczegółowo o rysunku jako ogólnym przedmiocie edukacyjnym. Uważał, że rysunku należy uczyć się wyłącznie od natury i że dziecko nie powinno mieć innego nauczyciela niż sama natura. Wiele cennych przemyśleń na temat metodologii nauczania rysunku wyraził Johann Wolfgang Goethe. Aby opanować sztukę rysowania, potrzebna jest wiedza, wiedza i jeszcze raz wiedza – mówił. Idee pedagogiczne Komeńskiego, Locke’a, Rousseau i Goethego wzbogaciły teorię i praktykę nauczania rysunku. Ich prace teoretyczne stały się impulsem do dalszego rozwoju myśli pedagogicznej w ogóle, a w szczególności w zakresie metod nauczania rysunku.

. Rola I.G. Pestalozzi w rozwoju rysunku jako ogólnego przedmiotu kształcenia. Uczniowie i naśladowcy I. G. Pestalozziego (I. Schmidt, P. Schmidt, bracia Dupuis)

W XVIII – pierwszej połowie XIX wieku rysunek zaczął mocno zyskiwać na znaczeniu w szkołach średnich. Zapoczątkował to szwajcarski nauczyciel Johann Heinrich Pestalozzi (1746-1827), którego nieprzypadkowo przez nauczycieli plastyki nazwano ojcem metod szkolnych. Pestalozzi uważa rysowanie w szkole za przedmiot kształcenia ogólnego. Jego zdaniem wszelka wiedza pochodzi z liczby, formy i słowa. Pierwszym krokiem do wiedzy jest kontemplacja. Aby móc poprawnie myśleć, konieczne jest prawidłowe uwzględnienie otaczającej przyrody. Rysunek jest najdoskonalszym sposobem na zdobycie tej umiejętności. Szczególną rolę, zdaniem Pestalozziego, powinno należeć do rysunku w szkole podstawowej. W jego pamiętniku, poświęconym wychowaniu syna, centralne miejsce zajmuje rysunek. Codzienne zajęcia rozpoczynają się od rysunku. Rysunek – przekonuje Pestalozzi – powinien poprzedzać pisanie nie tylko dlatego, że ułatwia proces opanowywania zarysu liter, ale także dlatego, że łatwiej je przyswoić.

Sam Pestalozzi, zdaniem współczesnych, nie umiał rysować, dlatego nie podaje jasnych i konkretnych zasad nauczania rysunku, ograniczając się do ogólnych uwag pedagogicznych. Jednak jego wskazówki dydaktyczne i idee pedagogiczne były na tyle ważne i żywotne, że stały się podstawą dalszego rozwoju metod rysunkowych w szkołach średnich.

Pestalozzi przywiązuje dużą wagę do metod nauczania. Sukces w nauce rysowania – mówi Pestalozzi – zależy od odpowiednio skonstruowanego systemu. Artyści niewiele myślą o metodach nauczania, chodzą okrężnymi drogami, dlatego ich twórczość jest dostępna tylko dla nielicznych (zwłaszcza uzdolnionych). Podstaw rysunku można jednak nauczyć każdego, a rysunek, który ma ogromne znaczenie ogólnoedukacyjne, powinien zajmować w szkole swoje miejsce obok innych przedmiotów akademickich.

Pestalozzi szczegółowo przedstawił swoje poglądy na temat technik rysunkowych w książce „Jak Gertruda uczy swoje dzieci”. Zasługą Pestalozziego jest także to, że przy opracowywaniu systemu nauczania uznał za konieczne kierować się cechami wiekowymi uczniów

Według Pestalozziego połączenie materiałów edukacyjnych w spójny system, ustanowienie ścisłego powiązania wiedzy z umiejętnościami rysunkowymi z pewnością rozwinie w uczniach umiejętności ich świadomego stosowania w samodzielnej pracy

Pestalozzi uważa, że ​​nauka rysowania powinna odbywać się od życia, gdyż przyroda jest dostępna dla obserwacji, dotyku i pomiaru. Zgodnie z tą postawą sam termin „rysunek” definiuje jako ustanawianie formy poprzez linię; Jak zauważa, wielkość formy można określić na podstawie dokładnego pomiaru. Według Pestalozziego dziecko rozwija się poprzez czerpanie z życia: wystarczy nauczyć je czerpać z wzorców życia zaczerpniętych z realnego życia i otaczającej go przyrody; nawet jeśli te pierwsze kontury są niedoskonałe, to ich wartość rozwojowa jest znacznie większa niż czerpanie z imitacji, czyli z gotowych rysunków. W rysunku Pestalozzi przywiązuje dużą wagę do metod rozwoju oka. Umiejętność mierzenia to ABC obserwacji

Jego ogólne uwagi mają wielką wartość. Zasługą Pestalozziego jest to, że jako pierwszy połączył naukę o nauczaniu szkolnym ze sztuką i postawił kwestię konieczności metodologicznego rozwoju każdej pozycji rysunku. Uważał, że dla rozwoju oka powinna istnieć jedna metoda, dla zrozumienia form - inna, dla technologii - trzecia. Pracę tę wykonali jego uczniowie i naśladowcy.

Po Pestalozzim we wszystkich szkołach podstawowych zaczęto wprowadzać rysunek jako przedmiot kształcenia ogólnego. Idee pedagogiczne Pestalozziego są dalej rozwijane. Pierwszą taką pracą jest książka „Elementy rysunku opartego na ideach Pestalozziego” napisana przez jego ucznia Josepha Schmidta. Podczas nauki rysowania I. Schmidt proponuje wykonanie specjalnych ćwiczeń: rozwijających rękę i przygotowujących ją do rysowania, ćwiczeń tworzenia i odnajdywania pięknych kształtów, ćwiczeń rozwijających wyobraźnię, ćwiczeń z geometrycznego rysowania przedmiotów, perspektywy.

Aby ułatwić uczniom pracę, I. Schmidt proponuje umieścić za naturą kartkę tektury, na której przedstawiona jest siatka kwadratów. Rysując model z życia, uczeń zawsze mógł sprawdzić nachylenie i charakter konturu (sylwetki) obiektu w stosunku do linii pionowych i poziomych, a komórki pomogły w prawidłowym odnalezieniu proporcji. Po początkowym kursie rysunku Schmidt radzi przejść do rysunku artystycznego, gdzie uczeń zaczyna rysować osobę, najpierw z modelu gipsowego, a następnie z żywego modelu. Kurs kończy się rysowaniem z życia drzew i krajobrazów.

Inny uczeń Pestalozziego, Ramsauer, opublikował pracę zatytułowaną „Nauczanie rysunku”, w której po raz pierwszy zarysowano ideę rysowania na tablicy. Nowa metoda była następująca: na dużej tablicy rysowano wszelkiego rodzaju linie w formie ćwiczeń wstępnych, proponowano ćwiczenia rozwijające oko - rysowanie linii do określonych punktów, dzielenie linii na części, rysowanie linii pod określonym kątem ( nachylenie). Kolejnym etapem było rysowanie figur geometrycznych oraz charakterystycznych form natury i sztuki. Nauczyciel powinien przedstawić to wszystko na tablicy, a uczniowie powinni monitorować powstawanie i rozwój każdej formy. Kurs zakończył się czerpaniem z życia, najpierw przedmiotów gospodarstwa domowego, potem gipsowych głów, a na końcu żywej głowy.

Duży wpływ Na rozwój metodologii szkolnej wpływ miała twórczość berlińskiego nauczyciela plastyki Petera Schmida. Najpierw wprowadził do szkół średnich i szczegółowo rozwinął metodę czerpania z życia, wykorzystując do tego różne modele geometryczne. Schmid zapoczątkował rozwój tzw. metody geometrycznej. Zasługą Schmida było opracowanie metodologii nauczania rysunku, opartej na ogólnych zasadach pedagogicznych. Według Schmida rysunek to nie tylko mechaniczne ćwiczenie ręki, to także gimnastyka umysłu, ćwiczy się także obserwację, ogólne poczucie formy i wyobraźnię. Kolejność nauczania rysunku powinna według Schmida być następująca: najpierw obraz najprostszej formy - równoległościanu, następnie obraz krzywoliniowych kształtów przedmiotów - i tak stopniowo uczeń jest doprowadzany do rysowania z gipsowych główek i popiersia. Każde zadanie determinuje następne, a kolejne zakłada poprzednie i na nim się opiera.

Schmid uważał, że kopiowanie zdjęć nie tylko nie przynosi uczniowi korzyści, ale wręcz jest szkodliwe. Stwierdził, że kopiowanie pomaga jedynie w nabyciu umiejętności mechanicznych i w żaden sposób nie przyczynia się do rozwoju umysłowego dzieci.

w pierwszej połowie XIX w. w szkołach średnich rozpowszechniła się metoda braci Dupuis. Metoda nauczania rysunku Dupuya była skonstruowana w następujący sposób: najpierw uczniowie studiują i przedstawiają najprostsze modele (drut) bez zjawisk perspektywicznych - czołowo, następnie - modele drutowe z wycięciami perspektywicznymi. Następnie rysowane są figury płaskie, a następnie trójwymiarowe. Kolejność metodologiczna przy rysowaniu każdej grupy modeli była taka sama: najpierw - obraz modelu od przodu, następnie - perspektywiczny.

Metoda nauczania rysunku braci Dupuy miała jeszcze jedną cechę – uczniowie początkowo rysowali kredą na czarnych tablicach, a gdy nabrali już wprawy w rysowaniu, przeszli do pracy na papierze. Aby rozwinąć poczucie formy, Dupuis wprowadził zajęcia z modelowania w glinie.

Metoda nauczania rysunku braci Dupuis nie straciła na znaczeniu do dziś. Niektóre opracowane przez niego modele wykorzystywane są przez artystów-nauczycieli. Tak więc nauczyciele wydziału artystycznego i graficznego Moskiewskiego Państwowego Instytutu Pedagogicznego nazwali ich imieniem. V.I. Lenin, ucząc rysunku według metody D.N. Kardowskiego, stosuje się modele Dupuis.

. Rysunek w Rosji XVIII wieku. (Preysler, GA Gippius)

Do XVIII wieku główną metodą nauczania rysunku była metoda kopiowania. Rysunek jako przedmiot ogólnoedukacyjny nie był jeszcze wówczas szeroko rozwinięty, do instytucji edukacyjnych zaczęto go wprowadzać dopiero na początku XVIII wieku.

Wzmocnienie potęgi Rosji i reformy Piotra 1 spowodowały ogólny wzrost kultury w kraju. Istniało ogromne zapotrzebowanie na ludzi potrafiących rysować mapy, rysować i ilustrować książki.

W 1711 r. w petersburskiej drukarni Piotr I zorganizował świecką szkołę rysunku, w której uczniowie nie tylko kopiowali oryginały, ale także czerpali z życia.

Z zagranicy zapraszani są nauczyciele-artyści i zawierane są z nimi umowy.

Rysunek zaczyna być szeroko wprowadzany do instytucji edukacyjnych. Aby właściwie uporządkować metodologię nauczania rysunku w tych placówkach edukacyjnych, opublikowano książkę I. D. Preislera „Podstawowe zasady, czyli krótki przewodnik po sztuce rysunkowej”. To była pierwsza poważna metoda Podręcznik rysowania w Rosji. Książka Preislera jest dla nas szczególnie interesująca z metodologicznego punktu widzenia. Podręcznik opisuje specyficzny system nauczania rysunku. Książka zawierała instrukcje nie tylko dla początkujących artystów, ale także dla tych, którzy uczyli rysunku.

Szkolenie w systemie Preislera rozpoczyna się od wyjaśnienia przeznaczenia linii prostych i krzywych w rysunku, następnie figur geometrycznych i brył, a na koniec zasad ich wykorzystania w praktyce. Autorka z metodyczną konsekwencją pokazuje uczniowi opanowanie sztuki rysunku, przechodząc od prostych do złożonych.

Niezależnie od przedmiotu, jaki Preysler proponuje do rysowania, stara się przede wszystkim pomóc uczniowi poradzić sobie z trudnościami związanymi z analizą kształtu przedmiotu i konstruowaniem go na płaszczyźnie. Dobitnie pokazuje, jak systematycznie konstruować obraz.).

Jak większość ówczesnych artystów-nauczycieli, Preysler opierał swoje nauczanie rysunku na geometrii. Geometria pomaga rysownikowi zobaczyć i zrozumieć kształt obiektu, a przedstawiając go na płaszczyźnie, ułatwia proces budowy. Preisler ostrzega jednak, że posługiwanie się figurami geometrycznymi musi być połączone ze znajomością zasad i praw perspektywy oraz anatomii plastycznej.

Preysler przywiązuje dużą wagę do umiejętności opanowania rysunku liniowego.

Podręcznik Preyslera cieszył się dużym uznaniem wśród współczesnych, był kilkakrotnie wznawiany zarówno za granicą, jak i w Rosji. W tym czasie nie było bardziej szczegółowego i jasnego rozwoju metodologicznego rysunku edukacyjnego, dlatego prace Preislera w Rosji były przez długi czas wykorzystywane nie tylko w ogólnokształcących placówkach edukacyjnych, ale także w specjalnych szkołach artystycznych.

Z historycznego punktu widzenia tej oceny metody Preislera nie można uznać za słuszną. To nie przypadek, że jego twórczość przez całe stulecie cieszyła się tak wielkim sukcesem, chociaż w tym czasie wydano wiele różnych podręczników i pomocy rysunkowych zarówno w Rosji, jak i za granicą. Oczywiście, dziś można doszukać się w książce Preislera pewnych niedociągnięć, jednak w imię prawdy historycznej trzeba zaznaczyć, że jak na tamte czasy był to najlepszy przewodnik. Wiedza, którą uczeń zdobył w trakcie studiowania kursu Preyslera, pomogła mu w przyszłości czerpać z życia, a także czerpać z pamięci i wyobraźni, co jest tak ważne dla artysty.

Tak więc pod koniec XVIII wieku rysunek jako ogólny przedmiot nauczania zaczął być powszechny. W tym czasie Rosja stała się potężną potęgą. W związku z rozwojem życia gospodarczego i społecznego kraju gwałtownie wzrosło zapotrzebowanie na osoby posiadające wiedzę wizualną oraz umiejętność rysowania i malowania.

Pojawia się szereg prac teoretycznych, które dowodzą konieczności doskonalenia umiejętności graficznych i podkreślają znaczenie rysunku jako ogólnokształcącego przedmiotu edukacyjnego.

W 1844 r. G. A. Gippius opublikował pracę „Eseje o teorii rysunku jako ogólnego przedmiotu nauczania”, poświęconą rysunkowi jako ogólnemu przedmiotowi nauczania. Była to pierwsza tak poważna praca poświęcona tej tematyce, obejmująca zarówno ogólne zagadnienia teoretyczne pedagogiki i sztuk pięknych, jak i zagadnienia metod nauczania rysunku.

W tym okresie wiele zrobiono w zakresie publikowania różnych podręczników, podręczników i tutoriali na temat rysunku.

Książka podzielona jest na dwie części – teoretyczną i praktyczną. W części teoretycznej przedstawiono podstawowe zasady pedagogiki i sztuk pięknych. Część praktyczna przedstawia metodologię nauczania.

Gippius stara się naukowo i teoretycznie uzasadnić każde stanowisko metodologii nauczania rysunku. W nowy sposób postrzega sam proces nauczania. Metody nauczania, twierdzi Gippius, nie powinny trzymać się określonego schematu, różne metody nauczanie może osiągnąć dobre rezultaty. Gippius antycypuje w tym względzie współczesne rozumienie metodologii nauczania jako sztuki nauczania. Aby nauczyć się poprawnie rysować, musisz nauczyć się rozumować i myśleć, mówi Gippius, a to jest konieczne dla wszystkich ludzi i należy je rozwijać od dzieciństwa. Gippius w drugiej części swojej książki podaje wiele cennych rad i zaleceń metodologicznych. Metody nauczania, zdaniem Gippiusa, powinny opierać się nie tylko na danych z pracy praktycznej, ale także na danych z nauki, a przede wszystkim z psychologii. Gippius ma bardzo wysokie wymagania wobec swojego nauczyciela. Nauczyciel musi nie tylko dużo wiedzieć i umieć, ale także występować przed uczniami w roli aktora. Praca każdego ucznia powinna znajdować się w polu widzenia nauczyciela.

Gippius ściśle łączy wyposażenie zajęć w sprzęt i materiały z kwestiami metodologicznymi.

Praca G. A. Gippiusa wniosła znaczący wkład w teorię i praktykę nauczania rysunku jako przedmiotu kształcenia ogólnego, znacznie wzbogaciła metody nauczania.

Tak poważnego i dogłębnego opracowania zagadnień metodologii nauczania tego okresu nie znajdziemy u nikogo, nawet u najwybitniejszego przedstawiciela myśli pedagogicznej. Wszystkie ograniczały się do przedstawienia ogólnych zasad teoretycznych pedagogiki, na których powinna opierać się metodologia; artyści-nauczyciele zwracali szczególną uwagę na zasady rysowania. Tymczasem większość nauczycieli potrzebowała właśnie ujawnienia samej metodologii nauczania i w tym względzie Gippius zrobił coś niezwykle ważnego. Wielu badaczy historii metod nauczania rysunku pominęło w swoich pracach te ważne punkty.

9. Edukacja artystyczna w XIX wieku. Szkoły rysunku. „Kurs rysunku” i pomoce wizualne A. P. Sapożnikowa

Charakterystyczna cecha życia artystycznego Rosja XIX stulecia to aktywne poszukiwanie form i metod edukacji artystycznej i wychowania członków społeczeństwa. W tym zakresie otwieranie szkół artystycznych w różnych miastach, wydawanie stowarzyszeń i organizacji artystycznych, promocja sztuki poprzez działalność wystawienniczą i wydawniczą.

W 1804 r Statut szkoły wprowadza rysunek do wszystkich szkół i gimnazjów powiatowych.

W latach 1706-97 pojawiła się szkoła rysunkowa stworzona przez Piotra<#"justify">Metoda w jasny i prosty sposób odsłoniła najbardziej złożone koncepcje związane z konstrukcją trójwymiarowego obrazu na płaszczyźnie i dokonała rewolucji w pracy edukacyjnej. Bo najlepszym sposobem, aby pomóc uczniowi w prawidłowym skonstruowaniu obrazu kształtu przedmiotu, jest jego uproszczenie na początku rysunku - określenie geometrii. na podstawie kształtu obiektu, a następnie przejdź do udoskonalenia. Metoda Sapożnikowa miała wiele wspólnego z metodą Dupuisa, ale została opublikowana wcześniej (Sapożnikow – w 1834 r. i Dupuis – w 1842 r.). Prawie wszystkie nowoczesne metody opierają się na systemie A. Sapożnikowa.

10. Poglądy pedagogiczne P.P. Czistyakowa

Cechy artystycznej szkoły rysunku P. P. Chistyakova.

P. P. Chistyakov uważał, że Akademia Sztuk Pięknych w czasach, w których wykładał (1872–1892), wymaga reformy i nowych metod pracy ze studentami, konieczne jest udoskonalenie metod nauczania rysunku, malarstwa i kompozycji.

Od 1871 r. Czistyakow brał czynny udział w produkcji rysunków w szkołach średnich.

System nauczania Czistyakowa obejmował różne aspekty procesu artystycznego: związek natury i sztuki, artysty i rzeczywistości, psychologię twórczości i percepcji itp. Metoda Czistyakova kształciła nie tylko artystę-mistrza, ale artystę-twórcę. Czystyakow przywiązywał zdecydowaną wagę do rysowania w swoim systemie, nawoływał do wnikania w samą istotę widzialnych form i odtwarzania ich przekonującego konstruktywnego modelu na konwencjonalnej przestrzeni kartki. Zaletą systemu nauczania Chistyakova była integralność, jedność na poziomie metodologicznym wszystkich jego elementów, logiczne przejście z jednego etapu do drugiego: od rysunku, przez światłocień, potem do koloru, do kompozycji (kompozycji).

Przywiązywał dużą wagę do koloru, uznając kolor za najważniejszy środek wyrazu figuratywnego i ujawniający treść dzieła.

Komponowanie obrazu jest wynikiem szkolenia artysty, kiedy był już w stanie zrozumieć zjawiska otaczającego życia, podsumować swoje wrażenia i wiedzę w przekonujących obrazach „Zgodnie z fabułą i techniką” było ulubionym wyrażeniem Chistyakova.

Metody nauczania rysunku Chistyakova są porównywalne z metodami słynnych monachijskich szkół artystycznych.

Przez wiele lat nauczania Czistyakow opracował specjalny „system rysowania”. Uczył widzieć przyrodę taką, jaka istnieje i jaką się objawia, łączyć (ale nie mieszać) zasady linearne i obrazowe, poznawać i czuć podmiot niezależnie od tego, co trzeba przedstawić, czy będzie to zmięta kartka papieru, czy odlew gipsowy lub złożona fabuła historyczna. Innymi słowy, główne postanowienia „systemu” były formułą „żywego związku z naturą”, a rysunek był sposobem jej zrozumienia.

Metody Chistyakova, porównywalne z metodami słynnych monachijskich szkół artystycznych, jego umiejętność odgadnięcia specjalnego języka każdego talentu i ostrożne podejście do każdego talentu dały niesamowite rezultaty. Różnorodność twórczych indywidualności uczniów mistrza mówi sama za siebie - są to V. M. Vasnetsov, M. A. Vrubel, V. D. Polenov, I. E. Repin, A. P. Ryabushkin, V. A. Serov, V. I. Surikov i inni.

Analizując działalność dydaktyczną P. P. Chistyakova, możemy zidentyfikować główne elementy jego systemu pracy, dzięki czemu osiągnięto wysoki poziom jakości w nauczaniu rysunku. Polegał on na współdziałaniu następujących elementów: celów i zadań nauczania jako punktu wyjścia funkcjonowania systemu pedagogicznego; naukowo uzasadniona treść materiałów edukacyjnych; stosowanie różnych typów i form zajęć, dzięki którym organizowano zajęcia uczniów mające na celu opanowanie umiejętności artystycznych w zakresie rysunku; różne formy kontroli, za pomocą których zapobiegano możliwym odstępstwom od powierzonych zadań podczas wykonywania rysunku; miało miejsce ciągłe samodoskonalenie samego P.P. Chistyakova, które miało przede wszystkim na celu poprawę pozytywnego wpływu na uczniów. Integralną częścią systemu pracy Pawła Pietrowicza Czistyakowa była także zbudowana relacja ze studentami, która miała charakter humanistyczny, skupiała się na komunikacji ze studentami, dialogu i szacunku dla jednostki. P. P. Czistyakow (1832-1919) znany jest nie tylko jako artysta, ale także wybitny pedagog, którego wieloletnia praca w Akademii Sztuk Pięknych w dużej mierze zadecydowała o losach szkoły malarstwa realistycznego w Rosji końca XIX wieku - początek XX w. Poglądy pedagogiczne P. P. Czistyakowa zyskały uznanie już w czasach sowieckich i zostały podsumowane w szeregu dzieł krytyki artystycznej. Pomimo istnienia szeregu dzieł poświęconych działalności Czistyakowa, jego system pedagogiczny ma charakter tak rewolucyjny i nie znajduje analogii w teorii i praktyce innych narodowych szkół artystycznych. Odważne i konsekwentne rozwiązanie palących problemów sztuki współczesnej, jakie znalazł Chistyakov, nie opierało się na odmowie, ale na kompleksowym wykorzystaniu istniejących tradycji, co pozwoliło mu stworzyć szkołę. zasadniczo nowy, wychowując największych mistrzów malarstwa rosyjskiego końca ubiegłego - początku tego wieku. System Chistyakova nie był prostym, choć utalentowanym eksperymentem wspaniałego nauczyciela. Wszystkie jego boki zostały zbudowane z perspektywy sztuki, którą wyrażała i której służyła. I ten zawarty w nim wewnętrzny dynamit zdeterminował dalszy rozwój malarstwa narodowego, które (poszczególne jego postanowienia zachowały swoje znaczenie do naszych czasów. ! System Czistyakowskiego jest naukowy i artystyczny w największym i najgłębszym znaczeniu tych pojęć. System ten opierał się na całkowitej rewizji dotychczasowych metod nauczania, a jednocześnie służył ich usystematyzowaniu i przemyśleniu w oparciu o nowe przesłanki ideologiczne. Główną rolę w systemie nauczania Czistyakowa odegrała płaszczyzna obrazu, która pełniła rolę pośrednika między życiem a malarzem i pomagała porównać obraz z naturą. Dlatego Czistyakow nazwał swój system rysowania jako całość „systemem rysowania testowego”. Uznanie rysunku za poważny przedmiot akademicki; Czistyakow zwrócił uwagę, że jego metody nauczania powinny opierać się na prawach nauki i sztuki. Nauczyciel nie ma prawa wprowadzać ucznia w błąd swoim subiektywnym rozumowaniem, ma obowiązek przekazywać rzetelną wiedzę.Idee Czistyakowa dotyczące relacji między nauczycielem a uczniami są dla nas bardzo cenne. „Prawdziwy, rozwinięty, dobry nauczyciel nie bije ucznia kijem, w przypadku błędu, niepowodzenia itp. stara się dokładnie wyjaśnić istotę i robić to umiejętnie, aby poprowadzić ucznia na prawdziwą drogę”. Ucząc uczniów rysowania, należy dążyć do intensyfikacji ich aktywności poznawczej. Nauczyciel musi dać kierunek, zwrócić uwagę na najważniejsze, a uczeń musi sam rozwiązać te problemy. Aby poprawnie rozwiązać te problemy, nauczyciel musi nauczyć ucznia nie tylko zwracać uwagę na przedmiot, ale także dostrzegać jego charakterystyczne aspekty. W rysunku edukacyjnym zagadnienia obserwacji i poznania przyrody odgrywają pierwszorzędną rolę. Podobnie jak nauka rysowania, Chistyakov dzieli naukę malarstwa na kilka etapów. Pierwszym etapem jest opanowanie figuratywnego charakteru koloru, wyrobienie w młodym artyście umiejętności precyzyjnego określenia odcienia koloru i odnalezienia jego prawidłowego położenia przestrzennego. Drugi etap polega na nauczeniu ucznia rozumienia ruchu koloru w formie jako głównego środka przekazu natury, trzeci to nauczenie, jak rozwiązywać pewne problemy fabularne i plastyczne za pomocą koloru Czystyakow był prawdziwym innowatorem, który zmienił pedagogikę w wysoką kreatywność. Biorąc pod uwagę współczesne wymagania sztuki, nie tylko zrewidował niektóre aspekty nauczania, ale także całkowicie je zrewolucjonizował, począwszy od kwestii relacji sztuki do rzeczywistości, a skończywszy na umiejętnościach i predyspozycjach zawodowych. Jego system nauczania kształcił artystę w prawdziwym tego słowa znaczeniu. Mistrzostwo przyszło jako dojrzałość artysty, a nie jako rzemieślnicza podstawa jego twórczości.System opierał się na głęboko realistycznym, obiektywnym odzwierciedleniu świata poprzez odczucia i rozumienie życia artysty. Czistyakow jako jeden z pierwszych udowodnił, że obraz artystyczny nie jest malarskim usystematyzowaniem tego, co widzi, ale wyrazem własnego doświadczenia.

. Czerpanie z edukacji ogólnej i specjalnych instytucji edukacyjnych Rosji w XVIII - XIX wieku. Metody nauczania rysunku w Imperial Academy of Arts

Idea znaczenia edukacji artystycznej w szkołach podstawowych, średnich i wyższych o różnych specjalnościach nieartystycznych oraz systematycznego kształcenia uczniów w zakresie sztuk pięknych wraz z innymi przedmiotami kształcenia ogólnego - czytania, pisania, arytmetyki - w pedagogice domowej został sformułowany w XVIII wieku.

Profesjonalne szkolnictwo artystyczne w Rosji w XVIII wieku. można było uzyskać w prywatnych warsztatach (I. Argunow, P. Rokotow), w Szkole Rysunkowej zorganizowanej przez Piotra I w 1711 r. w drukarni petersburskiej. Od 1758 roku Akademia Trzech Najwybitniejszych Sztuk stała się naukowym i metodologicznym ośrodkiem edukacji artystycznej.

Metodologię nauczania „rysunku” wzorowano na Akademii Sztuk Pięknych: doskonalenie umiejętności technicznych w procesie kopiowania próbek. Jako oryginały do ​​kopiowania przez uczniów w szkołach wykorzystano „Podstawowe zasady, czyli krótki przewodnik po sztuce rysunkowej” I. D. Preyslera, „Kurs rysunku” A. P. Sapożnikowa

Tak więc do końca XVIII w. Rysunek jako przedmiot kształcenia ogólnego stał się powszechny. W związku z szybkim rozwojem przemysłu i urbanistyki, wzrostem liczby przedsiębiorstw przemysłowych, wzrosło zapotrzebowanie na osoby posiadające wiedzę wizualną oraz umiejętność rysowania i rysowania, co wpłynęło na włączenie przedmiotu „Rysunek” do program.

Akademia Sztuk Pięknych jest wyższą wyspecjalizowaną instytucją edukacyjną, jej rola w życiu Rosji była wiodąca. Początkowo akademie artystyczne były prywatnymi pracowniami i wspólnotami twórczymi mistrzów sztuki, ich celem było zachowanie i rozwój najwyższych tradycji sztuki, kierowanie kształtowaniem poglądów estetycznych, kryteriów i norm twórczości artystycznej oraz utworzenie szkoły artystycznej i kształcenia zawodowego w tym zakresie. podstawa.

W Rosji pierwsza Akademia Sztuk powstała w 1757 roku w Petersburgu jako „Akademia Trzech Najszlachetniejszych Sztuk” - malarstwa, rzeźby i architektury. W 1764 roku utworzono Cesarską Akademię Sztuk Pięknych ze Szkołą Edukacyjną. W całej swojej historii Akademia Petersburska była głównym rosyjskim ośrodkiem edukacji artystycznej. Najwięksi rosyjscy architekci, rzeźbiarze, malarze i rytownicy przeszli w Akademii rygorystyczne, wymagające szkolenie.

Akademia Sztuk Pięknych od początku swego istnienia była nie tylko instytucją edukacyjno-wychowawczą, ale także ośrodkiem oświecenia artystycznego, gdyż regularnie organizowała wystawy. Pod nią powstały muzea Biblioteka naukowa, nadal włączone w struktury akademii.

Ważny obszar działalności Akademii Sztuk Pięknych w XX wieku. było kształcenie historyków sztuki i nauczycieli historii sztuki dla muzeów i instytucji edukacyjnych w Rosji. W 1944 r. Instytut Malarstwa, Rzeźby i Architektury, utworzony na bazie Rosyjskiej Akademii Sztuk, otrzymał imię wielkiego rosyjskiego malarza I. E. Repina.

Instytut utrzymywał, rozwijał i tworzył relacje oparte na ciągłości tradycji szkoły petersburskiej. Studenci akademii wychowali nowych utalentowanych studentów, a także przenieśli tradycje edukacyjne do miast Rosji. Rola Akademii Sztuk w rozwoju rosyjskiej edukacji artystycznej w życiu Rosji była wiodąca.

. Badania nad twórczością wizualną dzieci na przełomie XIX i XX w. (Biogenetyczna koncepcja twórczości wizualnej dzieci i teoria bezpłatnej edukacji. K. Ricci, Lamprecht, G. Kerschensteiner)

Edukacja artystyczna jest uważana za część kultury artystycznej. Rysowanie dzieci jest częścią sztuki. kultura, a dziecko jest bohaterem procesu kulturowego.Rozpatrzenie rysunków dziecięcych w aspekcie historycznym, jako fenomenu sztuki. kultura. zakłada: 1. analizę pod kątem treści i metod sztuki. Edukacja; II miejsce za dziecko i jego twórczość plastyczną. kultura; 3-psychologiczne cechy rozwoju związanego z wiekiem, 4. wpływ indywidualności pedagogicznej - interakcja ucznia z jego mentorem w sztuce. Książka Georga Kerschensteinera „Rozwój twórczości artystycznej dziecka”, opublikowana w Rosji w 1914 roku, stała się pierwszym fundamentalnym opracowaniem rysunków dziecięcych wiek szkolny od 6 do 13 lat. Szczególną uwagę zwraca się na ekspresję artystyczną, przejawiającą się w swobodnym i dekoracyjnym rysunku w różnym wieku dzieci. Celem badania było zbadanie rozwoju umiejętności rysowania w połączeniu z systematycznymi wpływami zewnętrznymi.

Niemieccy naukowcy ustalili: zróżnicowanie płci w sensie talentu artystycznego; różne postawy dzieci z miast i wsi; połączenie rozwoju intelektualnego z umiejętnością reprezentacji graficznej.

Rosja końca XIX i początku XX wieku charakteryzowała się wzmożonym zainteresowaniem metodami nauczania rysunku, zarówno w placówkach oświaty specjalnej, jak i ogólnokształcącej.

Zaczęto badać psychologię dziecięcą. Corrado Ricci 1911. Zauważyłam, że dzieci wybrały osobę jako jeden z centralnych obiektów obrazu. . Ricci porównał twórczość dzieci ze sztuką epok prehistorycznych i prymitywnych, co posłużyło jako podstawa do wykorzystania teorii biogenetycznej do wyjaśnienia rozwoju kreatywności wizualnej dzieci. Porównanie kreatywność dzieci z historią sztuki doprowadziło do zidentyfikowania etapów rozwoju wspólnych dla wszystkich dzieci, opracowanych w badaniach Kershensteinera 1914, które następnie zinterpretował Lamprecht 1909 jako odkrycie form rysunku dziecięcego: I etap – diagramy – bezkształtne bazgroły i prymitywność. II etap poczucia formy i linii to mieszanina formalności i schematyzmu, III etap - etap wiarygodnego obrazu - etap sylwetek i konturów. IV etap obrazu plastycznego. Kershensteiner oceniał rysunki dzieci według cech społecznych – miejskich i wiejskich. . argumentował, że rozwój rysunku musi przejść przez wszystkie 4 etapy. Niezależnie od wieku musi przetrwać każdy poprzedni etap. Odrzucenie zasady nauczania doprowadziło do braku konstrukcji obrazu. Był przeciwny metodzie geometrycznej. Teoria bezpłatnej edukacji.

Badając metody nauczania rysunku na przełomie wieków, trzeba wziąć pod uwagę, że w tamtym czasie rysowanie obejmowało czerpanie z życia, dekoracyjne, tematyczne i konwersacyjne. Okres ten byłby bardzo trudny i pełen sprzeczności. Przejrzystość i rygor rysunku są zauważalnie zmniejszone. Pojawia się szereg prac badawczych, badana jest psychika dziecka. Kerschensteinera. W tym okresie wszystko się miesza. Wolna edukacja, spór między zwolennikami metod geometrycznych i naturalnych a formalistami. przedstawiciele metody geometrycznej bronią kierunku akademickiego, przedstawiciele metody naturalnej opowiadają się za teorią bezpłatnej edukacji. Zajęcia z rysunku w szkole zaczęto postrzegać zbyt wąsko. Niektórzy teoretycy twierdzą, że w szkole nie ma się uczyć sztuk pięknych – mówią, że to zadanie szkoły artystycznej. Wprowadzając dzieci w świat sztuk pięknych, należy zapewnić im więcej możliwości samodzielnej twórczości. Pod tym względem w działaniach wizualnych w ogóle nie widzimy różnicy wieku. Wszystkie prace są równie naiwne i bezradne w sztuce, łączy je wspólne określenie „rysunek dziecięcy”. W wielu szkołach łamany jest rygorystyczny system nauczania, a rysunek jako przedmiot kształcenia ogólnego traci swoją wiedzę. Picasso napisał: że zapewnia się nas, że dzieciom należy dać wolność, a tak naprawdę zmusza się je do wykonywania dziecięcych rysunków. Tego uczą. Formalistyczna sztuka mieszczańska wywarła wpływ na metody nauczania w szkołach średnich. Cały system i metody nauczania tego okresu miały na celu rozwój indywidualności każdego ucznia i nienaruszalność jego osobowości artystycznej. Szkoła nie jest potrzebna – w szkole artysta traci swoje naturalne walory. . wielu postrzegało ścisły, realistyczny rysunek jako kajdany ograniczające możliwości twórcze artysty. Zwolennicy wolnej edukacji sprzeciwiali się akademickiemu studiowaniu przyrody i szkole w ogóle. Wszyscy, od impresjonistów po abstrakcjonistów, idą pod hasłem – precz ze szkołą, wolnością twórczą. Ruchy formalistyczne wywarły szkodliwy wpływ na szkołę artystyczną i metody nauczania rysunku. Oddzielenie formy od treści, zaprzeczenie poznawczemu znaczeniu sztuki doprowadziło sztukę do nonsensu. Ale były szkoły i indywidualni artyści, którzy nadal bronili zasad sztuki realistycznej.

Od drugiej połowy XIX wieku zaczęto głębiej i poważniej rozwijać metodykę szkolną. To prawda, że ​​​​w tym okresie było wiele sporów między metodologami na temat przewagi jednej metody nad drugą. Na metody nauczania rysunku w szkole od zawsze wpływała estetyka sztuki. Czasami wpływ ten był negatywny, jak na przykład wpływ sztuki formalistycznej. Zaniedbanie podstaw rysunku realistycznego, wycofanie się z realnego świata, wyrzeczenie się szkoły – to podstawowe zasady sztuki formalistycznej, które wyrządziły poważną szkodę rozwojowi metod nauczania rysunku w szkołach średnich. Rysunek jako przedmiot kształcenia ogólnego traci na znaczeniu. Zainteresowanie rysunkami dzieci ogranicza się jedynie do badania kreatywności dzieci. Krytycy sztuki zaczynają go wychwalać, artyści naśladują dzieci. Mówi się o zachowywaniu dziecięcej, naiwnej spontaniczności postrzegania świata i o tym, że uczenie się w ogóle ma szkodliwy wpływ na rozwój dziecka.

W wieku 30 lat XX wiek V. czołowi teoretycy zagadnień sztuki. wychowywanie dzieci staje się: w Niemczech-G. Kershensteiner, w Ameryce – J. Dewey, w naszym kraju – A. W. Bakuszyński. Pomimo różnych podejść do rozwiązywanego problemu i różnych jego interpretacji, wszystkie inspirowane są wspólną ideą – ideą „bezpłatnej edukacji”, afirmacji osobowości dziecka z jego prawem do wyrażania swoich uczuć i myśli oraz usunięcie nauczyciela ze stanowiska kierowniczego. Według nich dzieci nie muszą opanowywać umiejętności graficznych, zwłaszcza na początkowym etapie edukacji. Czerpanie z życia jako jeden ze sposobów zrozumienia otaczającego nas świata, rysunek jako podstawa sztuki z roku na rok traci na znaczeniu. Niektórzy teoretycy twórczości dziecięcej zaczynają twierdzić, że w szkole ogólnokształcącej nie należy uczyć dzieci umiejętności wizualnych, graficznych – to złe zadanie. szkole oraz wspieranie ogólnego rozwoju estetycznego dziecka. W latach 50 XX wiek W wielu szkołach za granicą łamany jest rygorystyczny system nauczania, a rysunek jako przedmiot kształcenia ogólnego traci na znaczeniu. Rysunek jako taki zniknął całkowicie, a co za tym idzie, zniknęły metody nauczania rysunku w szkołach średnich. Tematem przewodnim wszystkich międzynarodowych sympozjów jest edukacja estetyczna, problem wszechstronnego rozwoju człowieka.

. Okres sowiecki Edukacja plastyczna. Edukacja artystyczna w pierwszej dekadzie władzy radzieckiej. Stan nauczania rysunku i sztuk pięknych w szkole radzieckiej lat 20. - 30. XX wieku (Formalne i realistyczne kierunki życia artystycznego. Rosyjska Akademia Nauk. Tworzenie systemu wyższej edukacji graficznej. System pedagogiczny D. N. Kardowskiego)

Pierwsze eksperymenty społeczeństwo radzieckie przełomu lat 20. i 30. odczuło braki w systemie edukacji artystycznej. Osłabienie więzi z tradycjami akademickiej szkoły sztuk pięknych. Na początku lat dwudziestych wiele szkół nie uczyło dzieci prawidłowego, realistycznego rysunku. Abstrakcyjno-schematyczny kierunek nauczania nie tylko zanegował znaczenie metodologii, ale także wypaczył cele i zadania nauczania rysunku w szkołach średnich. Rysowanie nie tylko nie dawało dzieciom nic do rozwoju umysłowego, ale zasadniczo zakłócało ich edukację estetyczną. W latach dwudziestych XX wieku w szkołach opracowano metody rysowania z różnych dziedzin, ale upowszechniły się dwie z nich: metoda rozwijania „swobodnej kreatywności” i „kompleksowa” metoda nauczania.

W naszym kraju stworzono wszelkie warunki do rozwoju sztuk pięknych i edukacji artystycznej. Zniesienie klas, demokratyzacja szkół i oddzielenie szkoły od kościoła doprowadziły do ​​​​restrukturyzacji całej edukacji szkolnej. Pracownikom oświaty publicznej powierzono zadanie przebudowy treści, form i metod nauczania. Wybitnym przedstawicielem „wolnej edukacji” i leżącej u jej podstaw teorii biogenetycznej był A. V. Bakushinsky. Pod koniec lat dwudziestych i na początku lat trzydziestych metody formalistyczne zaczęły być przedmiotem uczciwej krytyki. Rewizja treści programów i programów nauczania doprowadziła do restrukturyzacji metod nauczania rysunku w szkole. Program z 1931 roku opierał się na rysunku życia. Wraz z nim w programie przewidziano miejsce na rysowanie tematyczne, prezentację i rysunek dekoracyjny. Ważne były rozmowy o sztuce. Szkoła artystyczna stanęła na przeszkodzie sztuce realistycznej. Poruszono kwestię utworzenia nowej akademii sztuk pięknych. Stanowcza linia w budowie nowej szkoły, nowy system nauczanie wymagało zwrócenia szczególnej uwagi na kształcenie kadry nauczycielskiej. W 1937 roku otwarto Leningradzki Instytut Malarstwa, Rzeźby i Architektury oraz Moskiewski Instytut Sztuk Pięknych. W tych placówkach edukacyjnych wiodące miejsce zajął rysunek akademicki. Większość artystów-nauczycieli dochodzi do wniosku, że podstawą każdej metody nauczania powinno być czerpanie z życia, które zapewnia artystom wysokie przygotowanie zawodowe.

Kardovsky D.N. - wniósł ogromny wkład w metodologię, zachęcał uczniów do budowania trójwymiarowej formy na płaszczyźnie i jej analizy. Na początku rysunku należy starać się rozbić całą figurę na płaszczyznę, odciąć kształt, aż powstanie duży kształt, nie trzeba rysować szczegółów. Szczególnie ważne jest konstruktywne połączenie pomiędzy częściami kształtów obiektów. Kardowski był przeciwnikiem bezmyślnego kopiowania światłocienia. Kardowski odważnie bronił stanowisk sztuki realistycznej i chronił młodych ludzi przed wpływem formalizmu. Dzięki swoim mocnym przekonaniom, jasnemu i metodycznie opracowanemu systemowi nauczania rysunku Kardowski miał dużą liczbę uczniów i zagorzałych naśladowców.

. Kształtowanie się systemu szkolnictwa wyższego artystycznego i graficznego. Stan nauczania rysunku i sztuk pięknych w szkołach radzieckich od lat 40. do 60. XX wieku (Prace badawcze w zakresie aktywności wizualnej dzieci - N. N. Wołkow, L. S. Wygotski, E. I. Ignatiew, V. I. Kirienko, V. S. Kuzin)

Po Wielkiej Wojnie Ojczyźnianej w naszym kraju przeprowadzono reformę szkolnictwa artystycznego. 5 sierpnia 1947 r. Podjęto uchwałę Rady Ministrów ZSRR „W sprawie przekształcenia Wszechrosyjskiej Akademii Sztuk Pięknych w Akademię Sztuk Pięknych ZSRR”. Rząd powierzył Akademii Sztuk stały rozwój radzieckiej sztuki pięknej we wszystkich jej postaciach „w oparciu o konsekwentną realizację zasad socrealizmu i dalszy rozwój najlepszych postępowych tradycji sztuki narodów ZSRR, a zwłaszcza rosyjska szkoła realistyczna”. Świadczy to o dojrzałości radzieckiej pedagogiki artystycznej, która posiadała wszelkie dane do dalszego doskonalenia metod nauczania sztuk pięknych. W tym okresie rysunek zaczęto uznawać za podstawę sztuk pięknych. Szkolenie w tym zakresie powinno rozpocząć się jak najwcześniej. Z reguły jego rozpoczęcie powinno poprzedzać naukę malarstwa i rzeźby. System nauczania rysunku musi koniecznie uwzględniać „regularne rysowanie z pozowanych aktów w specjalnie stworzonym środowisku, nie dążąc do żadnych innych celów poza zdobyciem mistrzostwa w rysunku”, czyli konkretnie rysunku „akademickiego”. Aby usprawnić pracę metodyczną w szkołach, w latach 50. zrodził się pomysł stworzenia specjalnych podręczników do rysunku. Wcześniej podręczniki do rysunku dla szkół średnich nie były wydawane ani w Rosji, ani za granicą. Od 1959 roku przy instytutach pedagogicznych utworzono sieć wydziałów plastycznych i graficznych.

N. Yu Vergiles, N. N. Volkov, V. S. Kuzin, V. P. Zinchenko, E. I. Ignatiev i inni poświęcili swoje prace badaniu problemów percepcji w procesie aktywności wzrokowej. W tych pracach percepcja jest definiowana jako twórcza zdolność wyodrębnienia przedmiotu z otoczenia, zrozumienia najważniejszych szczegółów, charakterystycznych cech przedmiotu, a także odkrycia powiązań strukturalnych prowadzących do powstania wyraźnego obrazu.

. Rosyjska pedagogika szkolna i artystyczna od lat 60. do współczesności (E. I. Shorokhov, T. Ya. Shpikalova, V. S. Shcherbakov, B. M. Nemensky, M. N. Sokolnikova, Yu. A Poluyanov, B.P. Yusov)

Rosja końca XIX i początku XX wieku charakteryzowała się wzmożonym zainteresowaniem metodami nauczania rysunku, zarówno w placówkach oświaty specjalnej, jak i ogólnokształcącej. Preysler - „Podstawowe zasady, czyli krótki przewodnik po sztuce rysunkowej” Ukazało się w dwóch językach: niemieckim i rosyjskim. Przedstawia specyficzny system nauczania rysunku. Książka zawierała instrukcje dla artystów i nauczycieli. Rozpoczyna się od wyjaśnienia celu rysowania linii prostych i krzywych, a następnie geom. figury i ciała, zasady ich stosowania w praktyce. Geometria jest podstawą nauczania rysunku. Jednak wykorzystanie figur geometrycznych musi być połączone z zastosowaniem zasad i praw perspektywy anatomii plastycznej. W swojej książce dostarcza wielu pomocy wizualnych. Przywiązuje dużą wagę do rysunku liniowego. W 1834 r. A.P. Sapozhnikov opublikował „Kurs rysunku” – pierwszy podręcznik dla instytucji edukacyjnych opracowany przez rosyjskiego artystę. Kurs rysunku rozpoczynał się od zapoznania się z różnymi liniami, kątami, a następnie kształtami geometrycznymi. Wartość metody Sapożnikowa polega na tym, że opierała się ona na czerpaniu z życia i analizie jego formy. Nowa metoda zaproponowana przez Sapożnikowa znalazła szerokie zastosowanie, przed publikacją jego książki królowało kopiowanie oryginału. Metodę uproszczenia formy zastosowałem już na początkowym etapie rysowania. Nauczyciel ma obowiązek ustnie wyjaśnić błędy ucznia. G. A. Gippius publikuje książkę „Eseje o teorii rysunku jako ogólnego przedmiotu akademickiego”. Koncentrowały się w niej wszystkie zaawansowane idee pedagogiki. Książka podzielona jest na dwie części – teoretyczną i praktyczną. W książce teoretycznie uzasadnia każde stanowisko metodologii nauczania. Metodologia nie powinna mieć charakteru schematycznego, ale powinna opierać się na danych praktycznych i naukowych. Wielki wpływ na rozwój nauczania wywarły Czistyakow i jego poglądy na temat relacji między nauczycielem a uczniami, polegające na poznaniu ucznia, jego charakteru i przygotowania, znalezieniu podejścia do ucznia i nauczeniu go prawidłowego patrzenia na przyrodę metody.

Władimir Siergiejewicz Kuzin – członek korespondent Rosyjskiej Akademii Edukacji, doktor pedagogiki. nauki, profesor. W jego programie wiodące miejsce zajmuje czerpanie z życia, czyli nauka widzenia przedmiotów i zjawisk takimi, jakie istnieją. Jest liderem grupy autorów programu państwowego w sztukach plastycznych.

Borys Michajłowicz Niemenski – artysta, pedagog, laureat nagrody państwowej, Członek korespondent Akademii Nauk Pedagogicznych. Jego technika opiera się na wewnętrznym świecie dziecka, na jego uczuciach, emocjach, spostrzeżeniach otaczający świat poprzez duszę dziecka. Obecnie niektóre szkoły z niego korzystają program „Sztuki piękne i twórczość artystyczna”. Metody nauczania sztuk plastycznych w placówkach oświatowych w Obecnie rozwija się bardzo intensywnie. Istnieje wiele interesujących rozwiązań z tego powodu autorzy tacy jak E. I. Kubyshkina, V. S. Kuzin, T. S. Komarova, B. M. Nemensky, E. E. Rozhkova, N. N. Rostovtsev, N. M. Sokolnikova, E. V. Shorokhov, A. S. Khvorostov, T. Ya. Shpikalova i inni Stworzyli pomoce edukacyjne, metodologiczne i wizualne dotyczące rysunku, malarstwa, kompozycji, sztuki ludowej i dekoracyjnej. Podręczniki opublikowane po raz pierwszy od wielu lat plastycznych dla szkół podstawowych i gimnazjów.

. Perspektywy edukacji artystycznej i edukacji estetycznej dzieci

Natalia Michajłowna Sokolnikowa to nowoczesna nauczycielka-metodolog, która połączyła w swoich pracach wszystko, co najlepsze w metodach nauczania sztuk pięknych, które pojawiły się w ostatnich latach. Równą wagę przywiązuje do czerpania z życia i DPI, jak i do rozwoju emocjonalnego uczniów. Edukacja artystyczna dzieci w wieku szkolnym to proces opanowywania przez dzieci wiedzy, umiejętności, zdolności oraz kształtowania światopoglądów w dziedzinie sztuki i twórczości artystycznej. Edukacja artystyczna dzieci w wieku szkolnym to proces rozwijania u dzieci umiejętności odczuwania, rozumienia, oceniania, kochania i cieszenia się sztuką; Edukacja i wychowanie artystyczne są nierozerwalnie związane z zachęcaniem dzieci do aktywności artystycznej i twórczej, do kreowania wartości estetycznych, w tym artystycznych. Edukacja estetyczna w szkole ogólnokształcącej to celowy proces kształtowania twórczo czynnej osobowości, zdolnej do dostrzegania i doceniania pięknych, doskonałych, harmonijnych i innych zjawisk estetycznych w życiu, przyrodzie, sztuce, z punktu widzenia przystępnego zrozumienia ideału, oraz żyć i tworzyć „według praw piękna”. System edukacji artystycznej i estetycznej w szkole średniej jest żywym, celowym, zorganizowanym procesem edukacji artystycznej i estetycznej, rozwoju i wychowania dzieci, opartym na zespole nowoczesnych zasad metodologicznych, z uwzględnieniem wieku uczniów. System edukacji estetycznej uczniów zajęcia podstawowe jest zbudowany z uwzględnieniem związanych z wiekiem cech psychologicznych i pedagogicznych dzieci. Niezależnie od tego, czy mówimy o wymaganiach ideału moralnego i estetycznego, gustu, sądach estetycznych, które powinny być charakterystyczne dla gimnazjalisty, nastolatka, młodego mężczyzny, czy o charakterze, gatunkach, kryteriach oceny twórczości (w tym artystycznej i twórczej) ) aktywności, każdorazowo optymalne wymaganie i rozwiązanie problemu musi być skorelowane z możliwościami wiekowymi dziecka. Edukacja estetyczna harmonizuje i rozwija wszystkie zdolności duchowe człowieka niezbędne w różnych dziedzinach twórczości. Jest to ściśle związane z edukacją moralną, ponieważ piękno działa jako swego rodzaju regulator relacji międzyludzkich. Dzięki pięknu człowiek często intuicyjnie przyciąga dobro.

Edukacja estetyczna, zapoznanie człowieka ze skarbnicą światowej kultury i sztuki – wszystko to jest jedynie warunkiem koniecznym osiągnięcia głównego celu edukacji estetycznej – ukształtowania osobowości integralnej, twórczo rozwiniętej indywidualności, działającej zgodnie z prawami piękna.

Edukacja estetyczna prowadzona jest na wszystkich etapach rozwoju osobistego związanego z wiekiem. Im szybciej człowiek wejdzie w sferę ukierunkowanego wpływu estetycznego, tym więcej powodów do nadziei na jego skuteczność. . Doświadczenia zdobyte poprzez komunikację i aktywność kształtują u dzieci w wieku przedszkolnym elementarną postawę estetyczną wobec rzeczywistości i sztuki.

System edukacji estetycznej ma na celu nauczyć Cię dostrzegać piękno wokół siebie, w otaczającej Cię rzeczywistości. Aby system ten najskuteczniej oddziaływał na dziecko i osiągał swój cel, B. M. Nemensky podkreślił następującą cechę: „System edukacji estetycznej musi być przede wszystkim ujednolicony, jednoczący wszystkie przedmioty, wszystkie zajęcia pozalekcyjne, całe życie społeczne ucznia, gdzie każdy przedmiot, każdy rodzaj działalności ma swoje jasne zadanie w kształtowaniu kultury estetycznej i osobowości ucznia”. Ale każdy system ma rdzeń, fundament, na którym się opiera. Za taką podstawę w systemie edukacji estetycznej możemy uznać sztukę: muzykę, architekturę, rzeźbę, malarstwo, taniec, kino, teatr i inne rodzaje twórczości artystycznej. Powód tego podali nam Platon i Hegel. Na podstawie ich poglądów przyjęto aksjomat, że sztuka jest główną treścią estetyki jako nauki, a piękno jest głównym zjawiskiem estetycznym. Sztuka kryje w sobie ogromny potencjał rozwoju osobistego.

Piękno przynosi przyjemność i przyjemność, pobudza do pracy i sprawia, że ​​poznawanie ludzi staje się przyjemnością. Brzydko jest odrażające. Tragedia uczy empatii. Komiks pomaga walczyć z brakami.

Jedną z prawdziwych potrzeb człowieka jest potrzeba piękna jako naturalne pragnienie człowieka harmonii, integralności, równowagi i porządku. O tym, że jest to właśnie potrzeba życiowa człowieka, świadczą wyniki badań antropologów, którzy ustalili, że na pewnym etapie rozwoju ludzkiego mózgu potrzebował on po prostu wrażeń estetycznych i doświadczeń, które przyczyniły się do ukształtowania się osobowości człowieka. holistyczne postrzeganie świata i siebie. Znając edukacyjne, edukacyjne i rozwojowe działanie wrażeń estetycznych, mędrcy z czasów starożytnych radzili otaczać rozwój dziecka pięknem i dobrem, rozwój młodego człowieka pięknem i rozwojem fizycznym, wzrost młodości pięknem i nauką. Piękno powinno być obecne na wszystkich etapach rozwoju osobowości, przyczyniając się do jej harmonijnego rozwoju i doskonalenia. I rzeczywiście piękno, obok prawdy i dobra, niezmiennie jawi się jako część pierwotnej triady wartości, reprezentującej podstawowe podstawy istnienia.

Ta sama pierwotna i prawdziwa jest ludzka potrzeba twórczości, wyrażania siebie, afirmacji siebie w świecie poprzez wprowadzenie do niego czegoś nowego, stworzonego przez siebie. To właśnie pozycja twórcza zapewnia człowiekowi stabilność jego egzystencji, ponieważ pozwala odpowiednio i na czas reagować na wszystkie nowe sytuacje w stale zmieniającym się świecie. Twórczość jest wolną działalnością, do której człowieka nie można zmusić: może tworzyć jedynie dzięki wewnętrznej potrzebie kreatywności, wewnętrznej motywacji, która jest czynnikiem skuteczniejszym niż jakakolwiek presja czy przymus zewnętrzny.

Tutaj odkryto, że wiele prawdziwych potrzeb człowieka ma albo naturę estetyczną, albo zawiera niezbędny element estetyczny. Rzeczywiście, jeśli chodzi o powrót człowieka do jego prawdziwej natury, do jego prawdziwego bytu, do świadomości jego realnych potrzeb, nie najmniejsze miejsce zajmuje kultura estetyczna i edukacja estetyczna oraz prowadząca do niej edukacja estetyczna (choć niekoniecznie ją zapewniająca) . Estetyczna postawa wobec świata zawsze istniała jako zachowanie wszechogarniające, uniwersalne i czysto ludzkie, a ocena estetyczna jest najbardziej holistyczna, jakby dopełniająca postrzeganie przedmiotu w pełni jego daneści i związku z otoczeniem. .

Rola edukacji estetycznej w kształtowaniu postawy twórczej polega na tym, że nie tylko przyczynia się ona do rozwoju uczuć, kształtowania zmysłowości człowieka i jej wzbogacania, ale także oświeca, uzasadnia – racjonalnie i emocjonalnie – potrzebę twórczego podejścia do świat. To edukacja estetyczna ukazuje rolę uczuć estetycznych w kształtowaniu obrazu świata i rozwija te uczucia.

. Metodologia jako nauka. Metody i techniki nauczania plastyki w szkołach średnich

Metodologia jest połączeniem zgromadzonego doświadczenia, nowych podejść i poszukiwania sposobów duchowego i emocjonalnego rozwoju uczniów i samego nauczyciela. A wtedy metody nauczania to najprawdopodobniej system ujednoliconych działań nauczyciela i uczniów w celu opanowania określonej części treści programu. Realizuje się to poprzez techniki, specyficzne działania nauczyciela i ucznia oraz różne formy ich komunikacji.

Przez metodę nauczania rozumiemy sposób pracy nauczyciela z uczniami, za pomocą którego osiąga się lepsze przyswojenie materiału edukacyjnego i poprawiają się wyniki w nauce. Wybór metod nauczania zależy od celów edukacyjnych, a także od wieku uczniów.Metoda nauczania (od starogreckiego) to proces interakcji między nauczycielami i uczniami, w wyniku którego następuje transfer i asymilacja wiedzy, umiejętności i zdolności przewidzianych treścią szkolenia. Technika nauczania (technika nauczania) to krótkotrwała interakcja nauczyciela z uczniami, mająca na celu przekazanie i przyswojenie określonej wiedzy, umiejętności, zdolności. Zgodnie z utrwaloną tradycją w pedagogice domowej METODY nauczania dzielą się na trzy grupy: - Metody organizacji i realizacji zajęć edukacyjnych i poznawczych: 1. Werbalne, wizualne, praktyczne (wg źródła prezentacji materiału edukacyjnego). 2. Reprodukcyjne objaśniające i ilustrujące, poszukiwania, badania, problemy itp. (zgodnie z charakterem działalności edukacyjnej i poznawczej). 3. Indukcyjne i dedukcyjne (zgodnie z logiką prezentacji i odbioru materiału edukacyjnego) - Metody monitorowania efektywności działalności edukacyjnej i poznawczej: Testy ustne, pisemne i autotesty efektywności opanowania wiedzy, umiejętności i zdolności; - Metody pobudzania aktywności edukacyjnej i poznawczej: Określone bodźce w kształtowaniu motywacji, poczucia odpowiedzialności, obowiązków, zainteresowania zdobywaniem wiedzy, umiejętności i zdolności. W praktyce pedagogicznej istnieją inne podejścia do ustalania metod nauczania, które opierają się na stopniu świadomości percepcji materiału edukacyjnego: pasywne, aktywne, interaktywne, heurystyczne i inne. Definicje te wymagają dalszego doprecyzowania, gdyż proces uczenia się nie może być pasywny i nie zawsze stanowi dla uczniów odkrycie (eureka). Metoda pasywna to forma interakcji uczniów z nauczycielem, w której nauczyciel jest głównym aktorem i menadżerem lekcji, a uczniowie pełnią rolę biernych słuchaczy, podporządkowanych jego wskazówkom. Komunikacja nauczyciela z uczniami na lekcjach pasywnych odbywa się poprzez ankiety, samodzielną pracę, testy, testy itp. Z punktu widzenia nowoczesnych technologii pedagogicznych i efektywności przyswajania przez uczniów materiału edukacyjnego, metoda pasywna jest uważana za najbardziej nieskuteczny, ale mimo to ma też pewne zalety. Jest to stosunkowo łatwe przygotowanie nauczyciela do lekcji i możliwość przedstawienia relatywnie większej ilości materiału edukacyjnego w ograniczonych ramach czasowych lekcji. Biorąc pod uwagę te zalety, wielu nauczycieli woli metodę pasywną od innych metod. Trzeba powiedzieć, że w niektórych przypadkach takie podejście sprawdza się z powodzeniem w rękach doświadczonego nauczyciela, zwłaszcza jeśli uczniowie mają jasne cele, których celem jest dokładne przestudiowanie przedmiotu. Wykład jest najczęstszą formą lekcji biernej. Ten rodzaj lekcji jest szeroko rozpowszechniony na uniwersytetach, gdzie studiują dorośli, w pełni ukształtowani ludzie, którzy mają jasne cele, aby dogłębnie przestudiować przedmiot. Metoda aktywna to forma interakcji uczniów z nauczycielem, w której nauczyciel i uczniowie wchodzą w interakcję ze sobą podczas lekcji, a uczniowie nie są tu biernymi słuchaczami, ale aktywnymi uczestnikami lekcji. Jeśli na lekcji biernej głównym bohaterem i kierownikiem lekcji był nauczyciel, to tutaj nauczyciel i uczniowie są na równych prawach. Jeśli metody pasywne zakładały autorytarny styl interakcji, to aktywne zakładają styl bardziej demokratyczny. Wiele osób utożsamia metody aktywne i interaktywne, jednak pomimo ich podobieństwa istnieją między nimi różnice. Za najnowocześniejszą formę metod aktywnych można uznać metody interaktywne.Metoda interaktywna („Interaktywna” („Inter” to wzajemne, „działać” to działać) - oznacza wchodzenie w interakcję, bycie w trybie konwersacji, dialogu z kimś. innymi słowy, w przeciwieństwie do metod aktywnych, interaktywne skupiają się na szerszej interakcji uczniów nie tylko z nauczycielem, ale także między sobą oraz na dominacji aktywności uczniów w procesie uczenia się.Miejsce nauczyciela na lekcjach interaktywnych sprowadza się do kierowania działaniami uczniów, aby osiągnąć cele lekcji.Nauczyciel opracowuje także scenariusz lekcji (zwykle są to ćwiczenia i zadania interaktywne, podczas których uczeń przyswaja materiał).W związku z tym głównymi elementami lekcji interaktywnych są interaktywne ćwiczenia i zadania, które wykonywane są przez uczniów.Ważną różnicą między ćwiczeniami interaktywnymi i zadaniami od zwykłych jest to, że podczas ich rozwiązywania uczniowie nie tylko utrwalają już poznany materiał, ale także uczą się nowego.

. Cele i zadania nauczania przedmiotów plastycznych w szkołach średnich

Rozwój osobowości twórczej i jej zdolności artystycznych jest bezpośrednio powiązany z celem i zadaniami nauczania przedmiotu plastycznego.

Jej głównym CELEM jest wprowadzenie kultury duchowej jako sposobu przekazywania z pokolenia na pokolenie uniwersalnych wartości ludzkich, których postrzeganie i reprodukowanie w swoich działaniach prowadzi do twórczego i moralnego samorozwoju człowieka, zachowując integralność jego wewnętrznego świat. W ten sposób, przyłączając się do kultury duchowej, człowiek jednocześnie łączy swoją naturalną esencję, rozwijając swoje podstawowe - uniwersalne - zdolności: do holistycznego, twórczego myślenia; do empatii z otaczającym go światem; do twórczej aktywności.

Realizacja tego celu realizowana jest poprzez estetyczną edukację człowieka za pomocą środków sztuki i pedagogiki artystycznej. Opierają się na edukacji artystycznej i działalności artystycznej. Dopiero w ich całości możemy sobie wyobrazić realizację celów edukacji estetycznej. To dwa różne sposoby rozwój ludzkiej świadomości, nie zastępując, ale uzupełniając się.

Kryteria oceny twórczego rozwoju człowieka w zakresie edukacji estetycznej ujawniają się zgodnie z zadaniami kształtowania harmonijnie rozwiniętej osoby. Wyróżniają się w nim trzy wzajemnie powiązane kierunki: A) zachowanie integralności moralnej jednostki, B) rozwój jej potencjału twórczego, C) zapewnienie harmonijnego współzależności jej cech społecznych i niepowtarzalnych.

Wszystko to w naturalny sposób realizuje się w ludzkiej działalności artystycznej.

Dziecko w swojej aktywności poznawczej i twórczej uczy się przede wszystkim jego znaczenia, co wiąże się z emocjonalnym i wartościującym podejściem do życia. Sztuka jest środkiem gromadzenia i koncentrowania doświadczeń życiowych ludzkości, co wiąże się z zadaniami rozwijania potencjału moralnego i twórczego ludzi. Dlatego jednym z głównych celów sztuki jest odwołanie się do uniwersalnych sił człowieka w rozwijaniu jego ideału moralnego, postaw twórczych, emocji i uczuć estetycznych.

Program plastyczny w szkole przewiduje 4 główne rodzaje prac - czerpanie z życia, rysunek tematyczny, rysunek dekoracyjny, rozmowy o sztuce, które są ze sobą ściśle powiązane i uzupełniają się w rozwiązywaniu problemów postawionych w programie.

Cele zajęć plastycznych obejmują: Rozwijanie percepcji wzrokowej uczniów. Rozwijaj umiejętności obserwacji, ustalaj podobieństwa i różnice, klasyfikuj przedmioty według kształtu i faktury. Rozwijanie zdolności estetycznych i artystycznych, nauka rysowania z życia, tematycznego, wykonywania ilustracji i rysunków dekoracyjnych, rozwijanie umiejętności graficznych i obrazkowych. Rozwijaj myślenie mentalne i abstrakcyjne.

Wiodącym rodzajem rysunku jest ryż. kot z natury prowadzi do ogólnego rozwoju człowieka - rozwija wyobraźnię, myślenie umysłowe, przestrzenne i abstrakcyjne, oko, pamięć.

Szkolny kurs plastyczny. sztuka ma na celu:

Przygotowanie wszechstronnie rozwiniętych, wykształconych członków społeczeństwa,

Wychowuj dzieci estetycznie i rozwijaj ich gust artystyczny.

Pomóż dzieciom poznać otaczający je świat, rozwój. obserwacja, uczyć logicznego myślenia, uświadamiać sobie to, co widać.

Nauczanie wykorzystania rysunku w pracy i życiu towarzyskim

Przekaż uczniom wiedzę na temat podstaw rysunku realistycznego. Zaszczepianie umiejętności i zdolności w zakresie plastyki, zapoznanie z podstawowymi technicznymi technikami pracy.

Rozwijanie zdolności twórczych i estetycznych uczniów, rozwijanie myślenia przestrzennego, reprezentacji wyobraźni i wyobraźni.

Zapoznanie uczniów z wybitnymi dziełami sztuki rosyjskiej i światowej. Zaszczepiaj zainteresowanie i miłość do sztuki. zajęcia.

Przedmiot metod nauczania plastyki jest ściśle powiązany z dyscyplinami specjalnymi i psychologiczno-pedagogicznymi. Metodologia jako przedmiot badań bada cechy pracy nauczyciela z uczniami. Metodologia rozumiana jest jako zespół racjonalnych metod nauczania i wychowania. Jest to specjalny wydział pedagogiki, który bada zasady i prawa konstruowania procesu edukacyjnego. Metodologia może mieć charakter ogólny, uwzględnia metody nauczania właściwe dla wszystkich przedmiotów oraz specyficzne - metody i techniki stosowane w nauczaniu dowolnego przedmiotu.

Metodologia nauczania sztuki jako nauki teoretycznie uogólnia doświadczenie praktyczne, oferuje metody nauczania, które sprawdziły się już i dają najlepsze efekty. Celem przedmiotu jest wykształcenie podstaw i zawodowej świadomości pedagogicznej nauczyciela plastyki. Celem zajęć jest zapoznanie się z historią, teorią, metodami badań naukowych w zakresie metod nauczania plastyki, nabycie umiejętności intelektualnych i praktycznych umożliwiających rozwiązywanie problemów nauczania plastyki, stworzenie podstaw do późniejszego kształtowania się osobowości twórczej. podejście do działalności nauczyciela plastyki, kształtowanie trwałego zainteresowania zawodem nauczyciela plastyki. Metoda nauczania odnosi się do sposobu pracy nauczyciela z uczniami, dzięki któremu osiąga się lepsze przyswojenie materiału edukacyjnego i poprawiają się wyniki w nauce.

Metoda nauczania składa się z indywidualnych metod nauczania: - według źródła zdobywania wiedzy (wizualne, praktyczne, werbalne, gra) - według metody zdobywania wiedzy (odtwórczej, informacyjno-receptywnej, badawczej, heurystycznej) - według charakteru zajęć (sposób organizacji i realizacji działalności wychowawczej i poznawczej, sposób kontroli i samokontroli, sposób stymulowania i motywacji uczenia się) – według rodzaju lekcji

Zajęcia plastyczne dla klas 1-9. Celem zajęć jest nauka rysowania z życia, tematycznie, wykonywania ilustracji i rysunków dekoracyjnych, rozwijanie umiejętności graficznych i obrazkowych. Głównym rodzajem rysunku w sztuce plastycznej jest czerpanie z życia - rozwija myślenie umysłowe i abstrakcyjne, jest metodą wizualnego uczenia się, uczy myślenia, celowego dokonywania obserwacji, budzi zainteresowanie analizą przyrody, przygotowując tym samym ucznia do dalszej pracy edukacyjnej .

Dużą rolę w rozwoju wyobraźni twórczej odgrywa rysunek tematyczny - przedstawiający zjawiska otaczającego świata i ilustrujący dzieła literackie. Większości rysunków na ten temat towarzyszą szkice z życia. Rozwija twórcze myślenie, wyobraźnię, samodzielność w pracy, wytrwałość.

DPI jest ściśle związane z czerpaniem z życia. Na lekcjach DPI dzieci zapoznają się z podstawami projektowania artystycznego i poznają zdobniczą kreatywność narodów. Rysunek dekoracyjny rozwija gust estetyczny i artystyczny oraz rozwija zdolności twórcze. Specyficzną cechą DPI jest dekoracyjne przetwarzanie form przedstawionych z życia. Projektowanie dekoracyjne odbywa się w oparciu o pewne zasady i prawa, zgodność, symetrię i kombinacje kolorów.

Rozmowa o sztuce Na tych lekcjach dzieci zapoznają się z życiem i twórczością wybitnych mistrzów, rozwijają percepcję estetyczną, gust artystyczny oraz zdobywają podstawową wiedzę o sztuce zagranicznej i rosyjskiej

) B. M. Nemensky „Sztuki piękne i twórczość artystyczna” (klasy 1-9) Cel: kształtowanie kultury artystycznej wśród uczniów, jako integralnej części kultury duchowej tworzonej przez wiele pokoleń.

Treści i media: wprowadzenie do kultury artystycznej, w tym poznanie głównych rodzajów sztuki. sztuki: (malarstwo, grafika, rzeźba), DPI (sztuka ludowa, sztuka i rzemiosło ludowe, nowoczesna sztuka zdobnicza). Zadania w grze są wprowadzane na temat związków z muzyką, historią i pracą. Aby doświadczyć twórczej komunikacji, do programu wprowadzane są zadania zbiorowe. Praktyka zakłada wysoki poziom przygotowania teoretycznego nauczyciela. Nemensky B. M. „Sztuki piękne i twórczość artystyczna, klasy 1-9. „Zadania, które postawił, mają na celu rozwój estetyczny uczniów, zwiększenie zainteresowania sztuką piękną, rozwój wyobraźni i obserwacji, realizację zdolności twórczych uczniów oraz mają na celu studiowanie tradycyjnej kultury rosyjskiej. Jest to całościowy, zintegrowany kurs obejmujący wszystkie główne dziedziny: malarstwo, grafikę, rzeźbę, ludową sztukę zdobniczą, architekturę, projektowanie, rozrywkę i sztukę ekranową. Zawiera trzy rodzaje cienkich. działalność: konstruktywna (architektura, projektowanie), wizualna (malarstwo, grafika, rzeźba), sztuka dekoracyjna. Trzon semantyczny programu stanowi rola sztuki w życiu społeczeństwa. Istnieje związek z muzyką, literaturą, historią i pracą. W celach eksperymentalnych. Komunikacja obejmuje działania grupowe. Klasa 1 „Przedstawiasz, dekorujesz, budujesz” to zabawna, figuratywna forma integracji. Klasa II - „Ty i sztuka” Klasa III „Sztuka wokół nas” wprowadzenie w kulturę swojego ludu. Klasa IV – „Każdy naród jest artystą”. Konstrukcja programu: Pierwszy etap to szkoła podstawowa, piedestał wszelkiej wiedzy, drugi etap to powiązanie życia z datami i gatunkami sztuki. Trzeci etap ma charakter ogólnoświatowy sztuki artystyczne.

) V. S. Kuzin „Sztuki piękne” (klasy 1-9)

Cel: rozwój sztuki u dzieci. zdolności, dobry gust, twórcza wyobraźnia, myślenie przestrzenne, odczucia estetyczne.

Treści i media: czerpanie z życia, z pamięci i wyobraźni przedmiotów i zjawisk otaczającego świata, tworzenie kompozycji graficznych na dany temat, rozmowy o sztuce. sztuka. Wiodącym miejscem jest czerpanie z życia. Kuzin i Kubyshkina – opracowali podręcznik sztuk pięknych, poprawiony zgodnie ze współczesnymi standardami kształcenia ogólnego i programem sztuk pięknych dla czteroletniej szkoły podstawowej. Pierwsza część podręcznika nosi tytuł „Nauka rysowania” - poświęcona jest praktycznej stronie nauczania dzieci w wieku szkolnym, podstawom plastyki, czerpaniu z życia, rysunkowi tematycznemu, malarstwu, kompozycji, modelarstwu, pracom zdobniczym, aplikacjom. Część druga „Magiczny świat” - z niej uczniowie dowiedzą się o rodzajach i gatunkach sztuk pięknych, o wybitnych rosyjskich artystach. Do podręczników dołączone są zeszyty ćwiczeń dla klas 1-4 oraz podręcznik dla nauczyciela, który zawiera krótkie zalecenia dotyczące sposobu prowadzenia lekcji.

Wdrożenie dostępne jest dla specjalistów o różnym poziomie zawodowym. przygotowanie.

) T. Ya. Shpikalova: „Sztuki piękne i twórczość artystyczna” (klasy 1-6)

Cel: rozwój osobisty w oparciu o holistyczną kulturę estetyczną.

Treści i media: program jest zintegrowany w oparciu o art. sztuka i praca artystyczna. Treść budowana jest w oparciu o pojęcia wartości: osoba, rodzina, dom, ludzie, historia, kultura, sztuka. Reprezentuje Złożone podejście w opanowaniu informacji artystycznej w oparciu o wiedzę studentów z zakresu nauk humanistycznych i przyrodniczych. Ma na celu opanowanie podstaw artystycznego przedstawienia sztuki ludowej i sztuk twórczych oraz działań artystycznych i projektowych. Aby wdrożyć ten program, pożądana jest specjalizacja w obszarach dekoracyjnych i użytkowych. Shpikalova T. Ya. - głównym celem programu jest przyczynienie się do edukacji wysoce wykształconej artystycznie osobowości ucznia, tworzenie podstaw holistycznej kultury estetycznej poprzez rozwój pamięci historycznej, zdolności twórczych dziecko. Zespół autorów programu łączy w zintegrowanym kursie sztuki plastyczne i twórczość artystyczną, sztukę słowa i pieśni, opartą na sztuce ludowej. Struktura programu nie jest typowa, treść ujawnia się według rodzaju sztuki ludowej. Blok pierwszy poświęcony jest sztuce i rzemiosłu ludowemu, drugi – ustnej sztuce ludowej. People's DPI obejmuje następujące sekcje szkolenia: podstawy reprezentacji artystycznej; ozdoba w sztuce narodów świata, struktura i typy; Rosyjska ozdoba ludowa, studium twórcze w procesie przedstawiania; twórczość artystyczna oparta na znajomości sztuki ludowej i twórczej. Ustna twórczość ludowa obejmuje następujące działy: materiały edukacyjne do rozumienia ze słuchu; materiały edukacyjne do samodzielnego czytania; święta folklorystyczne. Wszystkie części programu zawierają przybliżony wykaz zabaw plastyczno-dydaktycznych, ćwiczeń i prac twórczych. Nauczyciel ma duże możliwości kreatywności pedagogicznej i artystycznej podczas przygotowywania i prowadzenia takich form pracy lekcyjnej, jak lekcje ogólne, lekcje wakacyjne, jako formy pracy zespołowej, lekcje tworzenia form i eksperymentowania. Gra uznawana jest za jedną z wiodących technik metodycznych w organizowaniu pracy twórczej uczniów klas młodszych w klasie. SOKOLNIKOVA Treść programu „Sztuki piękne” odpowiada następującym celom: - wprowadzenie dzieci w wieku szkolnym w świat sztuk pięknych, rozwój ich kreatywności i kultury duchowej, - opanowanie podstawowej wiedzy o świecie sztuk plastycznych: sztuk pięknych, sztuki i rzemiosła , projekt architektury; o formach jego egzystencji w codziennym otoczeniu dziecka, - edukacja wrażliwości emocjonalnej i kultury odbioru dzieł sztuki profesjonalnej i ludowej; uczucia moralne i estetyczne: miłość do rodzimej przyrody, własnego narodu, Ojczyzny, szacunek dla jej tradycji, bohaterskiej przeszłości, wielonarodowej kultury.

Podstawowe zasady dydaktyczne metodologii nauczania sztuk pięknych w szkole (Ukazanie istoty zasad działania i świadomości, zasady dostępności i siły, zasad nauczania wychowawczego, zasady naukowości, zasady systematyki i konsekwencji w nauczanie sztuk pięknych)

Metodologia to zespół technik nauczania i wychowania. Techniki nauczania-momenty, od kat. pojawia się metoda nauczania. System szkoleniowy składa się z zestawu technik i metod nauczania połączonych wspólnym kierunkiem. Prawidłowo zorganizowane, kompetentne metodycznie wykorzystanie zasad dydaktycznych i metod nauczania na lekcjach plastyki. sztuka przyczynia się do wzrostu efektywność nauczania i wychowania. proces: Zwiększa aktywność, zainteresowanie, Rozwija miłość do sztuki, Rozwija reprodukcję. , uwaga, wyobraźnia, myślenie, pamięć, mowa itp. Po opanowaniu tego. wiedza, wyrastanie w umiejętnościach i zdolnościach. Kształtuje umiejętność zastosowania wiedzy w praktyce.

Ważne zasady dydaktyczne w powiązaniu z metodami nauczania. podstawy sztuki plastyka w szkole:

zasada naukowa: związek nauki z przedmiotem akademickim

zasada widoczności: wspierana przez percepcję wzrokową.

Zasada świadomości i aktywności studenckiej

Zasada powiązania teorii z praktyką

Zasada siły przyswajania wiedzy

Zasada systematyki i konsekwencji

Zasada szkolenia edukacyjnego

Tworzy osobowość moralną, prawną, estetyczną i fizyczną. kultura i życie, komunikacja. Wychowuje rozwój intelektualny i indywidualne. Zdolności poznawcze uwzględniające zainteresowania uczniów. Zasada jest systematyczna. i konsekwentne uczenie się: ciągłość i powiązanie nowego materiału z tym, czego się nauczyłeś, poszerzanie i pogłębianie wiedzy. Nowy uczeń materiał przypomina to, co było wcześniej postrzegane, wyjaśnia i uzupełnia, wymaga ścisłej zasady, aby nie przechodzić do nowego materiału edukacyjnego, dopóki poprzedni nie zostanie opanowany i utrwalony

Istotą zasady świadomości i aktywności jest umiejętne wykorzystanie różnorodnych technik, które pomagają pobudzić potrzebę i zainteresowanie zdobywaniem wiedzy, nadając procesowi edukacyjnemu problematyczny charakter. Dla świadomego i aktywnego opanowania wiedzy konieczne jest: przyzwyczajenie uczniów do stawiania pytań, zarówno przed nauczycielem, jak i do samodzielnego udzielania odpowiedzi i rozwiązywania; rozwinąć u uczniów niezależne podejście do badanego materiału, głęboko przemyśleć teoretyczne wnioski i koncepcje, idee ideologiczne i moralno-estetyczne zawarte w jego treści. Problemu tego nie da się rozwiązać, jeśli nauczyciel nie wzbudzi i nie podtrzyma aktywności poznawczej i świadomości uczniów w procesie uczenia się.

Istotą zasady systematyczności i konsekwencji jest dbanie o to, aby uczniowie konsekwentnie opanowywali określony system wiedzy z różnych dziedzin nauki i systematycznie odbywali naukę. Zapewnienie systematycznej i konsekwentnej nauki wymaga od uczniów głębokiego zrozumienia logiki i systemu treści zdobywanej wiedzy, a także systematycznej pracy nad powtarzaniem i uogólnianiem studiowanego materiału. Jedną z częstych przyczyn niepowodzeń studentów jest brak systemu w pracy akademickiej, nieumiejętność wykazania się wytrwałością i pracowitością w nauce.

Zasada siły odzwierciedla tę cechę uczenia się, zgodnie z którą opanowanie wiedzy, zdolności, umiejętności, idei ideologicznych i moralno-estetycznych osiąga się tylko wtedy, gdy z jednej strony są one dogłębnie rozumiane, a z drugiej dobrze opanowane i na długo zapadające w pamięć. Siła uczenia się osiągana jest przede wszystkim wtedy, gdy uczniowie realizują pełny cykl działań edukacyjnych i poznawczych w procesie uczenia się: pierwotna percepcja i zrozumienie badanego materiału, jego późniejsze głębsze zrozumienie, wykonanie pewnej pracy, aby go zapamiętać, zastosować zdobytej wiedzy w praktyce oraz na ich powtarzaniu i systematyzowaniu. Dla prawidłowego przyswajania wiedzy ogromne znaczenie ma systematyczne sprawdzanie i ocena wiedzy uczniów.

Istotą zasady naukowej jest to, że treści nauczania w szkole powinny mieć charakter naukowy i mieć orientację światopoglądową. Aby to wdrożyć, nauczyciel musi: głęboko i jednoznacznie ujawnić każde stanowisko naukowe badanego materiału, unikając błędów, nieścisłości i mechanicznego zapamiętywania wniosków teoretycznych i uogólnień przez uczniów; pokazać znaczenie badanego materiału dla zrozumienia współczesnych wydarzeń społeczno-politycznych i ich zgodności z interesami i aspiracjami ludzi.

Istota zasady dostępności polega na konieczności uwzględnienia w procesie edukacyjnym wieku i indywidualnych cech uczniów oraz niedopuszczalności jego nadmiernej złożoności i przeciążenia, w którym opanowanie badanego materiału może być przytłaczające.

Udostępnienie nauki oznacza: prawidłowe uwzględnienie możliwości poznawczych uczniów w wieku, określenie jej treści, ilości wiedzy, umiejętności praktycznych i zdolności, które uczniowie każdej klasy muszą opanować w ramach każdego przedmiotu akademickiego. Prawidłowo określ stopień złożoności teoretycznej i głębokość studiowania materiału programowego. Prawidłowo określ wymiar czasu studiów przeznaczony na studiowanie każdego przedmiotu akademickiego, biorąc pod uwagę jego wagę i złożoność oraz zapewniając jego głębokie i trwałe przyswojenie. Konieczne jest doskonalenie programów nauczania i podręczników. Nauczyciel musi w procesie nauczania posługiwać się żywym materiałem faktograficznym, przedstawiać go zwięźle i zrozumiale, łączyć z życiem oraz umiejętnie prowadzić uczniów do teoretycznych wniosków i uogólnień. Uwzględnij indywidualne cechy aktywności umysłowej i pamięci uczniów, a także poziom ich przygotowania i rozwoju.

Zasada łączenia teorii z praktyką zakłada, że ​​proces uczenia się zachęca studentów do wykorzystywania zdobytej wiedzy w rozwiązywaniu postawionych problemów, analizowaniu i przekształcaniu otaczającej rzeczywistości, wypracowywaniu własnych poglądów. W tym celu wykorzystuje się analizę przykładów i sytuacji z życia codziennego. Jednym z kierunków realizacji tej zasady jest aktywne angażowanie uczniów w działania społecznie użyteczne w szkole i poza nią.

. Zasada widzialności w nauczaniu sztuk pięknych. Pomoce wizualne do lekcji plastyki. Rodzaje pomocy wizualnych. Wymagania dotyczące pomocy wizualnych

Istotę zasady widoczności wyznacza szereg czynników: widzialność uczenia się wynika z tego, że służy ono uczniom do zrozumienia otaczającego ich świata, dlatego proces ten przebiega skuteczniej, jeśli opiera się na bezpośrednia obserwacja i badanie obiektów, zjawisk lub zdarzeń.

Proces poznawczy wymaga włączenia w proces zdobywania wiedzy różnych narządów percepcji. Zdaniem Ushinsky’ego uczenie się wizualne zwiększa uwagę uczniów i sprzyja głębszemu przyswajaniu wiedzy.

Przejrzystość uczenia się opiera się na cechach myślenia dzieci, które rozwija się od konkretu do abstrakcji. widoczność zwiększa zainteresowanie uczniów wiedzą i ułatwia proces uczenia się. Wiele skomplikowanych koncepcji teoretycznych, przy umiejętnym wykorzystaniu wizualizacji, staje się przystępnych i zrozumiałych dla studentów. Pomoce wizualne obejmują: rzeczywiste przedmioty i zjawiska w ich naturalnej postaci, modele samochodów, manekiny, pomoce ilustracyjne (obrazy, rysunki, fotografie), pomoce graficzne (schematy, wykresy, diagramy, tabele), różne środki techniczne (filmy edukacyjne, szkolenia z oprogramowania, komputery).

Funkcje widzialności: pomaga odtworzyć formę, istotę zjawiska, jego strukturę, powiązania, interakcje w celu potwierdzenia stanowisk teoretycznych;

pomaga wprowadzić w stan aktywności wszystkie analizatory i związane z nimi procesy mentalne odczuwania, percepcji i reprezentacji, w wyniku czego powstaje bogata podstawa empiryczna dla uogólniająco-analitycznej aktywności umysłowej dzieci i nauczycieli;

kształtuje w uczniach kulturę wizualną i słuchową;

przekazuje nauczycielowi informację zwrotną: zadawane pytania uczniowie potrafią ocenić przyswojenie materiału, ruch myśli uczniów w kierunku zrozumienia istoty zjawiska.

Rodzaje wizualizacji edukacyjnych

Modele z materiałów naturalnych (przedmioty rzeczywiste, manekiny, bryły geometryczne, makiety obiektów, fotografie itp.)

Konwencjonalne obrazy graficzne (rysunki, szkice, diagramy, wykresy, mapy geograficzne, plany, diagramy itp.)

Modele znakowe, matematyczne, wzory chemiczne oraz równania i inne interpretowane modele

Dynamiczne modele wizualne (filmy kinowe i telewizyjne, przezrocza, kreskówki itp.)

22. Lekcja jako główna forma organizacji procesu edukacyjnego w zakresie sztuk pięknych w szkole. Rodzaje lekcji. Struktura lekcji plastycznej. Cele edukacyjne lekcji. Współczesne wymagania dotyczące przygotowania i prowadzenia lekcji plastyki

Kla ?ssno-uro ?systemu osobistego ?studiuję ? niya - dominująca i powszechna organizacja procesu uczenia się we współczesnej edukacji, w której na szkoleniach uczniowie w tym samym wieku są grupowani w małe grupy (klasy), które zachowują swój skład przez określony czas (zwykle rok akademicki ), a wszyscy Studenci pracują nad opanowaniem tego samego materiału. W tym przypadku główną formą szkolenia jest lekcja. Lekcja to lekcja prowadzona przez nauczyciela ze stałym składem uczniów na tym samym poziomie wykształcenia, zjednoczonych w podgrupie klasowej lub zespole. Lekcje odbywają się naprzemiennie, według ustalonego harmonogramu i obejmują pracę frontalną, zespołową i indywidualną uczniów z wykorzystaniem różnych metod nauczania. Czas trwania lekcji w warsztatach wynosi dwie godziny akademickie (po 45 minut każda).Początków zajęć lekcyjnych należy szukać w cywilizacjach starożytnych oraz w epoce starożytności, np. agoge – spartański system edukacji, gdzie formę klasową reprezentowały „anioły” – oddziały. Forma zajęć lekcyjnych, oparta na programie nauczania i organizacji oświaty „jedna klasa – jeden rok”, powstała na początku XVI w. w Europie. Przykładem może być miejska szkoła im. reformator Johann Agricola (program nauczania w Eisleben) (1527), system organizacji opracowany przez humanistę i pedagoga Philipa Melanchthona niemieckie szkoły i uniwersytety (Karta Saksońska) (1528), gimnazjum w Strasburgu Johanna Sturma (1537), program nauczania wirtembergii w języku szwabskim reformator Jan Brenz (1559) itp. Czeski pedagog Jan Amos Komeński, podsumowując doświadczenia postępowych szkół, szkół wyższych i uniwersytetów w Europie, opracował system klasa-lekcja-przedmiot zawarty w jego teorii powszechnej powszechnej edukacji i wychowania. system lekcji nawiązuje obecnie do edukacji tradycyjnej. Wypełniwszy swoją historyczną misję, system ten zaczyna tracić skuteczność we współczesnych warunkach społeczno-kulturowych i gospodarczych. Należy uznać główne wady systemu lekcja-przedmiot: niemożność uwzględnienia wielu czynników społecznych wpływających na dziecko, niemożność twórczego samorozwoju dziecka, niemożność wchłaniania informacji i innowacji technologicznych, niemożność nadążać za tempem zmian w społeczeństwie i nie tylko. Najbardziej zdecydowana modernizacja systemu klas i lekcji (Brown, Trump, Parkhurst i inni) polegała na innym doborze treści. Najbardziej radykalne odrzucenie systemu podmiotowego, dokonane przez reformatorów (Kilpatrick, Linke, Dekrol itp.) ), sprowadzało się do innego zróżnicowania treści. Zatem nie rozwiązali problemu w istocie i w najlepszy scenariusz ulepszył system klasa – lekcja – przedmiot w określonych warunkach społeczno-politycznych i ekonomicznych. Rodzaje i struktura zajęć. Struktura lekcji to zestaw elementów lekcji, który zapewnia jej integralność i zachowanie głównych cech lekcji w różnych opcjach. Elementy konstrukcyjne lekcji. I. Organizacja rozpoczęcia lekcji (2 minuty). Zainteresuj dzieci, przyciągnij ich uwagę do lekcji, przekaż temat i cel lekcji. II. Sprawdzanie pracy domowej (3 minuty). poziom przyswojonego materiału z poprzedniego tematu i przygotowanie do przyswojenia nowych informacji. III. Głównym elementem. Nauka nowego materiału (20 minut). Naukowa, pasjonująca, przystępna prezentacja nowego materiału z udziałem studentów. IV. Podstawowe utrwalenie wiedzy (5 minut). Może być użyte zadania specjalne po wyjaśnieniu nowego materiału. Prowadź rozmowę, aby rozwijać umiejętności i wykorzystywać wiedzę. V. Podsumowanie lekcji (2 minuty). Dowiedz się, czego dzieci nauczyły się na lekcji, czego nowego się nauczyły i uzasadnij ocenę wiedzy uczniów. VI. Informacje o pracy domowej (3 minuty). Zgłaszaj pracę domową i wyjaśniaj, jak ją odrobić. Typy. Najczęściej stosowaną w praktyce klasyfikację wprowadził B. P. Esipov i wyróżnił następujące rodzaje lekcji: 1. Nauka nowego materiału. 2. Lekcja utrwalająca wiedzę i rozwijająca umiejętności. 3. Lekcja uogólniania i systematyzacji wiedzy. 4. Lekcja kontroli i korygowania wiedzy, umiejętności i zdolności uczniów. 5. Lekcja łączona lub mieszana. Typ 1: Nauka nowego materiału. Rodzaj zajęć: - wykład, - lekcja z elementami konwersacji, - wykład z elementami prezentacji, lekcja - konferencja, wycieczka, praca naukowa. Cel lekcji: poznanie nowej wiedzy i wstępne jej utrwalenie. Typ 2: Lekcja utrwalająca wiedzę i rozwijająca umiejętności. Rodzaj lekcji: - warsztaty, - wycieczka, - praca laboratoryjna, - gra biznesowa, - dyskusja na lekcji. Cel lekcji: Wtórne utrwalenie zdobytej wiedzy, rozwój umiejętności i zdolności do ich zastosowania. Typ 3: Lekcja uogólniania i systematyzacji wiedzy. Rodzaj zajęć: - seminaria, konferencja, lekcja ogólna, lekcja wywiadu, lekcja dyskusji, debata. Cel zajęć: Uogólnienie wiedzy uczniów na system. Sprawdzanie i ocena wiedzy uczniów. Ten rodzaj lekcji stosuje się podczas przeglądania dużych fragmentów badanego materiału. Typ 4: Lekcja kontroli i korygowania wiedzy, umiejętności i zdolności uczniów. Rodzaj lekcji: egzamin - test. Cel lekcji: Określenie poziomu wiedzy, umiejętności i predyspozycji uczniów oraz identyfikacja jakości wiedzy uczniów, odbicie ich własnych działań. Typ 5: Lekcja łączona lub mieszana. Rodzaj lekcji: - praktyczna - konferencja - seminarium - sprawdzian - wykład, Cel lekcji: Wykształcenie umiejętności samodzielnego stosowania wiedzy w kompleksie i przeniesienia jej do nowych warunków. Struktura lekcji. I. Organizacja rozpoczęcia lekcji (2). Aby zainteresować, przyciągnąć uwagę do lekcji, przekazać temat i cel lekcji. II. Sprawdź s (3). Pewien poziom opanowania materiału z poprzedniego tematu i przygotowanie uczniów do postrzegania nowych informacji (w zależności od formy szkolenia może ich nie być). III. Głównym elementem. Nauka nowego materiału (20). Naukowa, pasjonująca, przystępna prezentacja nowego materiału z udziałem studentów. IV. Pierwotna konsolidacja wiedzy (5). Po wyjaśnieniu nowego materiału możesz skorzystać z zadań specjalnych. Prowadź rozmowę, aby rozwijać umiejętności i wykorzystywać wiedzę. V. Podsumowanie lekcji (2 minuty). Dowiedz się, czego dzieci nauczyły się na lekcji, czego nowego się nauczyły i uzasadnij ocenę wiedzy uczniów. VI. Informacje o pracy domowej (3 minuty). Zgłaszaj pracę domową i wyjaśniaj, jak ją odrobić.

. Rodzaje zajęć wizualnych i ich znaczenie w rozwoju psychicznym, moralnym, estetycznym i fizycznym uczniów. (Rysunek, modelowanie, aplikacja, projekt)

Główne działania:

Obraz na płaszczyźnie i w objętości (z natury, z pamięci i wyobraźni);

prace dekoracyjne i konstrukcyjne;

aplikacja;

modelowanie wolumetryczno-przestrzenne;

działalność projektowo-konstrukcyjna;

fotografia artystyczna i filmowanie wideo;

postrzeganie rzeczywistości i dzieł sztuki;

omówienie pracy towarzyszy, wyników twórczości zbiorowej i pracy indywidualnej na zajęciach;

badanie dziedzictwa artystycznego;

wybór materiału ilustrującego badane tematy;

słuchanie dzieł muzycznych i literackich (ludowych, klasycznych, współczesnych).

Edukacja mentalna koncentruje się na rozwoju zdolności intelektualnych człowieka, zainteresowaniu zrozumieniem otaczającego go świata i samego siebie.

Zakłada:

rozwój siły woli, pamięci i myślenia jako głównych warunków procesów poznawczych i edukacyjnych;

kształtowanie kultury pracy edukacyjnej i intelektualnej;

rozbudzanie zainteresowań pracą z książkami i nowymi technologiami informacyjnymi;

a także rozwój cech osobistych - niezależność, szerokość perspektyw, zdolność do kreatywności.

Zadania wychowania umysłowego rozwiązuje się poprzez szkolenie i edukację, specjalne treningi i ćwiczenia psychologiczne, rozmowy o naukowcach, mężowie stanu różnych krajów, quizy i olimpiady, zaangażowanie w proces twórczych poszukiwań, badań i eksperymentów.

Etyka stanowi teoretyczną podstawę wychowania moralnego.

Do głównych zadań wychowania etycznego należy:

gromadzenie doświadczeń moralnych i wiedzy o zasadach zachowań społecznych (w rodzinie, na ulicy, w szkole i innych miejscach publicznych);

rozsądne wykorzystanie czasu wolnego i rozwój cech moralnych jednostki, takich jak uważna i troskliwa postawa wobec ludzi; uczciwość, tolerancja, skromność i wrażliwość; organizacja, dyscyplina i odpowiedzialność, poczucie obowiązku i honoru, poszanowanie godności ludzkiej, ciężka praca i kultura pracy, poszanowanie majątku narodowego.

W procesie wychowania moralnego stosuje się takie metody jak perswazja i osobisty przykład, rady, życzenia i pozytywne opinie, pozytywna ocena działań i czynów, publiczne uznanie osiągnięć i zasług ludzkich. Wskazane jest także prowadzenie rozmów i debat etycznych na przykładach dzieł sztuki i sytuacjach praktycznych. Jednocześnie spektrum wychowania moralnego obejmuje zarówno naganę publiczną, jak i możliwość ukarania dyscyplinarnego i odroczenia kary.

Celem edukacji estetycznej jest rozwój estetycznego stosunku do rzeczywistości. Postawa estetyczna zakłada zdolność emocjonalnego postrzegania piękna. Może objawiać się nie tylko w odniesieniu do natury czy dzieła sztuki. I. Kant uważał np., że kontemplując dzieło sztuki stworzone ręką ludzkiego geniuszu, oswajamy się z „pięknym”. Jednak tylko szalejący ocean lub erupcja wulkanu postrzegamy jako „wzniosłe”, których człowiek nie jest w stanie stworzyć. (Kant I. Krytyka umiejętności sądzenia. M. 1994.) Dzięki umiejętności dostrzegania piękna człowiek jest zobowiązany do wnoszenia estetyki w swoje życie osobiste i życie innych, w życie codzienne, w działalność zawodową i życie krajobraz społeczny. Jednocześnie edukacja estetyczna powinna chronić nas przed popadnięciem w „czysty estetyzm”. W procesie edukacji estetycznej wykorzystuje się dzieła artystyczne i literackie: muzykę, sztukę, kino, teatr, folklor. Proces ten polega na uczestnictwie w twórczości artystycznej, muzycznej, literackiej, organizowaniu wykładów, rozmów, spotkań i wieczorów koncertowych z artystami i muzykami, zwiedzaniu muzeów i wystaw artystycznych oraz studiowaniu architektury miasta. Estetyczna organizacja pracy, atrakcyjny wystrój sal lekcyjnych, aul i placówek oświatowych oraz gust artystyczny przejawiający się w stylu ubioru uczniów, studentów i nauczycieli mają znaczenie edukacyjne. Dotyczy to także społecznego krajobrazu życia codziennego. Przykładami są czystość wejść, architektura ulic, oryginalny wystrój sklepów i biur.

Głównymi celami wychowania fizycznego są: prawidłowy rozwój fizyczny, trening motoryki i aparatu przedsionkowego, różnorodne zabiegi hartujące ciało, a także rozwijanie siły woli i charakteru, mające na celu zwiększenie wydajności człowieka. Organizacja wychowania fizycznego odbywa się poprzez ćwiczenia fizyczne w domu, w szkole, na uniwersytecie oraz w sekcjach sportowych. Zakłada kontrolę nad reżimem zajęć edukacyjnych, pracy i odpoczynku (gimnastyka i zabawy na świeżym powietrzu, piesze wycieczki i zawody sportowe) oraz profilaktykę medyczną chorób młodszego pokolenia. Aby wychować osobę zdrową fizycznie, niezwykle ważne jest przestrzeganie elementów codziennej rutyny: długi sen, wysokokaloryczne odżywianie, przemyślane łączenie różnych rodzajów aktywności.

. Wzorce manifestowania zdolności twórczych uczniów na lekcjach plastyki. Podstawy pracy badawczej z zakresu aktywności wzrokowej dzieci.

Twórczość uczniów rozumiana jest jako samodzielne rozwiązywanie postawionych przed nimi nowych zadań. Zajęcia rysunkowe zapewniają wszystkie warunki niezbędne do rozwoju kreatywności. Jego przejaw można wiązać nie tylko z rozwiązaniem złożonego problemu obrazu, jak w kompozycji tematycznej, ale także z najprostszym problemem jednosylabowym, rozwiązanym w szkicu z życia, z pamięci i wyobraźni. Moją pracą jest prowadzenie dziecka do samodzielnego rozwiązania nowego problemu i odkryć.

Systematyczna praca w sztukach plastycznych rozwija takie cechy osobowości, jak myślenie przestrzenne, wyostrzone wyczucie koloru, czujność oka i kształtuje cechy intelektu człowieka, które ostatecznie są ważne nie tylko w pracy polegającej na tworzeniu rysunku, szkicu lub model przedmiotu, ale także dla dowolnej specjalności, którą student później dla siebie wybierze. Do cech tych należą przede wszystkim wyobraźnia i logiczne myślenie, które są warunkiem kreatywności w każdej działalności człowieka. Cechy te ujawniają się już u dzieci w wieku szkolnym w nauce sztuk pięknych, co staje się potrzebą rozwijającej się osobowości. Zajęcia te w większym stopniu przyczyniają się do uzewnętrzniania się indywidualności ucznia, co stwarza szczególnie korzystne warunki do rozwoju zdolności twórczych.

Opiekując się zajęciami wizualnymi, muszę pamiętać, że nie jest to zwykła lekcja edukacyjna, podczas której po prostu się czegoś uczymy, ale działanie artystyczne i twórcze, które wymaga od dzieci pozytywnego nastawienia emocjonalnego, chęci tworzenia obrazu, obrazu, ubieganie się o To wysiłek umysłowy i fizyczny. Bez tego sukces jest niemożliwy.

Przywiązuję dużą wagę do komunikacji z naturą w nauczaniu i wychowaniu dzieci. To natura w całym swoim pięknie inspiruje ludzi do tworzenia: przedstawiania, ozdabiania, budowania.

Natura obdarzyła dzieci zdolnością żywego, emocjonalnego wczuwania się w nowe rzeczy i postrzegania świata całościowo. W przeciwieństwie do dorosłych, dzieci nie mają narzędzi, aby ucieleśnić to, co czują. Ta złożona ideologiczno-emocjonalna treść przedmiotu żyje początkowo jedynie w duszy dziecka, jest „niewidzialna” i nie ma gotowego wyglądu zewnętrznego. Trzeba go sobie wyobrazić, czyli mając odpowiednią wyobraźnię i formę, w której plan stanie się widoczny, namacalny i dostępny dla innych ludzi. Aby to osiągnąć, muszę wzbogacić arsenał sposobów wyrażania siebie przez dzieci, dać dziecku możliwość poznawania świata i manipulowania nim.

Czasem można spotkać się z opinią, że dziecko pracuje twórczo, gdy nauczyciel daje mu pełną swobodę w rysowaniu tematów: wyborze tematu, momentu, formy obrazu. Im szerszy jest ten wybór, tym stwarza się korzystniejsze warunki dla manifestacji jego inicjatywy. Na przykład podczas pracy nad ilustracją wskazana jest bajka, z której może wybrać dowolny moment. Albo jeszcze szerzej: może wybrać dowolną bajkę. Jednak w tych przypadkach nie ma konkretnego zadania, które powinno pobudzać aktywność dziecka w poszukiwaniu środków wzrokowych w rozwiązywaniu odpowiedzi na postawione mu zadanie wzrokowe. Innymi słowy, postawione mu zadanie jest na tyle szerokie i niejednoznaczne, że każdy obraz może oznaczać, że zadanie zostało wykonane. Doświadczenie pokazuje, że w takich przypadkach dzieci wybierają ścieżkę najmniejszego oporu. Przedstawiają to, co widzieli na rysunkach swoich kolegów, na ilustracjach książkowych lub co nauczyciel mówi im na rysunku na tablicy. Ale taki rysunek nie wymaga dużej aktywności, siły woli, napięcia pamięci ani innych elementów prawdziwego poszukiwania.

Oznacza to, że nie wszystkie formy nauczania rozwijają zdolności twórcze dzieci. Jedność stymulacji edukacyjnej i twórczej należy osiągnąć poprzez zadania wprowadzające uczniów w elementarne pojęcia i wyobrażenia o rzeczywistości oraz cechach obrazów na płaszczyźnie, poprzez rozwój różnych umiejętności w celu opanowania podstaw realistycznych obrazów. Do takich zadań zaliczam różnorodne ćwiczenia elementarne. Można je wyznaczać różnymi zadaniami edukacyjnymi w pracy z życia, z pamięci i wyobraźni, w pracy dekoracyjnej. Oprócz krótkotrwałych, prostych ćwiczeń-nauki uwzględniam także bardziej złożone zadania złożone, w których rozwiązuje się kilka problemów jednocześnie. Z drugiej strony konieczne jest zawężenie i sprecyzowanie zadań tematycznych, czyli stawiam dzieciom konkretne zadania wzrokowe, które muszą rozwiązać samodzielnie. W tych warunkach obie linie (nauka umiejętności czytania i rozwijania kreatywności) są z powodzeniem realizowane. We wszystkich zadaniach musi mieć miejsce inicjatywa dziecka i poszukiwania twórcze.

Ważny warunek Za rozwój wyobraźni twórczej dzieci uważam wykorzystanie różnorodnych materiałów i technik, a także zmianę rodzajów działań wizualnych.

Najbardziej efektywna struktura treści nauczania jest zmienna, gdyż pozwala na zróżnicowane podejście do uczniów i umożliwia studentom realizację swoich umiejętności zgodnie z ich indywidualnymi możliwościami.

Opanować jak najwięcej więcej różne techniki pozwalają wzbogacić i rozwinąć wewnętrzny świat dziecka, wykazać się twórczą wyobraźnią - umiejętnością stworzenia zmysłowego obrazu, który odsłania wewnętrzną treść.

Konieczne jest rozbudzenie w dziecku osobistego zainteresowania sztuką. Pomagają mi w tym zadania wymagające wyrażenia własnego poczucia postawy, nastroju i intencji.

Zadania kreatywne mają charakter otwarty i nie zawierają prawidłowej odpowiedzi. Odpowiedzi jest tyle, ile dzieci. Moją rolą jest nie tylko zrozumienie i akceptacja różnorodnych decyzji, ale także pokazanie dzieciom słuszności tych różnic.

Wykorzystanie technologii komputerowej pozwala w nowy sposób rozwijać zainteresowania sztukami pięknymi. Aby osiągnąć najlepsze wyniki w nauce i rozwijaniu zdolności twórczych, niezbędne są technologie komputerowe, ponieważ mają większe możliwości i pozwalają uzyskać maksymalne rezultaty przy minimalnych kosztach.

Wykorzystanie komputera na lekcjach plastyki pozwala aktywnie rozwijać zdolności twórcze i poznawcze każdego ucznia; tworzy nastrój emocjonalny, co z kolei pozytywnie wpływa na rozwój twórczości artystycznej.

Wszystkie ciekawe ustalenia dotyczące rozwoju wyobraźni dziecięcej są usystematyzowane w celu organizacji kolejnych wystaw zbiorowych i osobistych prac dziecięcych.

. Nauczyciel jako organizator i lider procesu edukacyjnego w sztukach plastycznych

Nauczyciel sztuki rozwija gust estetyczny, wiedzę i umiejętności artystyczne, budzi pragnienie wiedzy i doskonałości, aby wszystko wokół nas było lepsze i piękniejsze. Nauczyciel stawia przed uczniem zadania edukacyjne, organizuje jego obserwacje w procesie konstruowania obrazu według określonego systemu, uczy analizy przyrody w procesie konstruowania obrazu, wskazuje drogę do najszybszego przyswojenia materiału edukacyjnego, uczy analizy, kieruje uwagę na najważniejsze cechy konstrukcji i bacznie monitoruje pracę myśli uczennicy, stale ją kierując i wspierając. nie tracąc z oczu swojej pracy. Od pierwszej klasy kładzie podwaliny wiedzy i umiejętności realistycznego przedstawiania uczniów, oddalając ich od naiwnego i prymitywnego rysunku.

Po wyjaśnieniu nauczyciel chodzi po klasie i obserwuje pracę dzieci. Zauważywszy błąd, zwraca na niego uwagę jednego lub kilku uczniów i wyjaśnia przyczynę błędu.

Prezentując materiał edukacyjny, ważne jest, aby wszyscy uczniowie zrozumieli temat, przykuli uwagę uczniów, umiejętnie przedstawili temat lekcji i z czasem komplikowali zadania. Ucząc czerpania z życia, nauczyciel zwraca uwagę na zagadnienia obserwacji, percepcji i analizy przyrody, objaśnienia ilustruje rysunkami na tablicy lub pomocami dydaktycznymi. Rysunek pedagogiczny aktywizuje pracę i zwiększa zainteresowanie sztuką. Możesz skorzystać z metody: przygotuj wcześniej tablicę do lekcji, zaznaczając kropkami wymiary i proporcje przyszłego obrazu, a już w trakcie lekcji szybko odtwórz rysunek, korzystając z tych wskazówek.

Przejrzyste planowanie lekcji zapewnia rozłożenie materiałów edukacyjnych w czasie. totalny akademicki roku intensywność zajęć uzależniona jest od ilości materiałów edukacyjnych. Taki system pozwala efektywnie wykorzystać czas nauki i jasno zaplanować pracę zgodnie z programem na cały rok. Podczas lekcji nauczyciel podaje niezbędne pojęcia, ujawnia kolejność prezentacji materiału edukacyjnego, sposoby korzystania z pomocy wizualnych, a w notatkach z lekcji należy możliwie szczegółowo przedstawić metodologię pracy z klasą .

. Planowanie i organizacja pracy edukacyjnej w zakresie sztuk plastycznych na rok i kwartał akademicki. Ilustrowany kalendarz tematyczny scenariusz lekcji plastycznych

Główne funkcje nauczyciela plastyki w szkole: wychowawcza, wychowawcza i organizacyjna.

Sukces każdego przedsiębiorstwa zależy od jego organizacji. Organizacja procesu edukacyjnego oznacza planowanie całego materiału przedmiotu od lekcji do roku i wszystkich lat nauki. Aby osiągnąć systematyczność, spójność i akceptowalność wiedzy, umiejętności i zdolności, należy planować pracę z dziećmi na lata. W tym celu sporządzają plan tematyczny na rok (inna nazwa to plan tematyczny kalendarza).

Formularze planów tematycznych:

formularzem raportu jest tabela zawierająca sekcje: klasa, kwartał, numer lekcji, temat lekcji, zadanie praktyczne, materiały do ​​wykonania zadania, notatka;

ilustrowana forma jest mozaiką rysunków ułożonych w logiczny układ (patrz rysunek 1), dzięki ilustracjom, które ujawniają temat lekcji, materiał obrazowy, poziom trudności zadania, uwidaczniają plan tematyczny;

forma łączona to system kartek (patrz rysunek 2), które zawierają nie tylko ogólne informacje o planowanej lekcji, potrzebne do planowania tematycznego, ale część informacji o planowaniu lekcji (sprzęt lekcyjny, plan lekcji, metody i techniki nauczanie i wychowanie).

Wymagania dotyczące planu tematycznego w sztukach plastycznych:

Orientacja moralna treści zajęć.

Zgodność planowanego materiału z programem.

Dostępność planowanego materiału do wieku dzieci.

Konsekwentny wzrost złożoności zadań edukacyjnych, akceptowalność materiału lekcyjnego.

Obecność powiązań interdyscyplinarnych i międzylekcyjnych (zasada planowania blokowo-tematycznego).

Zgodność z kalendarzem naturalnym i społecznym.

Przygotowując plan tematyczny, należy wziąć pod uwagę następujące kwestie:

) liczba lekcji w roku – 35;

) liczba lekcji w kwartałach: w I i II kwartale – po 8 lekcji, w III kwartale – 12 lekcji, w IV kwartale – 7 lekcji.

) granice czasowe kwartałów akademickich: I kwartał: 1 września - 5 listopada; II kwartał: 10 listopada – 30 grudnia; III kwartał: 12 stycznia - 22 marca; IV kwartał: 1 kwietnia – 30 maja.

Kreatywność nauczyciela znajduje wyraz przede wszystkim w logice konstruowania bloków lekcyjnych z tematów zajęć proponowanych przez programy.

Na przykład: Blok plastyczny na temat „Święto Ludowe” może zawierać lekcje o następujących tematach:

„Krajobraz ojczyzny” (rysunek tematyczny).

„Cechy wystroju domu narodowego i strojów ludów zamieszkujących ten region” (rozmowa ze szkicami elementów wystroju domu i ubioru).

„Dekoracyjna martwa natura”, złożona z przedmiotów gospodarstwa domowego (czerpiąca z życia).

„Szkice postaci ludzkiej w ruchu z życia.”

„Święta ludowe” („Jarmark”) (praca indywidualna, grupowa lub zbiorowa nad panelem tematycznym) Nowoczesne wymagania dotyczące zarządzania placówką edukacyjną wymagają kompetentnego podejścia do organizacji ze strony korpusu administracyjnego i dydaktycznego proces edukacyjny. Program nauczania jest dokumentem normatywnym określającym: 1) treść podstawowej wiedzy i umiejętności z każdego przedmiotu akademickiego; 2) logikę i kolejność studiowania tematów; 3) łączny wymiar czasu przeznaczony na naukę pewne tematy. Programy nauczania dzielą się na kilka głównych typów: 1) programy standardowe; 2) programy pracy; 3) programy autorskie. Na poziomie instytucji edukacyjnych opracowano ujednolicone podejście do opracowywania i projektowania programów pracy nauczycieli. Program pracy kursów szkoleniowych i dyscyplin. Program pracy to dokument regulacyjny i zarządczy instytucji edukacyjnej, charakteryzujący system organizacji działań edukacyjnych nauczyciela. Głównymi dokumentami określającymi wymagania dotyczące poziomu przygotowania uczniów i minimalnej treści kształcenia są: państwowy standard edukacyjny (elementy federalne i narodowo-regionalne); podstawowy program nauczania szkół w Federacji Rosyjskiej, w tym dystrybucja treści edukacyjnych przez dziedziny kształcenia, dyscypliny akademickie, standardowe (przybliżone) programy kształcenia dla każdej dyscypliny akademickiej podstawy programowej. Osobliwością programu pracy jest to, że jest on tworzony dla określonej (konkretnej) instytucji edukacyjnej, a indywidualność polega na tym, że jest opracowywany przez nauczyciela dla jego działań. Program pracy nauczyciela powinien zatem pokazywać, w jaki sposób, biorąc pod uwagę specyficzne warunki, potrzeby edukacyjne i cechy rozwojowe uczniów, nauczyciel tworzy indywidualny model pedagogiczny edukacji oparty na standardach państwowych. Program pracy przedmiotu akademickiego jest indywidualnym narzędziem nauczyciela, zapewniającym najbardziej optymalne i efektywne treści, formy, metody i techniki organizacji procesu edukacyjnego dla danej klasy w celu uzyskania wyniku spełniającego wymagania normy . Plan tematyczny Dla nauczyciela planowanie tematyczne jest głównym dokumentem zajęć. Jest kompilowany przez określony czas, ale najczęściej przez rok. Głównym celem tego dokumentu jest zaplanowanie zajęć lekcyjnych nauczyciela. Planowanie najczęściej przedstawiane jest w formie tabeli, która ma ich kilka przedmioty obowiązkowe: numer lekcji, temat lekcji, cel i zadania lekcji, treść lekcji, materiał dodatkowy, praca domowa. W planie tematycznym należy również wskazać: - Kolokwia, laboratorium, zajęcia praktyczne (ilość), wykaz wycieczek - Wymagania dotyczące poziomu przygotowania studenta do każdego tematu (wiedza, umiejętności) itp. Ogólne wymagania do planowania: zgodność z treścią programów;

przestrzeganie wymiaru godzin ujętego w programie i programie nauczania;

naprzemienne rodzaje zajęć;

korespondencja z wydarzeniami z życia społeczeństwa i studentów;

przestrzeganie zasad dydaktyki. Plan ogólny musi odzwierciedlać następujące punkty:

§ miejsce lekcji w systemie lekcji; temat lekcji; klasa, w której jest prowadzona; cele kształcenia, rozwoju i wychowania; rodzaj lekcji; pomoce dydaktyczne (w tym oprogramowanie); struktura lekcji ze wskazaniem kolejności jej etapów i przybliżonego rozkładu czasu; zawartość materiałów edukacyjnych; system ćwiczeń i zadań organizacji zajęć uczniów, metod nauczania na każdym etapie lekcji, form organizacji zajęć edukacyjnych uczniów; Praca domowa.

Temat lekcji:Zajęcia:Cele: edukacyjne -Typ lekcji:Narzędzia do nauki:

edukacyjne - opanowanie koncepcji..., ćwiczenie umiejętności..., ćwiczenie umiejętności zastosowania..., uogólnienie i usystematyzowanie wiedzy na temat...

edukacyjne - wychowanie do moralności, aktywności, ciężkiej pracy, ...

rozwijanie - rozwój algorytmicznego stylu myślenia, kombinatorycznego...

Rodzaje lekcji:

lekcja uczenia się i wstępnego utrwalania nowej wiedzy lekcja rozwijania umiejętności

lekcja stosowania wiedzy, umiejętności i zdolności lekcja uogólniania i systematyzowania wiedzy

lekcja kontroli i korygowania wiedzy, umiejętności i zdolności, lekcja łączona

. Rysunek pedagogiczny na lekcjach plastyki w szkole. Rodzaje rysunku pedagogicznego. Wymagania dotyczące realizacji rysunków pedagogicznych

Najważniejsze w rysunku pedagogicznym jest zwięzłość obrazu, jego prostota i klarowność. Rysunki na tablicy powinny przekazywać najważniejszą ideę nauczyciela, pomijając wszystko, co przypadkowe i nieistotne. Na zajęciach z rysunku najważniejsza jest przejrzystość nauczania, będąca jednym z głównych źródeł informacji o studiowanym materiale. Na podstawie wrażenia wizualnego uzyskanego podczas egzaminu, któremu towarzyszy wyjaśnienie nauczyciela, uczniowie otrzymują pełne zrozumienie badanego materiału, łatwiej jest im zrozumieć, zrozumieć i zapamiętać najważniejsze informacje na temat lekcji.

Wizualne metody nauczania

Rysowanie po tablicy pomaga zrozumieć to, co widzi, a także wpływa na rozwój psychiczny dziecka i trafność jego sądów.

Szkic nauczyciela na marginesie rysunku ucznia jest potrzebny, jeśli błąd w rysunku zauważy jeden lub dwóch uczniów i nie ma sensu odwracać uwagi całej klasy.

Korygowanie błędów w rysunku ucznia ręką nauczyciela ma ogromne znaczenie edukacyjne. Obserwując pracę nauczyciela w swoim albumie, uczeń zapamiętuje wszystkie szczegóły tego procesu, a następnie stara się postępować zgodnie z poleceniem nauczyciela.

Dużą rolę w nauce odegra pokaz rysunków wybitnych artystów, gdyż uczeń, patrząc na wykonany własnoręcznie rysunek, wielki mistrz, widzi, jaką wyrazistość można osiągnąć rysując zwykłym ołówkiem. .

Zasada widoczności wymaga takiej prezentacji materiału (edukacyjnej), w której koncepcje i wyobrażenia uczniów stają się jaśniejsze i bardziej szczegółowe. Ucząc się czerpać z życia, główną uwagę zwraca się na prawidłowe ujęcie natury, prawidłowe przekazywanie zjawisk perspektywicznych, cech światła i cienia oraz konstrukcji tematu. Aby ułatwić te podstawowe zadania, zaleca się zainstalowanie specjalnych modeli (wykonanych z drutu i tektury) obok natury, aby szuflada mogła wyraźnie zobaczyć i wyraźnie zrozumieć to lub inne zjawisko, zrozumieć projekt kształtu obiektu, jego charakterystykę cechy.

Główne pomoce wizualne wykorzystywane na lekcjach rysunku życiowego:

rysunki schematyczne i tabele;

odlewy rzeźb klasycznych, modele z drutu;

specjalne modele i urządzenia do pokazywania perspektywy oraz światła i cienia;

rysunki i tabele sekwencji metodologicznej pracy nad obrazem;

reprodukcje obrazów i rysunków mistrzów;

filmy ukazujące technikę pracy ołówkiem i pędzlem;

specjalne urządzenia - „Koło kolorów” i „Koło tonów” do rozwijania u dzieci poczucia koloru i tonu.

. Wizualizacja jako środek wzmacniający aktywność wzrokową uczniów

Zasada widoczności polega na wizualnym postrzeganiu obiektu na każdym typie zajęć rysunkowych: czerpaniu z życia, czerpaniu z tematów, plastyce twórczej, rozmowach o sztuce.

Czerpanie z życia jest metodą wizualnego uczenia się. Uważamy wizualizację w nauczaniu rysunku życia za wiodące narzędzie nauczania.

Najlepszym sposobem wizualnego uczenia się jest rysunek nauczyciela na tablicy, na kartce papieru lub na marginesach pracy ucznia. Pomaga zrozumieć to co widzisz i wpływa na poprawność Twojej pracy. Najważniejsze jest zwięzłość obrazu, prostota i przejrzystość.

Widoczność ma więcej skuteczne działanie niż ustne wyjaśnienie. Y. A. Komeński ogłosił zasadę przejrzystości „złotą zasadą dydaktyki”. Tabele metodologiczne wyraźnie pokazują kolejność i cechy rysunku, możliwości techniki wykonania oraz środki osiągnięcia emocjonalnej ekspresji.

Duże znaczenie edukacyjno-wychowawcze ma pokaz ilustracji do obrazów wybitnych artystów z pomocy dydaktycznych, których przykłady mogą w czytelny sposób pokazać, jak analizować przyrodę,

Czerpiąc z życia, główną uwagę zwraca się na jego prawidłowe oddanie. Aby ułatwić zadanie, zaleca się instalowanie specjalnych modeli obok natury, aby zrozumieć projekt kształtu obiektu i jego charakterystycznych cech. Wizualizacja: schematy, rysunki, tabele, modele gipsowe, modele z drutu, plexi i kartonu pomagają uczniowi prawidłowo widzieć, rozumieć kształt, strukturę, kolor i fakturę. Sekwencję nad rysunkiem należy traktować jako ujawnienie konkretnych zadań edukacyjnych.

. Uczenie się oparte na problemach. Metody uczenia się przez problem. Rodzaje lekcji

W zależności od celu, misji szkoły, nauka może być problematyczna lub nie. .

Podstawowe funkcje uczenia się przez problem. Na podstawie zadań szkoły ogólnokształcącej i na wnioskach z porównania typ tradycyjny Uczenie się oparte na problemach można sformułować główne funkcje uczenia się opartego na problemach. Można je podzielić na ogólne i specjalne. Można wskazać następujące ogólne funkcje uczenia się problemowego: przyswajanie przez uczniów systemu wiedzy oraz metod aktywności umysłowej i praktycznej, rozwój inteligencji uczniów, czyli ich niezależności poznawczej i zdolności twórczych, kształtowanie zdolności dialektycznych myślenie u dzieci w wieku szkolnym, kształtowanie wszechstronnie rozwiniętej osobowości. Ponadto uczenie się problemowe spełnia następujące funkcje: kształtowanie umiejętności twórczego zdobywania wiedzy (stosowanie systemu technik logicznych lub indywidualnych metod twórczego działania), kształtowanie umiejętności twórczego stosowania wiedzy (zastosowanie zdobytej wiedzy w nowej sytuacji) ) oraz umiejętność rozwiązywania problemów edukacyjnych, kształtowanie i gromadzenie doświadczeń, działalność twórcza (opanowanie metod badań naukowych, rozwiązywanie problemów praktycznych i artystyczne przedstawianie rzeczywistości), kształtowanie motywów uczenia się, potrzeb społecznych, moralnych i poznawczych.

Sposób prezentacji monologu. Nauczyciel podaje fakty w określonej kolejności, podaje im niezbędne wyjaśnienia i demonstruje eksperymenty, które je potwierdzają. Korzystanie z pomocy wizualnych i technicznych pomocy dydaktycznych towarzyszy tekst objaśniający. Nauczyciel odkrywa jedynie te powiązania pomiędzy zjawiskami i pojęciami, które są niezbędne do zrozumienia materiału, wprowadzając je w kolejności informacyjnej. Naprzemienność faktów konstruowana jest w logicznej kolejności, jednak w trakcie prezentacji nie jest określone skupienie uczniów na analizie związków przyczynowo-skutkowych. Nie podaje się faktów „za” i „przeciw”, natychmiast podaje się prawidłowe wnioski końcowe. Jeśli powstają problematyczne sytuacje, to tylko po to, aby przyciągnąć uwagę uczniów i wzbudzić ich zainteresowanie. Aby stworzyć sytuację problemową, nauczyciel najczęściej zmienia jedynie kolejność relacjonowanych faktów, demonstracje, eksperymenty, ekspozycję pomocy wizualnych i jako dodatkowe elementy treści wykorzystuje ciekawe fakty z historii rozwoju rozwijanej koncepcji. studiowane lub fakty mówiące o praktycznym zastosowaniu zdobytej wiedzy w nauce i technologii. Rola ucznia w stosowaniu tej metody jest raczej bierna, poziom niezależności poznawczej wymagany do pracy tą metodą jest niski.

Metoda nauczania rozumowania. Jeśli nauczyciel stawia sobie za cel pokazanie przykładu badań nad sformułowaniem i rozwiązaniem problemu integralnego, wówczas stosuje metodę rozumowania. W tym przypadku materiał jest podzielony na części, nauczyciel na każdym etapie zapewnia systemy pytań retorycznych o charakterze problematycznym, aby pobudzić uczniów do mentalnej analizy sytuacji problematycznych, obnażyć obiektywne sprzeczności w treści, ale także rozwiązuje problem wykorzystania zdań o charakterze narracyjnym i pytającym, nie zadaje się pytań informacyjnych (czyli takich, których udzielenie ma na celu odtworzenie już znanej wiedzy, przekazanie informacji o znanej wiedzy), narracja prowadzona jest w formie wykładu. Sposób restrukturyzacji materiału do pracy tą metodą różni się przede wszystkim tym, że do treści wprowadza się system pytań retorycznych jako dodatkowy element konstrukcyjny. Kolejność relacjonowanych faktów jest tak dobrana, aby obiektywne sprzeczności w treści zostały ukazane w sposób szczególnie wyeksponowany i wyeksponowany oraz wzbudziły zainteresowanie poznawcze uczniów i chęć ich rozwiązania. . Wybierając metodę nauczania poprzez rozumowanie, nauczyciel w procesie organizacji procesu asymilacji posługuje się metodą nauczania wyjaśniającą, której istota polega na tym, że „obejmuje ona przez nauczyciela relacjonowanie faktów z danej nauki, ich opisu i wyjaśniania, że to odsłanianie istoty nowych koncepcji za pomocą słów, wizualizacji i praktycznych działań.”

Dialogiczny sposób prezentacji. Jeżeli nauczyciel stawia sobie za zadanie włączenie uczniów do bezpośredniego udziału we wdrażaniu metody rozwiązania problemu, aby ich zaktywizować, zwiększyć zainteresowanie poznawcze i zwrócić uwagę na to, co już jest znane w nowym materiale, to on, wykorzystując metodę ta sama struktura treści, uzupełnia ją o pytania informacyjne, odpowiedzi na pytania studentów. Stosowanie metody nauczania dialogicznego zapewnia wyższy poziom aktywności poznawczej uczniów w procesie uczenia się, ponieważ są oni już bezpośrednio zaangażowani w rozwiązywanie problemu pod okrutnym wpływem nauczyciela.

Heurystyczna metoda prezentacji. Metodę heurystyczną stosuje się tam, gdzie nauczyciel stawia sobie za cel nauczenie uczniów poszczególnych elementów rozwiązania problemu, zorganizowanie częściowego poszukiwania nowej wiedzy i metod działania. Stosując metodę heurystyczną, nauczyciel wykorzystuje tę samą strukturę materiału edukacyjnego, co w przypadku metody dialogicznej, jednak w pewnym stopniu uzupełnia jej strukturę, wyznaczając uczniom zadania poznawcze i zadania na każdym etapie rozwiązywania problemu edukacyjnego. Zatem formą realizacji tej metody jest połączenie rozmowy heurystycznej z rozwiązywaniem problematycznych problemów i zadań. Istota metody heurystycznej polega na tym, że odkrycia nowego prawa, reguły itp. nie dokonuje nauczyciel przy udziale uczniów, ale sami uczniowie pod kierunkiem i pomocą nauczyciela.

Metoda badań. Najpełniej koncepcję metody badawczej ujawnił I. Ya.Lerner, klasyfikując metodę badawczą jako metodę organizującą proces asymilacji „poprzez rozwiązywanie problemów i problemów problematycznych. Jej istotą jest to, że nauczyciel konstruuje metodologiczny system problemów i zadań problemowych, dostosowuje go do konkretnej sytuacji procesu edukacyjnego, przedstawia go uczniom, kierując w ten sposób ich działaniami edukacyjnymi, a uczniowie rozwiązując problemy, zapewniają zmianę kierunku działania strukturę i poziom aktywności umysłowej, stopniowo opanowując procedurę twórczą, a jednocześnie twórczo przyswajając metody poznania”. Prowadząc lekcję metodą badawczą, ponownie stosuje się tę samą strukturę materiału, przejmując elementy struktury metody heurystycznej oraz kolejność pytań, instrukcji i zadań. Jeżeli w procesie wdrażania metody heurystycznej te pytania, instrukcje i zadania mają charakter proaktywny, to znaczy stawiane są przed rozwiązaniem podproblemu stanowiącego treść tego etapu lub w trakcie jego rozwiązywania i pełnią funkcję przewodnią w procesie rozwiązywania, wówczas w przypadku stosowania metody badawczej pytania zadawane są na koniec etapu, gdy większość uczniów rozwiąże podproblem.

Metoda zadań programowanych. Metoda zadań programowanych polega na stworzeniu przez nauczyciela systemu zadań programowanych. O poziomie efektywności szkolenia decyduje obecność sytuacji problemowych oraz umiejętność samodzielnego stawiania i rozwiązywania problemów. Zastosowanie zaprogramowanych zadań jest następujące: każde zadanie składa się z poszczególnych elementów ramy; jedna ramka zawiera część badanego materiału, sformułowaną w formie pytań i odpowiedzi lub w formie prezentacji nowych zadań lub w formie ćwiczeń. W wyniku przeprowadzonych prac możemy stwierdzić, że na tym etapie rozwoju człowieka uczenie się przez problem jest po prostu konieczne, ponieważ uczenie się przez problem tworzy harmonijnie rozwiniętą osobowość twórczą, zdolną do logicznego myślenia, znajdowania rozwiązań w różnych sytuacjach problemowych , zdolny do systematyzowania i gromadzenia wiedzy, zdolny do wysokiej samoanalizy, samorozwoju i samokorekty.

edukacja artystyczna w zakresie sztuk pięknych

30. Metody nauczania plastyki na różnych poziomach nauczania (Ciągłość edukacji przedszkolnej i szkoły podstawowej, szkoły podstawowej i gimnazjum, gimnazjum i liceum ponadgimnazjalnego)

Celowe i skoordynowane kierowanie aktywnością wzrokową dziecka, biorąc pod uwagę zarówno wcześniejszy, jak i późniejszy rozwój artystyczny, jest warunkiem koniecznym skutecznej edukacji estetycznej.

Zachowanie ciągłości w nauczaniu dzieci sztuk plastycznych warunkuje jasne określenie zakresu wiedzy, umiejętności i zdolności, jakie uczniowie szkół podstawowych muszą opanować na odrębnych lekcjach, o poszczególnych tematach, sekcjach w ciągu całego roku szkolnego, w oparciu o zakres wiedzy, umiejętności i umiejętności, które nabyli na zajęciach plastycznych w przedszkolu lub w rodzinie. Na szczególną uwagę zasługuje wskazanie specyficznych powiązań pomiędzy głównymi formami organizacyjnymi nauczania dzieci sztuk pięknych w wieku przedszkolnym i wczesnoszkolnym.

Szkoły i przedszkola mają wspólne cele w nauczaniu dzieci podstaw umiejętności wizualnych. Ciągłość treści zajęć plastycznych w starszych grupach przedszkola i szkoły podstawowej:

Przedszkole regularnie prowadzi zajęcia z rysunku, modelarstwa, aplikacji i projektowania. Szkoła prowadzi zajęcia plastyczne. Modelowanie, aplikacja i projektowanie w szkole podstawowej odbywa się na lekcjach przyuczenia do pracy. Program zajęć plastycznych dla klas I-III zwraca uwagę na potrzebę koordynacji zadań i treści tych zajęć. 2. Rodzaje rysunków w starszych grupach przedszkola i klasach podstawowych szkoły są takie same. Istnieją jedynie pewne różnice w ich nazwach.

Umiejętności i zdolności niezbędne do aktywności wzrokowej dziecka są koordynowane w programach przedszkola i szkoły podstawowej. 4. Analiza szczegółowych zadań programowych grup seniorskich przedszkola pozwala stwierdzić, że dziecko rozpoczynające naukę w przedszkolu jest w pełni przygotowane do pomyślnego uzupełnienia materiału edukacyjnego i dalszego komponowania kreatywnych kompozycji, ilustracji i wzorów. Jest przygotowany do percepcji i dalszego studiowania formy, przestrzeni, wzorców nauki o kolorze i kompozycji. Tym samym zadania przewidziane w programach, przykładowe zadania oraz treść wiedzy, umiejętności i zdolności w zakresie sztuk wizualnych w przedszkolu i szkole podstawowej oraz ogólny rozwój sześcio-, siedmioletniego dziecka pozwalają na zapewnić ciągłość w plastyce przedszkolaków i uczniów szkół podstawowych. Wymaga to jednak biegania następujące warunki:

Nauczyciele szkół podstawowych mają obowiązek uwzględnić wychowanie rysunkowe, jakie dziecko otrzymuje w przedszkolu, biorąc pod uwagę poziom rozwoju jego zdolności plastycznych i twórczych oraz wrażliwości estetycznej. 2. Nastawienie nauczyciela szkoły podstawowej na dalsze utrwalanie i rozwijanie dziecięcych wyobrażeń i wrażeń nabytych w wieku przedszkolnym. 3. Nastawienie nauczyciela na połączenie metod nauczania dzieci plastyki w klasach podstawowych z metodami nauczania dzieci rysowania w przedszkolu. 4. Powszechne zastosowanie w klasach podstawowych różnych materiałów wizualnych: ołówki, akwarele, gwasz, kredki, sangwina, pastele, pisaki, tusz, kolorowy papier barwiony. Zastosowanie wszystkich tych środków pozwoli dzieciom skuteczniej rozwijać gust estetyczny, zrozumienie piękna, niezależność twórczą i wyobraźnię, zwłaszcza że wszystkie te materiały są powszechnie polecane w przedszkolach i chętnie wykorzystywane przez dzieci.

Tym samym ścisłe przestrzeganie zadań edukacyjnych przewidzianych programem edukacyjnym w przedszkolu i programem sztuk wizualnych w szkole podstawowej zapewni ciągłość zajęć wizualnych przedszkolaków i uczniów szkół podstawowych, co jest warunkiem koniecznym rozwoju umysłowego dzieci i kształtowanie emocjonalnego i estetycznego stosunku do rzeczywistości. Zasada ciągłości zakłada, że ​​działalność edukacyjna, szczególnie na początkowym etapie, prowadzona jest pod bezpośrednim nadzorem administracji. Rozwiązując problem ciągłości, prace prowadzone są w trzech kierunkach:

. wspólna praca metodyczna nauczycieli szkół podstawowych i nauczycieli przedmiotów w szkołach średnich;

. praca ze studentami;

. praca z rodzicami.

Ciągłość pomiędzy szkołą podstawową a klasą 5 obejmuje następujące obszary:

. programy edukacyjne;

. organizacja procesu edukacyjnego;

. jednolite wymagania dla studentów;

. struktura lekcji.

Proponuję plan pracy na rzecz ciągłości pomiędzy kształceniem podstawowym a zasadniczym ogólnokształcącym, który z powodzeniem stosowany jest w naszej szkole od kilku lat. Plan pracy uzupełniają załączniki.

Korepetycje

Potrzebujesz pomocy w studiowaniu jakiegoś tematu?

Nasi specjaliści doradzą lub zapewnią korepetycje z interesujących Cię tematów.
Prześlij swoją aplikację wskazując temat już teraz, aby dowiedzieć się o możliwości uzyskania konsultacji.

METODOLOGIA NAUCZANIA SZTUK PIĘKNYCH

Krótki cykl wykładów

Kemerowo 2015

Publikacja ta stanowi przewodnik edukacyjno-metodyczny przygotowujący do interdyscyplinarnego egzaminu państwowego w module zawodowym „Działania pedagogiczne” i zawiera krótki cykl wykładów z historii metod nauczania sztuk pięknych, teorii i metod organizacji nowoczesnej lekcji sztuk pięknych

Przeznaczony dla studentów kierunków specjalizacyjnych w specjalnościach 54.02.05 „Malarstwo: malarstwo sztalugowe”, 54.02.01 „Wzornictwo w kulturze i sztuce”, 54.02.02 „DPI i rzemiosło ludowe: ceramika artystyczna”

Opracował: A.M. Osipov, dyrektor artystyczny,

Obrót silnika. GOU SPO „KOKHK”,

E.O. Shcherbakova, metodolog Państwowej Instytucji Edukacyjnej Średniego Kształcenia Zawodowego „KOKHK”.

Zastępca dyrektora MMR T.V. Semenets

Regionalna Szkoła Artystyczna w Kemerowie, 2015

Temat 1. Cele i zadania edukacji artystycznej i pedagogicznej…………………...……....4

Temat 2. Metody nauczania sztuk plastycznych jako przedmiotu studiów………6

Temat 3. Metody nauczania rysunku w starożytności i średniowieczu……………..…………..8

Temat 4. Znaczenie założeń metodologicznych sztuki renesansu……………..……11

Temat 5. Modele edukacji artystycznej New Age w Europie Zachodniej……….14

Temat 6. Kształtowanie się krajowej szkoły pedagogiki artystycznej w XVIII–XIX w.......18

Temat 7. Akademicki system edukacji artystycznej w Rosji. ……………………22

Temat 8. Metody nauczania rysunku w szkołach radzieckich………………………………………………………25

Temat 9. Analiza programu B.M. Niemenskiego „Sztuki piękne”

i twórczości artystycznej”…………………………………..……………………………………………………….28

Temat 10. Programy nauczania i programy……………………………………….………………………31

Temat 11. Storyboarding zadań edukacyjnych na lekcjach plastyki…………….33

Temat 12. Lekcja jako główna forma organizacji procesu edukacyjnego……………..……………….36

Temat 13. Formy metodyczne zaliczenia lekcji. ……………...………………………………..39

Temat 14. Podstawowe założenia metodyczne prowadzenia zajęć plastycznych z przedszkolakami………………………………………………………………………………………... …………… 42

Temat 15. Metody nauczania rysunku w dziecięcych szkołach artystycznych………………………………………...………..45

Temat 16. Metody nauczania malarstwa w dziecięcej szkole plastycznej…………………………….………………….48

Temat 17. Metody nauczania kompozycji w dziecięcej szkole plastycznej………………………………………………………..………49

Temat 18. Metody nauczania sztuki zdobniczej i użytkowej w dziecięcych szkołach artystycznych…………………50

Temat 19. Lekcje-rozmowy z historii sztuk pięknych i metod ich uprawiania...52

Temat 20. Rola materiałów wizualnych w procesie nauczania sztuk plastycznych…………………………………………………………………………………………… …………………………… 55

Lista referencji…………………………………………………………………………………....….58

Nauczyciel plastyki sam musi być biegły w sztukach wizualnych, których podstaw uczy, musi potrafić metodycznie poprawnie wyjaśnić i jasno wykazać proces przedstawiania tego lub innego przedmiotu, tej lub innej techniki, zasad pracy ołówkiem lub szczotka. Praktyka pokazuje: jeśli sam nauczyciel ma słabą wiedzę wizualną, słabo rysuje i nie wie, jak połączyć prawa perspektywy, naukę koloru, kompozycję z praktyką rysunkową, to jego uczniowie nie mają tej wiedzy i umiejętności.

Systematyczne wizyty nauczyciela na wystawach plastycznych i warsztatach artystycznych, w muzeach, komunikacja z inteligencją artystyczną, regularne czytanie książek i czasopism o sztukach plastycznych, praca twórcza są warunkiem koniecznym podniesienia poziomu naukowego, teoretycznego i zawodowego nauczyciela.

Metodologia nauczania sztuk pięknych jako nauki teoretycznie uogólnia doświadczenie praktyczne, formułuje prawa i zasady nauczania, identyfikuje technologię najskuteczniejszych metod i proponuje je do wdrożenia. Metodologia opiera się na danych naukowych z pedagogiki, psychologii, estetyki i historii sztuki.

Oczywiście w żywym procesie nauczania każdy nauczyciel opracowuje własną metodologię pracy, ale należy ją budować zgodnie z ogólnymi celami i zadaniami współczesnego nauczania sztuk pięknych, które nie zostały opracowane od razu; wcześniej metodologia poszła przez trudną ścieżkę rozwoju.

Metodologia nauczania sztuki jako nauki uogólnia doświadczenie praktyczne, oferuje metody nauczania, które już się sprawdziły i dają najlepsze rezultaty.

Metodyka nauczania sztuk plastycznych jest nauką żywą, rozwijającą się i chłonącą wszelkie innowacje. Aby jednak nowe technologie mogły być skutecznie wdrażane w praktyce, konieczna jest znajomość doświadczeń historycznych i kierunków rozwoju nauczania sztuk pięknych.

ROZDZIAŁ 2. ZASADY PEDAGOGICZNE RÓŻNYCH SZKÓŁ

Era starożytnej Grecji była najwspanialszą erą w historii rozwoju sztuk pięknych starożytnego świata. Znaczenie greckiej sztuki pięknej jest niezwykle duże. Tutaj został ustanowiony sposób naukowego rozumienia sztuki. Greccy artyści-nauczyciele zachęcali swoich uczniów i naśladowców do bezpośredniego studiowania natury, obserwowania jej piękna i wskazywali, czym ona jest. Ich zdaniem piękno tkwi w właściwej proporcjonalności części, czego doskonałym przykładem jest sylwetka ludzka. Mówili, że proporcjonalny wzór ludzkiego ciała w jego jedności tworzy harmonię piękna. Główną zasadą sofistów było: „Człowiek jest miarą wszystkich rzeczy”. Stanowisko to stanowiło podstawę całej sztuki starożytnej Grecji.

Metody nauczania rysunku w starożytnym Rzymie. Rzymianie bardzo lubili sztukę piękną, zwłaszcza dzieła greckich artystów. Sztuka portretowa rozpowszechniła się, lecz Rzymianie nie wprowadzili niczego nowego do metodologii i systemu nauczania, kontynuując korzystanie z dorobku artystów greckich. Co więcej, utracili wiele cennych stanowisk rysunku, nie zachowując ich. Artyści rzymscy kopiowali głównie dzieła artystów greckich. Organizacja nauczania różniła się od tej w szkołach greckich.

Społeczeństwo rzymskie potrzebowało dużej liczby artystów i rzemieślników do dekoracji pomieszczeń i budynków użyteczności publicznej, okresy szkolenia były krótkie. Dlatego sposób nauczania rysunku był nienaukowy, rysunek stał się konwencjonalny i schematyczny. W nauczaniu rysunku dominowało kopiowanie z próbek i mechaniczne powtarzanie technik pracy, co z kolei zmuszało rzymskich artystów-nauczycieli do coraz większego odchodzenia od metod nauczania stosowanych przez greckich artystów-nauczycieli. Wielu szlachciców i patrycjuszy zajmowało się rysunkiem i malarstwem (na przykład Fabiusz Pictor, Pedius, Juliusz Cezar, Neron itp.). W technikach rysunkowych Rzymianie jako pierwsi użyli optymizmu jako materiału do rysowania.

Rola kultury starożytnej była ogromna w rozwoju sztuki realistycznej, w tworzeniu i rozwoju akademickiego systemu nauczania rysunku. Do dziś inspiruje nas do poszukiwania skuteczniejszych metod nauczania sztuk pięknych, do naukowego opracowywania metod nauczania rysunku.

Rysunek w średniowieczu. W średniowieczu zapomniano o osiągnięciach sztuki realistycznej. Artyści nie znali zasad konstruowania obrazu na płaszczyźnie, jakie obowiązywały w starożytnej Grecji. Podstawą szkolenia jest mechaniczne kopiowanie próbek, a nie czerpanie z życia.

Malarze pierwszych wieków chrześcijaństwa nadal posługiwali się formami artystycznymi malarstwa starożytnego. W krótkim czasie tradycje sztuki realistycznej zostały zapomniane i utracone, a rysunek stał się konwencjonalny i schematyczny. Zaginęły rękopisy – dzieła teoretyczne wielkich artystów, a także wiele znanych dzieł, które mogłyby służyć za wzorce. Nie praktykowano studiowania przyrody i przyrody w sensie akademickim, ponieważ realistyczna przyroda wywoływała „ziemskie” uczucie, które w tej epoce zostało zastąpione poszukiwaniami duchowymi. Artyści średniowieczni nie pracowali z życia, lecz w oparciu o zszyte ze sobą w zeszytach próbki, będące szkicami konturowymi kompozycji różnych scen kościelnych, poszczególnych postaci, motywów draperii itp. Kierowali się nimi zarówno podczas wykonywania malowideł ściennych, jak i dzieł malarstwa sztalugowego. Szkolenie rysunku odbywało się u mistrza, który nie przestrzegał ani ścisłego systemu, ani jasnych metod nauczania. Studenci w większości uczyli się samodzielnie, przyglądając się z bliska pracy mistrza.

Preysler wykorzystuje geometrię jako podstawę nauczania rysunku. Geometria pomaga rysownikowi zobaczyć i zrozumieć kształt obiektu, a przedstawiając go na płaszczyźnie, ułatwia proces budowy. Preisler ostrzega jednak, że posługiwanie się figurami geometrycznymi musi być połączone ze znajomością zasad i praw perspektywy oraz anatomii plastycznej.

Podręcznik Preyslera cieszył się dużym uznaniem wśród współczesnych, był kilkakrotnie wznawiany zarówno za granicą, jak i w Rosji. Nie było wówczas bardziej szczegółowego i jasnego rozwoju metodologicznego rysunku edukacyjnego, dlatego prace Preislera w Rosji były przez długi czas wykorzystywane nie tylko w placówkach oświaty ogólnej, ale także w specjalnych szkołach artystycznych.

Oczywiście, dziś można doszukać się w książce Preislera pewnych niedociągnięć, jednak w imię prawdy historycznej trzeba zaznaczyć, że jak na tamte czasy był to najlepszy przewodnik. Wiedza, którą uczeń zdobył w trakcie studiowania kursu Preyslera, pomogła mu w przyszłości czerpać z życia, a także czerpać z pamięci i wyobraźni, co jest tak ważne dla artysty.

W 1834 r. pierwsza ukazała się w Petersburgu podręcznik A.P. Sapożnikowa - fatalna publikacja dla sztuki rosyjskiej. Kurs rysunku A.P. Sapożnikowa rozpoczyna się od wprowadzenia do różnych linii, następnie wprowadza kąty, po czym zaczyna opanowywać różne kształty geometryczne. Przed przystąpieniem do rysowania obiektów trójwymiarowych Sapozhnikov proponuje zademonstrowanie uczniom za pomocą specjalnych modeli prawa perspektywy, ponownie zaczynając od linii, następnie przechodząc do różnych powierzchni i wreszcie do ciał geometrycznych. Następnie następuje wprowadzenie do praw światłocienia, także poprzez pokazanie modeli. Gdy rysowanie prostych brył geometrycznych jest dobrze opanowane, Sapożnikow sugeruje przejście do rysowania skomplikowanych brył: najpierw podaje się grupy brył geometrycznych, następnie zadania stopniowo komplikują się, aż do narysowania łbów gipsowych. Aby pokazać budowę ludzkiej głowy, autor sugeruje wykorzystanie specjalnie wykonanego przez siebie drucianego modelu, który powinien zawsze znajdować się obok gipsowej głowy, w podobnym obrocie i położeniu.

Wartość metody Sapożnikowa polega na tym, że opiera się ona na czerpaniu z życia, a nie jest to tylko kopiowanie natury, ale analiza formy. Sapożnikow postawił sobie za cel nauczenie czerpiących z życia myślenia, analizowania i rozumowania.

Pozytywne aspekty metod nauczania A.P. Sapożnikowa nie straciły na znaczeniu w naszych czasach, są wykorzystywane przez krajowych metodologów. Lakoniczny i prosty w sensie wojskowym system stał się podstawą metodologii szkoły radzieckiej i stał się systemem państwowym.

Studiując historię technik rysunkowych, musisz się z nimi zapoznać dzieło G. A. Gippiusa . W 1844 opublikował pracę „Eseje z teorii rysunku jako ogólnego przedmiotu akademickiego”. Była to pierwsza poważna praca dotycząca metod nauczania rysunku w szkole średniej. Tutaj skupiały się wszystkie zaawansowane idee pedagogiki tamtych czasów. Książka podzielona jest na dwie części – teoretyczną i praktyczną. W części teoretycznej przedstawiono podstawowe zasady pedagogiki i sztuk pięknych. Część praktyczna przedstawia metodologię nauczania.

Gippius stara się naukowo i teoretycznie uzasadnić każde stanowisko metodologii nauczania rysunku. W nowy sposób postrzega sam proces nauczania. Metody nauczania – twierdzi Gippius – nie powinny trzymać się określonego szablonu, dobre efekty można osiągnąć stosując różne metody nauczania. Aby nauczyć się poprawnie rysować, musisz nauczyć się rozumować i myśleć, mówi Gippius, a to jest konieczne dla wszystkich ludzi i należy je rozwijać od dzieciństwa. Gippius w drugiej części swojej książki podaje wiele cennych rad i zaleceń metodologicznych. Metody nauczania, zdaniem Gippiusa, powinny opierać się nie tylko na danych z pracy praktycznej, ale także na danych z nauki, a przede wszystkim z psychologii. Gippius ma bardzo wysokie wymagania wobec swojego nauczyciela. Nauczyciel musi nie tylko dużo wiedzieć i umieć, ale także występować przed uczniami w roli aktora. Praca każdego ucznia powinna znajdować się w polu widzenia nauczyciela. Gippius ściśle łączy wyposażenie zajęć w sprzęt i materiały z kwestiami metodologicznymi.

Praca G. A. Gippiusa wniosła znaczący wkład w teorię i praktykę nauczania rysunku jako przedmiotu kształcenia ogólnego, znacznie wzbogaciła metody nauczania. Tak poważnego i dogłębnego opracowania zagadnień metodologii nauczania tego okresu nie znajdziemy u nikogo, nawet u najwybitniejszego przedstawiciela myśli pedagogicznej.

W 1804 r. statut szkoły wprowadził rysunek do wszystkich szkół i gimnazjów powiatowych. Z powodu braku nauczycieli w 1825 roku w Moskwie z inicjatywy hrabiego S. G. Stroganowa utworzono Szkołę Rysunku Technicznego, w której istniał wydział kształcący nauczycieli rysunku dla szkół średnich. W 1843 r. Ministerstwo Oświaty wydało okólny wniosek o zastąpienie nauczycieli rysunku, rysunku i pisma w szkołach powiatowych uczniami szkoły Stroganowa, którzy nie posiadali specjalnego wykształcenia artystycznego. Do 1879 roku szkoła ta była jedyną placówką oświatową kształcącą specjalnie nauczycieli rysunku.

Od drugiej połowy XIX wieku nie tylko wybitni artyści-nauczyciele, ale także zwykli nauczyciele szkolni zaczęli zwracać szczególną uwagę na zagadnienia metodologii nauczania. Rozumieli, że bez specjalnego przeszkolenia metodologicznego nie da się skutecznie prowadzić pracy pedagogicznej

W 1864 r. statut szkół średnich wykluczył pobieranie z listy przedmiotów obowiązkowych. W 1872 roku rysunek ponownie włączono do zakresu przedmiotów akademickich w szkołach rzeczywistych i miejskich. Również w 1872 r. zorganizowano „bezpłatne niedzielne zajęcia rysunkowe dla ludu”. Nauczanie na tych zajęciach było początkowo prowadzone pod kierunkiem profesora malarstwa V.P. Vereshchagina i akademika architektury A.M. Gornostaeva. W celu opracowania metod nauczania rysunku w szkołach średnich powołano w Akademii Sztuk Pięknych specjalną komisję. W skład tej komisji weszli wybitni artyści: N.N. Ge, I.N. Kramskoj, P.P. Czistyakow. Komisja zajmowała się także opracowaniem programu dla szkół średnich.

Cechy artystycznej szkoły rysunku P. P. Chistyakova. Rosyjski artysta i profesor Akademii Sztuk P. P. Czistyakow uważał, że Akademia Sztuk podczas jego nauczania (1872-1892) potrzebowała reformy i nowych metod pracy ze studentami, konieczne było udoskonalenie metod nauczania rysunku, malarstwa i kompozycji .

System nauczania Czistyakowa obejmował różne aspekty procesu artystycznego: związek natury i sztuki, artysty i rzeczywistości, psychologię twórczości i percepcji itp. Metoda Czistyakova kształciła nie tylko artystę-mistrza, ale artystę-twórcę. Czystyakow przywiązywał zdecydowaną wagę do rysowania w swoim systemie, nawoływał do wnikania w samą istotę widzialnych form i odtwarzania ich przekonującego konstruktywnego modelu na konwencjonalnej przestrzeni kartki papieru. .

Zaletą systemu nauczania Chistyakova była integralność, jedność na poziomie metodologicznym wszystkich jego elementów, logiczne przejście z jednego etapu do drugiego: od rysunku, przez światłocień, potem do koloru, do kompozycji (kompozycji).

Przywiązywał dużą wagę do koloru, uznając kolor za najważniejszy środek wyrazu figuratywnego i ujawniający treść dzieła.

Komponowanie obrazu jest wynikiem szkolenia artysty, kiedy był już w stanie zrozumieć zjawiska otaczającego życia, podsumować swoje wrażenia i wiedzę w przekonujących obrazach „Zgodnie z fabułą i techniką” było ulubionym wyrażeniem Chistyakova.

Analizując działalność dydaktyczną P. P. Chistyakova, możemy zidentyfikować główne elementy jego systemu pracy, dzięki czemu osiągnięto wysoki poziom jakości w nauczaniu rysunku. Polegał on na współdziałaniu następujących elementów:

· cele i zadania nauczania jako punkt wyjścia systemu pedagogicznego;

· naukowo potwierdzona treść materiałów edukacyjnych;

· wykorzystanie różnych typów i form zajęć, dzięki którym zorganizowano zajęcia uczniów w zakresie doskonalenia umiejętności artystycznych w zakresie rysunku;

· różne formy kontroli, za pomocą których zapobiegano ewentualnym odstępstwom od powierzonych zadań podczas wykonywania rysunku;

· ciągłe samodoskonalenie samego P.P. Chistyakova, które miało przede wszystkim na celu poprawę pozytywnego wpływu na uczniów.

Integralną częścią systemu pracy Pawła Pietrowicza Czistyakowa były także budowanie relacji ze studentami, skupionych na komunikacji ze studentami, dialogu i szacunku dla jednostki. „Prawdziwy, rozwinięty, dobry nauczyciel nie bije ucznia kijem, w przypadku błędu, niepowodzenia itp. stara się dokładnie wyjaśnić istotę sprawy i sprawnie poprowadzić ucznia na właściwą drogę”. Ucząc uczniów rysowania, należy dążyć do intensyfikacji ich aktywności poznawczej. Nauczyciel musi dać kierunek, zwrócić uwagę na najważniejsze, a uczeń musi sam rozwiązać te problemy. Aby poprawnie rozwiązać te problemy, nauczyciel musi nauczyć ucznia nie tylko zwracać uwagę na przedmiot, ale także dostrzegać jego charakterystyczne aspekty. Metody Chistyakova, jego umiejętność odgadnięcia specjalnego języka każdego talentu i ostrożne podejście do każdego talentu dały niesamowite rezultaty. Jego system nauczania kształcił artystę w prawdziwym tego słowa znaczeniu. Różnorodność twórczych indywidualności uczniów mistrza mówi sama za siebie - są to V. M. Vasnetsov, M. A. Vrubel, V. D. Polenov, I. E. Repin, A. P. Ryabushkin, V. A. Serov, V. I. Surikov i inni.

Poglądy pedagogiczne P. P. Czistyakowa zyskały uznanie już w czasach sowieckich. Jego system pedagogiczny, o charakterze rewolucyjnym, nie ma odpowiedników w teorii i praktyce innych narodowych szkół artystycznych.

Podobnie jak nauka rysowania, Chistyakov dzieli naukę malarstwa na kilka etapów.

Pierwszy etap- to opanowanie figuratywnego charakteru koloru, wyrobienie w młodym artyście umiejętności precyzyjnego określenia odcienia koloru i odnalezienia jego prawidłowego położenia przestrzennego. Druga faza musi nauczyć ucznia rozumieć ruch koloru w formie jako główny sposób przekazywania natury, trzeci- uczyć, jak rozwiązywać określone problemy fabularno-plastyczne za pomocą koloru. Chistyakov był prawdziwym innowatorem, który zamienił pedagogikę w wysoką kreatywność.

Temat 7. Akademicki system edukacji artystycznej w Rosji

· Cesarska Akademia Sztuk Pięknych w Rosji w XVIII – pierwszej połowie XIX wieku. i Szkołę Wychowawczą.

· A.P. Losenko, A.E. Egorov, V.K. Shebuev.

Od 1758 r. „Akademia Trzech Najwybitniejszych Sztuk” stała się naukowym i metodologicznym centrum edukacji artystycznej, a przez całą swoją historię Akademia Petersburska była głównym rosyjskim ośrodkiem edukacji artystycznej. Najwięksi rosyjscy architekci, rzeźbiarze, malarze i rytownicy przeszli w Akademii rygorystyczne, wymagające szkolenie.

Akademia Sztuk Pięknych od początku swego istnienia była nie tylko instytucją edukacyjno-wychowawczą, ale także ośrodkiem oświecenia artystycznego, gdyż regularnie organizowała wystawy. Pod jej rządami powstały muzea i biblioteka naukowa. Aby rozwijać u uczniów dobry gust artystyczny i wzbudzać zainteresowanie sztuką, założyciel i pierwszy dyrektor naczelny I.I. Szuwałow postanowił otoczyć uczniów genialnymi dziełami. Przekazuje Akademii swoją kolekcję obrazów i rysunków, a także osobistą bibliotekę. Po Szuwalowie akademia utrzymywała tę tradycję przez wiele lat, co przyniosło biznesowi ogromny sukces i zaszczepiło wśród studentów poczucie głębokiego szacunku dla sztuki i uczelni. Akademia zapewniała studentom wszystkie materiały niezbędne do pracy: papier wszelkiego rodzaju, farby, ołówki, płótno, kroszel, pędzle i lakiery.

Głównym przedmiotem w akademii był rysunek. Za najlepsze rysunki edukacyjne Rada Akademii przyznała autorom nagrody – małe i duże srebrne medale. Z inicjatywy rzeźbiarza Gilleta w 1760 roku zorganizowano w akademii pełnowymiarową klasę, w której dużą uwagę poświęcono studiowaniu budowy anatomicznej ciała ludzkiego. Tutaj szczegółowo badany jest szkielet i „postać obdarta ze skóry”, jak wówczas nazywano model anatomiczny.

Zajęcia z rysunku przebiegały w następujący sposób: „Zajęcia podzielone były na poranne od 9 do 11 i wieczorne od 5 do 7. Na porannych zajęciach każdy pracował nad swoją specjalnością, a wieczorem wszyscy, bez względu na to, w której klasie byli, rysowali ołówkiem francuskim. Pod koniec miesiąca rysunki były wystawiane na zajęciach do rozpatrzenia przez profesorów; to było coś w rodzaju egzaminów. Ponadto co tydzień wystawiano figury, gipsowe głowy, w związku z czym wymagano, aby ich kontury były jak najwierniejsze, choć nie dokończono cieniowania. Na miesięczne egzaminy lub egzaminy te cotygodniowe prace mogły nie zostać przesłane przez studentów, ponieważ były sprawdzane przez profesora w ciągu tygodnia, ale niektóre prace, przygotowane wyłącznie na miesięczny egzamin, zostały już bez wątpienia złożone w wyznaczonym terminie. ”

Studenci Akademii zostali podzieleni na grupy ze względu na wiek:

I grupa – od 6 do 9 lat,

II - od 9 do 12,

3. – od 12 do 15 lat,

4. - od 15 do 18 lat.

1. grupa: W pierwszej grupie oprócz zajęć ogólnokształcących zajmowali się rysowaniem z oryginałów, odlewów gipsowych i z życia. Rysowanie rozpoczęło się od wprowadzenia do techniki i technologii. Ołówek trzeba było trzymać dalej od oczyszczonego końca, co dawało większą swobodę i mobilność dłoni. Próbkami w oryginalnych klasach były ryciny z rysunków wybitnych mistrzów, rysunki nauczycieli akademickich, a także rysunki szczególnie zasłużonych studentów. Rysunki Greza cieszyły się szczególną popularnością wśród nauczycieli i uczniów. Wyrazistość linii na jego rysunkach pomogła uczniom wyraźnie dostrzec i zrozumieć plastyczność form.

2. grupa: W drugiej grupie czerpali z oryginałów, odlewów i natury. Pod koniec roku student zaczął kopiować z oryginałów rysunki głów, części ciała ludzkiego i nagich postaci ludzkich (akademia), najpierw w gipsie, a potem na żywo. Ozdoby i gipsowe główki zostały zaczerpnięte z życia.

3. grupa: Trzecia grupa studiowała perspektywę, czerpiąc z oryginałów, gipsu i życia, malarstwo, rzeźbę, architekturę i sztukę rytowniczą. Gipsowe figury Antinousa, Apolla, Germanika, Herkulesa, Herkulesa i Wenus z Medycei zostały pomalowane z życia. Tutaj uczeń czerpał z opatrunków gipsowych, dopóki nie zdobył niezbędnych umiejętności zawodowych. Następnie mógł przystąpić do rysowania życia na żywo w klasie life.

Aby dokładnie zapamiętać figurę, uczeń musiał kilka razy narysować tę samą pozę. Aby dokładnie zapamiętać figurę, uczeń musiał kilka razy narysować tę samą pozę. Wiadomo, że K. P. Bryullov wykonał czterdzieści rysunków grupy Laokoona. Umiejętność była tak wielka, że ​​niektórzy akademicy mogli zacząć rysować z dowolnego miejsca.

Ucząc rysunku, dużą wagę przywiązywano do osobistego popisu. Ówczesne instrukcje wskazywały, że nauczyciele akademii powinni rysować tak samo jak uczniowie – w ten sposób uczniowie zobaczyliby, jak powinien przebiegać proces konstruowania rysunku i jaką jakość należy osiągnąć.

W jednym z dokumentów archiwalnych czytamy: „Instruuj profesorów i nauczycieli pomocniczych, aby wszyscy adiunkci byli w wyznaczonych godzinach na rysowaniu przyrody, a także obserwowali, jak działa Fontebass”. To samo czytamy w instrukcji A.I. Musina-Puszkina: „W klasie naturalnej dyżur powinny zawsze pełnić dwie osoby. artystów, z których jeden może pozować z natury i korygować prace uczniów, a drugi jednocześnie własnoręcznie z nimi rysować lub rzeźbić.”

Niestety, ta postępowa metoda kształcenia przyszłych artystów wyszła z użycia w praktyce pedagogicznej. Jeśli we współczesnych placówkach oświatowych od studenta wymaga się ukończenia programu kursu w ciągu roku, niezależnie od powodzenia, to w akademii XVIII, a także w pierwszej połowie XIX wieku student mógł przenieść się z jednej klasy na inny np. z gipsu do życia, dopiero po osiągnięciu określonych sukcesów.

4. grupa: Uczniowie czwartej grupy rysowali akty i uczyli się anatomii. Następnie odbyły się zajęcia z manekinów i kompozycji oraz kopiowania obrazów w Ermitażu.

Wielki wkład w metody nauczania rysunku wnieśli artyści i nauczyciele Akademii Sztuk Pięknych A. P. Losenko i V. K. Shebuev.

A.P. Losenko rozpoczął naukę w akademii w 1769 roku. Znakomity rysownik i wspaniały nauczyciel, który dużą wagę przywiązywał nie tylko do praktyki, ale także do teorii rysunku. Jego błyskotliwa działalność pedagogiczna szybko zyskała powszechne uznanie. Począwszy od Łosenki, rosyjska akademicka szkoła rysunku otrzymała swój własny, specjalny kierunek.

Losenko postawił sobie za zadanie zapewnienie podstaw naukowych i teoretycznych dla każdej pozycji rysunku akademickiego, a przede wszystkim przy rysowaniu postaci ludzkiej. W tym celu zaczął dokładnie studiować anatomię plastyczną, szukać zasad i praw proporcjonalnego podziału figury na części, rysować diagramy i tabele w celu wizualnego przedstawienia swoim uczniom. Od tego czasu metoda nauczania rysunku zaczęła opierać się na poważnym studiowaniu anatomii, proporcji sylwetki ludzkiej i perspektywy. Losenko był w stanie przekazać swoim uczniom całą wiedzę naukową niezbędną artyście z wielką perswazją i genialnym talentem pedagogicznym. Rozumiejąc złożoność i trudność łączenia dwóch różnych rzeczy - niezależnej pracy twórczej i nauczania, Losenko nie szczędził czasu ani wysiłku dla sprawy, której służył. Zauważając tę ​​cechę Łosenki jako artysty i nauczyciela, A. N. Andreev napisał: „Spędzał z nimi (studentami) całe dnie i noce, uczył ich słowem i czynem, sam rysował dla nich szkice akademickie i rysunki anatomiczne, publikował je dla kierownictwu akademii anatomia i proporcje ciała ludzkiego, które były i są stosowane przez wszystkie szkoły, które po nim poszły; uruchomił zajęcia w pełnym wymiarze, sam pisał w tej samej ławce ze swoimi studentami i swoimi dziełami jeszcze bardziej przyczynił się do poprawy gustu studentów akademii”.

Zasługą Łosenki jest nie tylko to, że dobrze poradził sobie z nauczaniem rysunku w Akademii Sztuk Pięknych, ale także to, że zadbał o jej dalszy rozwój. Swoją rolę miały w tym odegrać jego prace teoretyczne i pomoce dydaktyczne.

Na początku XIX wieku rysunek jako przedmiot kształcenia ogólnego zaczął się upowszechniać. W tym okresie wiele zrobiono w zakresie publikowania różnych podręczników, podręczników i tutoriali na temat rysunku.

Główne działania

· obraz w płaszczyźnie i w objętości (z natury, z pamięci i z wyobraźni); prace dekoracyjne i konstrukcyjne;

· aplikacja;

· modelowanie wolumetryczno-przestrzenne;

· działalność projektowo-konstrukcyjna;

· fotografia artystyczna i filmowanie wideo; postrzeganie rzeczywistości i dzieł sztuki;

· omówienie pracy towarzyszy, wyników twórczości zbiorowej i pracy indywidualnej na zajęciach;

· badanie dziedzictwa artystycznego;

słuchanie dzieł muzycznych i literackich

Wsparcie dydaktyczne i metodyczne - zestawy metodyczne do programu, obejmujące podręczniki, zeszyty ćwiczeń dla uczniów i pomoce dydaktyczne dla nauczycieli. Wszystkie publikacje są redagowane przez B.M. Nemensky.

Etap I – szkoła podstawowa.

Klasa I – podstawowa – zapoznanie z metodami pracy, różnymi materiałami plastycznymi, rozwój czujności i opanowania materiału. „Przedstawiasz, dekorujesz i budujesz”.

Klasa II – „Ty i Sztuka” – wprowadzenie dzieci w świat sztuki, emocjonalnie związanej ze światem osobistych obserwacji, doświadczeń, przemyśleń. Kształtowanie się wyobrażeń o treści i roli sztuki

Klasa III – „Sztuka wokół siebie” – wprowadzenie dzieci w świat otaczającego piękna.

Klasa IV – „Każdy naród jest artystą” – rozwijanie idei różnorodności i fascynacji sztuką. kreatywność w każdym zakątku

ziemia i każdy naród.

Etap II – szkoła średnia. Podstawy myślenia i wiedzy artystycznej. Dogłębne studium różnych typów i gatunków sztuki w kontekście rozwój historyczny wzmacniane są interdyscyplinarne powiązania z lekcjami historii.

Klasa 5 - Związki grupy sztuk zdobniczych z życiem. Poczucie harmonii z materiałem

Klasy 6 - 7 - Związki sztuk wizualnych z życiem. Opanowanie wzorców plastycznych i figuratywnych sztuki oraz ich systematyzacja. Twórczość artystów.

Klasa 8 – „Związki grupy plastyki konstruktywnej z życiem”. Architektura jest syntezą wszystkich rodzajów sztuki.

Klasa 9 – uogólnienie tego, co zostało omówione. „Synteza sztuk przestrzennych i czasowych”.

Etap III. Podstawy świadomości artystycznej. Podział zajęć praktycznych i teoretycznych na kursy równoległe.

Klasy 10-11 - Historyczne powiązania sztuk.

ROZDZIAŁ 3. ORGANIZACJA I PLANOWANIE

Wykonywanie szkiców przednich.

Wstępne szkice to szkice kompozycyjne przyszłego rysunku, które poprzedzają pracę nad arkuszem głównym. Aby to zrobić, możesz użyć wizjera - kawałka tektury lub papieru, w którym wycięty jest mały prostokątny otwór. Uczeń patrząc przez wizjer powinien zdawać się widzieć kadr przyszłego obrazu. Wymiary ramki ustalane są w zależności od formatu głównego arkusza papieru. Po wykonaniu kilku szkiców kompozycyjnych za pomocą wizjera uczeń wybiera ten, który najbardziej spełnia zadanie i przystępuje do pracy na arkuszu głównym.

3. Etapy pracy nad formatem.

Pierwszy etap zaczyna się od kompozycyjnego umieszczenia obrazu na kartce papieru. Następnie ustala się podstawowe proporcje i zarysowuje ogólny wygląd przyrody. Wyznacza się właściwości plastyczne mas głównych. Aby szczegóły nie odwracały uwagi początkującego od głównego bohatera formy, zaleca się zmrużenie oczu, aby forma wyglądała jak sylwetka, jak ogólny punkt, a detale zniknęły. Obraz zaczyna się od lekkich pociągnięć. Należy unikać przedwczesnego ładowania arkusza niepotrzebnymi plamami i liniami. Formularz jest narysowany bardzo ogólnie i schematycznie. Ujawnia się zasadniczy charakter dużej formy. Jeśli jest to cała grupa obiektów (martwa natura), to uczeń musi umieć zrównać (dopasować) je do jednej figury, czyli uogólnić.

Druga faza– konstruktywna identyfikacja kształtu obiektów za pomocą linii. Różna grubość linii kontrastu pozwala podkreślić zwiewność perspektywy i projektu. Obiekty powinny wyglądać na przezroczyste, szkliste.

Trzeci etap– plastyczne modelowanie kształtu w tonacji i szczegółowe opracowanie rysunku.

Opracowanie szczegółów również wymaga pewnego schematu - każdy szczegół musi być narysowany w powiązaniu z innymi. Rysując szczegół, musisz zobaczyć całość.

Kluczowym etapem są etapy opracowania szczegółów aktywnej analizy form, identyfikacji materialności przyrody i relacji obiektów w przestrzeni. Korzystając z praw perspektywy (zarówno liniowej, jak i lotniczej) konieczne jest konstruowanie obrazów w oparciu o dokładną analizę relacji pomiędzy wszystkimi elementami formy. Na tym etapie pracy następuje szczegółowa charakterystyka natury: ujawniana jest faktura modelu, przekazywana jest materialność obiektów (tynk, tkanina), rysunek jest starannie opracowywany w relacjach tonalnych. Po narysowaniu wszystkich szczegółów i dokładnym modelowaniu rysunku tonem rozpoczyna się proces uogólniania.

Czwarty etap- podsumowanie. To ostatni i najważniejszy etap pracy nad rysunkiem. Na tym etapie student podsumowuje wykonaną pracę: sprawdza ogólny stan rysunku, podporządkowuje detale całości, doprecyzowuje rysunek tonowo (podporządkowuje tonowi ogólnemu światło i cienie, rozjaśnienia, refleksy i półtony). Na ostatnim etapie pracy zaleca się powrót do świeżości

początkowe postrzeganie.

Konsekwentna praca malarska

Rozpoczynając malowanie należy przede wszystkim dokładnie przyjrzeć się naturze, określić podstawowe zależności tonalne i kolorystyczne

Wstępny szkic

· poszukiwanie kompozycji (koloru, organizacji kolorystycznej) –

· poszukiwanie rozwiązania formy, proporcji, struktury konstrukcyjnej

· poszukiwanie dużych relacji tonalnych i kolorystycznych (kolory ciepłe i zimne, nasycone i słabo nasycone, kolory jasne i ciemne)

· ostateczne określenie formatu i rozmiaru przyszłego szkicu

Konieczne jest wykonanie co najmniej trzech różniących się od siebie szkiców i wybranie najlepszej opcji, na podstawie której zostaną wykonane prace. Szkic należy zapisać do zakończenia prac nad szkicem głównym.

2. Rysunek przygotowawczy do malowania

Przeniesienie kompozycji szkicu na główne płótno. Rysunek do malowania powinien być precyzyjny i określony, ale nie powinien być szczegółowy

Praca nad szczegółami

Przejście od ogólnych relacji kolorów do rzeźbienia kształtów kolorem. Forma musi być zarejestrowana równomiernie na całej płaszczyźnie obrazu.

Uogólnienie

Etap jednoczesnego uogólniania i podkreślania charakterystycznych punktów dla ogólnej jedności kolorystycznej

Efektem każdego z dwóch półroczy powinna być przynajmniej jedna ukończona kompozycja w kolorze lub grafice, ewentualnie seria arkuszy kolorowych lub graficznych. Technikę i formę pracy omawiamy z nauczycielem.

Samodzielna praca kompozytorska jest recenzowana przez nauczyciela co tydzień. Samodzielną pracę (pozaszkolną) można wykorzystać na odrabianie zadań domowych dla dzieci, wizyty w instytucjach kultury (wystawy, galerie, muzea itp.), udział dzieci w wydarzeniach twórczych, konkursach oraz działalności kulturalnej i edukacyjnej placówki oświatowej. Ocenie podlegają wszystkie etapy pracy: zbieranie materiału, szkic, karton, praca końcowa. Należy dać uczniowi możliwość głębszego wniknięcia w temat obrazu, tworząc warunki do manifestacji jego twórczej indywidualności.

Rodzaje lekcji.

Najczęściej stosowaną w praktyce klasyfikację wprowadził B. P. Esipov i wyróżnił następujące rodzaje lekcji:

1 typ: Nauka nowego materiału.

Rodzaj lekcji.

Owsjannikowa Swietłana Iwanowna,

nauczyciel plastyki najwyższej kategorii

Miejska placówka oświatowa Liceum „Politek” w Wołgodońsku, obwód rostowski.

Nowoczesne metody nauczania sztuk plastycznych.

Z mojego doświadczenia w pracy z uczniami korzystam z wielu metod i technologii, ale w moim raporcie chcę skupić się tylko na dwóch, które są interesujące i istotne dla współczesnych uczniów: jest to metoda pracy na zasadzie warsztatu twórczego i Metoda nauczania umiejętności grafiki komputerowej. Obie metody można zastosować zarówno na zajęciach, jak i poza zajęciami – na zajęciach w kręgu. Jednak bardziej preferowane jest używanie ich na kubku.

Warsztaty twórcze dla dziecka dają nieograniczone możliwości rozwoju twórczego myślenia i aktywności. Warsztat twórczy dla nauczyciela to nieograniczone pole wykorzystania nowoczesnych technologii pedagogicznych, takich jak zorientowany na osobowość, pomoc w realizacji naturalnych zdolności uczniów do ich rozwoju i zastosowania w różnych działaniach twórczych; humanitarnie - osobisty, oparte na pełnym szacunku i miłości do dziecka, wierze w jego siły twórcze; technologie współpracy, umożliwienie wspólnego wyznaczania celów z uczniami, współtworzenia z nimi, bycia ich przyjacielem, tworzenia wyjątkowo pozytywnego wsparcia emocjonalnego, mającego na celu rozwój trwałych zainteresowań; zróżnicowane uczenie się według poziomu rozwoju i potencjału artystycznego i twórczego; uczenie się oparte na problemach – umożliwienie stworzenia sytuacji problemowej i aktywizacji samodzielnych działań uczniów w celu jej rozwiązania; technologia indywidualizacji zgodnie z metodą projektowania, która pozwala zrealizować indywidualność dziecka, jego potencjalne możliwości i zdolności w badaniach naukowych i działaniach konkurencyjnych.

Praca metodą warsztatu twórczego realizuje następujące cele i założenia:

Doskonalenie wiedzy, umiejętności i zdolności nabytych przez dziecko w procesie nauki i życia;

Rozwój samodzielności w poszukiwaniu działalności twórczej;

Rozwijanie zainteresowania różnorodnością rodzajów i gatunków sztuki, chęć próby opanowania różnorodnych materiałów i technik;

Rozwój umiejętności i chęci zastosowania zdobytej wiedzy w praktyce, w życiu codziennym, w przekształcaniu jednostki i otoczenia;

Kultywowanie umiejętności estetycznych, postrzegania życia ludzkiego w harmonii z naturą, sztuką i siedliskiem;

krzewienie miłości do kultury rodzimej i światowej, krzewienie tolerancji;

Rozwijanie wiary w swoją przydatność, znaczenie i przydatność dla społeczeństwa potrzebującego produktów pracy twórczej;

Metodologia warsztatu twórczego opiera się na wspólnym działaniu nauczyciela i ucznia, gdzie wyboru działania dokonuje uczeń, a nauczyciel jedynie doradza i koryguje postęp swojej pracy. Uczeń ma prawo wybrać, w jakiej formie i gatunku sztuki plastycznej chce rozpocząć pracę, planuje swoje działania przy pomocy nauczyciela: wykonuje szkic, dobiera materiał, przygotowuje stół do pracy, a następnie przystępuje do realizacji swojego zadania. plany. Każdy student warsztatów twórczych jest artystą przygotowującym się do zaprezentowania swojej twórczości publiczności. Każda praca wykonana metodą warsztatu twórczego jest w istocie projektem, a gotowy produkt to produkt, który dziecko zgłasza na konkursy, olimpiady czy wystawy. W ciągu jednego roku akademickiego, w zależności od możliwości, umiejętności i dynamiki, jeden student może stworzyć lub wykonać od czterech do dwudziestu prac twórczych z różnych typów i gatunków sztuk pięknych. A grupa dzieci licząca 15–20 osób przygotowuje pełnoprawną, imponującą wystawę, na której prezentowane są prace wykonane z różnorodnych materiałów i w różnych technikach.

Praca metodą warsztatu twórczego pozwala na jednoczesne zapoznanie się z ogromną liczbą technik i materiałów, co w zasadzie jest niemożliwe w tradycyjnym procesie edukacyjnym. I tak np. grupa 20 osób, podzielona zainteresowaniami, wykonuje jednocześnie prace zupełnie odmienne technologicznie: niektórzy wykonują papier ścierny, inni witraże, niektórzy malują, niektórzy zajmują się grafiką, niektórzy uczniowie wykonują panele z materiałów odpadowych. materiał, a niektórzy zajmują się florystyką itp. Dla nauczyciela zajęcia metodą warsztatową są pracą ciężką, ale ciekawą, która nie pozwala mu ani na chwilę oderwać się od dzieci, ale przynosi twórczą satysfakcję z uzyskanych efektów. Praca zachwyca nie tylko uczniów, ale także rodziców, którzy przychodzą obejrzeć ich prace i są gotowi udzielić wszelkiego wsparcia moralnego.

Nie mniej ważny jest aspekt psychologiczny metody pracy na zasadzie warsztatu twórczego. Nie jest tajemnicą, że dzieci rozpoczynające przygodę ze sztukami plastycznymi mają czasami szereg kompleksów, takich jak: zwątpienie, niska samoocena, strach – „nie uda mi się”, „nie będzie pięknie, „nikomu się to nie spodoba”, „w ogóle mi się to nie spodoba”. Nic nie poradzę” i inne. Stopniowo kompleksy te znikają, ponieważ zadania wykonywane przez dziecko na warsztatach nie mają stałej punktacji (oceniany jest jedynie końcowy, doskonały wynik) i nie ma limitu czasu. Ostatecznie każde dziecko odnosi sukces i samodzielnie wybiera, w jaki sposób i gdzie jego ukończona praca może zostać wykorzystana: weźmie udział w wystawie, zostanie wysłana na konkurs lub podarowana mamie.

W dobie technologii informatycznych praca metodą warsztatu twórczego nie jest już możliwa bez umiejętności pracy z komputerem, a oto dlaczego:

Wysokiej jakości, ciekawe, gotowe prace mogą posłużyć dziecku do udziału w różnorodnych konkursach, olimpiadach, konferencjach i wystawach.

Udział taki często zakłada obecność pełnoprawnego materiału teoretycznego, zaprojektowanego zgodnie ze współczesnymi wymogami pracy naukowej i zawierającego wykresy, tabele lub fotografie

Regulaminy wielu konkursów internetowych określają jakość i rozmiar przesyłanego obrazu, liczbę pikseli na cal itp.

Własne materiały wystawowe dziecko może przygotować elektronicznie w formie prezentacji.

Dzieci mogą stworzyć własną stronę internetową, aby zaprezentować swoją kreatywność rodzinie, przyjaciołom itp.

Wszystko to zakłada umiejętność pracy ucznia z komputerem. Zatrzymam się jednak tylko nad tym, co moim zdaniem nauczyciel plastyki powinien zrobić w tym kierunku.

Na obecnym etapie rozwoju społeczeństwa grafika komputerowa staje się kolejnym rodzajem sztuki pięknej. Dlatego nauczyciel plastyki w szkole musi posiadać umiejętności pracy w edytorach graficznych i musi tego uczyć swoich uczniów. Moim zdaniem niewłaściwe jest wyposażanie sal lekcyjnych, w których odbywają się zajęcia plastyczne, w komputery na każdym stole, w przeciwnym razie nie będzie miejsca na naukę z innymi materiałami. Podstawowa forma nauczania sztuk plastycznych pozostaje niezmieniona, czyli praca z materiałem artystycznym. Pierwszym wyjściem jest wizyta w klasie komputerowej. Tę opcję należy wcześniej uwzględnić w harmonogramie zajęć, ponieważ większość szkół posiada tylko jedną pracownię komputerową. Drugim wyjściem, bardziej przystępnym, są dodatkowe zajęcia pozalekcyjne, czyli klub.

W praktyce mojej pracy powstały dwa stowarzyszenia twórcze: „Magiczny Pędzel” i „Siedem Kwiatów”. Stowarzyszenia mają swoją siedzibę w różnych szkołach, dlatego też warunki stosowania metodyki nauczania grafiki komputerowej są odmienne. W stowarzyszeniu twórczym „Magiczny Pędzel” dzieci uczą się na zasadzie indywidualnego projektu, kiedy nauczyciel wyjaśnia główne punkty pracy z redaktorami, a następnie dzieci w czasie przeznaczonym na wizytę w klasie komputerowej lub w domu na komputerze osobistym, samodzielnie tworzyć własne prace graficzne lub przetwarzać prace fotograficzne, które zostaną przesłane na konkursy w Internecie. Zatem dziecko zainteresowane prezentacją swojej twórczości publiczności i udziałem w rozmaitych konkursach internetowych postępuje w następujący sposób:

stworzenie pracy w pracowni twórczej z wykorzystaniem materiałów artystycznych, naturalnych i innych;

fotografowanie go;

obróbka w edytorach graficznych;

tworzenie obrazów w edytorach graficznych na wzór dzieł sztuki z wykorzystaniem grafiki komputerowej;

gromadzenie obrazów na osobistym dysku flash;

przesyłanie wersji elektronicznej na konkursy;

utworzenie osobistej strony lub witryny internetowej w celu zaprezentowania swojej kreatywności;

Metoda ta jest odpowiednia dla dzieci powyżej 10 roku życia, gdy pomoc nauczyciela ma charakter wyłącznie doradczy. Stowarzyszenie twórcze „Semitsvetik” obejmuje pracownię „Mysz” dla dzieci w wieku 8–10 lat, w której 1 godzina tygodniowo przeznaczona jest na pracę z redaktorami graficznymi. Dzieci pracują w grupie, opanowując różne edytory graficzne i ich możliwości. Efekt końcowy jest ten sam: dostęp do Internetu - konkursy, udział w wystawach, prezentacja swoich prac w Internecie.

Rozważmy szczegółowo algorytm uczenia dzieci pracy z edytorami graficznymi. Uważam, że jeśli to możliwe, należy zapoznawać uczniów z tą tematyką duża ilość redaktorów graficznych, gdyż całościowe postrzeganie ich możliwości zapewni dziecku swobodę wyboru działań i kreatywność.

Krok pierwszy: Program Paint, mimo całej swojej pozornej prostoty, pozwala na tworzenie kompozycji dzieł zachwycających głębią i złożonością, jeśli dziecko zastosuje wszystkie umiejętności nabyte w klasycznym rysunku. Nauczyciel musi jedynie przedstawić pasek narzędzi i pokazać, gdzie i jak można wykorzystać każde narzędzie.

Ryc.1 Egorova Ksenia 11 lat „Pokój” Ryc.2 Kovaleva Daria 14 lat „Zima”

Ryc.3 Babaniyazova Elena 14 lat „Boże Narodzenie” Ryc.4 Gaevskaya Irina 13 lat „City”

Krok drugi: program do malowania. Internet. Ten program ma znacznie więcej możliwości, które pozwalają przetwarzać i symulować dowolne obrazy. Przedstawiamy Państwu pasek narzędzi, efekty, korekcję itp. Pokazujemy techniki kopiowania, wycinania, wklejania, zmiany i ulepszania obrazu. Należy zaznaczyć, że każdy edytor graficzny jest przez dzieci bardzo szybko opanowywany, jeśli znają już Painta.

Krok trzeci: program Adobe Photoshop. Przedstawiam ten program dzieciom po opanowaniu Painta. Net, ponieważ Adobe Photoshop jest bardziej złożony i bogaty. Opanowujemy pasek narzędzi, szczegółowo analizujemy efekty, uczymy się pracy z warstwami, a następnie dopasowujemy, wygładzamy, wyrównujemy, zmieniamy rozmiar itp.

Ryc. 7 Balymova Elena, 13 lat Ryc. 8 Milanina Tatyana, 11 lat „Pocztówka”

„Odbicie wiosny”

Dzieci w wieku szkolnym powinny pracować z edytorem graficznym wyłącznie pod okiem nauczyciela, ponieważ czasami dają się tak ponieść emocjom, że przeciążają obraz niepotrzebnymi szczegółami. Ważne jest tutaj rozwinięcie harmonijnej percepcji i poczucia proporcji.

Krok czwarty: Corel Photo Paint Pro i inne. Trzeba powiedzieć, że najciekawsze są te edytory graficzne, które mają ogromną liczbę możliwości, a także te tworzone przez programistów-amatorów. W tych programach jest wiele ciekawych znalezisk. Już drugi rok pracujemy z programem Corel Photo Paint Pro, jest on bardzo bogaty i studenci ciągle odnajdują w nim coś nowego.

Fot. 11 Danil Kozlov, 9 lat „Żagle” Fot. 12 Olga Minina, 9 lat „Kwiatowa łąka”

Fot. 13 Kristina Leshchenko, 9 lat „Jesień” Fot. 14 Ekaterina Shperle, 10 lat „Wyspa”

W programie Corel Photo Paint Pro najciekawsze dla dzieci jest tworzenie kolaży i modelowanie obrazów zgodnie ze swoimi pomysłami. Każde dziecko ma swój własny pendrive i zapisuje tam rysunek po zakończeniu pracy.

Niestety, nauczanie grafiki komputerowej nie należy dziś do obowiązków nauczyciela plastyki i nie jest uwzględniane w programach edukacyjnych w zakresie sztuk pięknych. Nauczyciele informatyki, którzy mają bardzo niejasne pojęcie o sztukach pięknych, robią to mimochodem. Uważam, że tylko osoba znająca podstawy malarstwa, grafiki, sztuki dekoracyjnej i użytkowej, projektowania i fotografii może kompetentnie i poprawnie nauczyć dzieci pracy w edytorach graficznych. Ale żeby tego dokonać, sam musi umieć w nich pracować.

Dodatkowa poprawa edukacji techniki nauczanie Sztuki piękne sztuka1 Nowoczesny system edukacji... ulepsza mój techniki nauczanie Sztuki piękne sztuka i jestem zainteresowany nowym metody nauczanie. (Móc...

Opis bibliograficzny:

Nesterova I.A. Metody nauczania plastyki [Zasoby elektroniczne] // Serwis encyklopedii edukacyjnej

Sprowadzają się do nauki umiejętności dostrzegania i odczuwania wyrazistości rysunków i modelowania. To jedno z ważnych zadań stojących przed nauczycielem plastyki. Jednocześnie charakter pytań i komentarzy osoby dorosłej powinien wywołać pewną reakcję emocjonalną w duszach dzieci. Rozważmy werbalne metody nauczania sztuk pięknych.

Ogólne metody nauczania plastyki

Metody ogólne stosowane są w zależności od rodzaju lekcji. Na przykład w rysowaniu fabuły, gdy dzieci uczą się przekazywać fabułę, w procesie rozmowy należy pomóc dzieciom wyobrazić sobie treść obrazu, kompozycję, cechy przenoszenia ruchu, charakterystykę kolorystyczną obrazu, to znaczy przemyśleć środki wizualne, aby przekazać fabułę. Nauczyciel wyjaśnia dzieciom niektóre techniczne techniki pracy i kolejność tworzenia obrazu. W zależności od treści obrazu: na temat dzieła literackiego, na tematy z otaczającej rzeczywistości, na temat dowolny – metodologia rozmowy ma swoją specyfikę.

Czerpiąc zatem z tematu dzieła literackiego, należy pamiętać o jego głównej myśli, idei; emocjonalnie ożywij obraz, przeczytaj wersety wiersza, bajki, scharakteryzuj wygląd bohaterów; pamiętaj o ich związku; wyjaśnij skład, techniki i kolejność pracy.

Czerpanie lub rzeźbienie na tematy z otaczającej rzeczywistości wymaga ożywienia sytuacji życiowej, odtworzenia treści zdarzeń, scenerii i doprecyzowania środków wyrazu; kompozycje, detale, sposoby przekazywania ruchu itp., wyjaśniające techniki i kolejność obrazu.

Czerpiąc z dowolnego tematu, konieczna jest wstępna praca z dziećmi, aby ożywić wrażenia uczniów. Następnie nauczyciel zachęca kilkoro dzieci do wyjaśnienia swojego planu: co narysują (w ciemno), jak narysują, aby inne osoby wiedziały, gdzie umieścią tę lub inną część obrazu. Nauczyciel wyjaśnia niektóre techniki techniczne na przykładzie bajek dla dzieci.

Na lekcjach, gdzie treść obrazu stanowi odrębny temat, słowny metody nauczania plastyki często towarzyszą procesowi jego oglądania. W takim przypadku podczas rozmowy należy wywołać u dzieci aktywne, znaczące postrzeganie przedmiotu, pomóc im zrozumieć cechy jego formy strukturalnej, określić wyjątkowość barwy i zależności proporcjonalnych. Charakter i treść pytań nauczyciela powinny zmierzać do ustalenia przez dzieci zależności pomiędzy jego przeznaczeniem funkcjonalnym a cechami warunków życia: odżywianiem, ruchem, ochroną. Realizacja tych zadań nie jest celem samym w sobie, ale środkiem do kształtowania uogólnionych idei niezbędnych do rozwoju samodzielności, aktywności i inicjatywy dzieci przy tworzeniu wizerunku. Im bogatsze doświadczenia dzieci, tym wyższy stopień aktywności umysłowej i werbalnej uczniów w tego rodzaju rozmowach.

Specjalne metody nauczania plastyki

Pod koniec lekcji musisz pomóc dzieciom poczuć wyrazistość stworzonych przez siebie obrazów. W tym celu specjalne metody nauczania plastyki.

Wyjaśnianie to werbalny sposób oddziaływania na świadomość dzieci, pomagający im zrozumieć i dowiedzieć się, co i jak powinni robić na lekcji i co w rezultacie powinni osiągnąć.

Wyjaśnienia podawane są w prostej, przystępnej formie dla całej klasy lub jednocześnie dla poszczególnych dzieci. Wyjaśnianie często łączy się z obserwacją, pokazaniem sposobów i technik wykonywania pracy.

Rady – stosowane w przypadkach, gdy dziecku trudno jest stworzyć swój wizerunek.

Ale nie powinieneś spieszyć się z udzielaniem porad. Dzieci, które pracują w wolnym tempie i potrafią znaleźć rozwiązanie tego problemu, często nie potrzebują porad. W takich przypadkach porady nie przyczyniają się do wzrostu samodzielności i aktywności dzieci.

Przypomnienia w formie krótkich instrukcji są ważną techniką nauczania. Zwykle stosuje się go przed rozpoczęciem procesu obrazowania.

Najczęściej mówimy o kolejności pracy. Technika ta pomaga dzieciom rozpocząć rysowanie (rzeźbienie) na czas, planować i organizować zajęcia.

Zachęta jest techniką metodologiczną, którą należy częściej stosować w pracy z dziećmi. Technika ta budzi w dzieciach pewność siebie, sprawia, że ​​chcą dobrze wykonać swoją pracę i czują, że odniosły sukces.

Poczucie sukcesu zachęca do aktywności i utrzymuje dzieci w aktywności. Oczywiście im starsze dzieci, tym bardziej obiektywnie powinno być uzasadnione doświadczenie sukcesu.

Osobno warto podkreślić taką metodę nauczania sztuk pięknych, jaką jest ekspresja artystyczna, która jest szeroko stosowana na zajęciach plastycznych. Słowo artystyczne budzi zainteresowanie tematem, treścią obrazu i pomaga zwrócić uwagę na prace dzieci. Dyskretne użycie artystycznych słów podczas lekcji tworzy emocjonalny nastrój i ożywia obraz.

Znaczenie metod nauczania sztuk pięknych

Metody nauczania sztuk pięknych połączyć mentalne i aktywność fizyczna. Aby stworzyć rysunek, rzeźbę, aplikację, konieczne jest włożenie wysiłku, wykonanie czynności roboczych, opanowanie umiejętności rzeźbienia, wycinania, rysowania obiektu o takim lub innym kształcie, a także opanowanie umiejętności posługiwania się nożyczkami, ołówek i pędzel, glina i plastelina. Właściwe użycie tych materiałów i narzędzi wymaga pewnego wysiłku fizycznego i umiejętności pracy. Asymilacja umiejętności i zdolności wiąże się z rozwojem takich wolicjonalnych cech osobowości, jak uwaga, wytrwałość i wytrzymałość. Dzieci uczą się umiejętności ciężkiej pracy i osiągania pożądanych rezultatów.

Kształtowaniu pracowitości i umiejętności pracy sprzyja także udział dzieci w przygotowaniach do zajęć i sprzątaniu po nich. Metody nauczania plastyki nie są z tym bezpośrednio związane, jednak w praktyce często całe przygotowanie do lekcji powierza się dyżurnym. To nie jest prawda. W szkole każde dziecko musi przygotować sobie własne miejsce pracy i ważne jest, aby było do tego przyzwyczajone. Należy u każdego już w przedszkolu rozwijać umiejętności pracy, uczyć rozpoczynania pracy dopiero wtedy, gdy wszystko będzie przygotowane.

Główne znaczenie metod nauczania w sztukach plastycznych polega na tym, że sztuki piękne są środkiem edukacji estetycznej. W procesie aktywności wizualnej powstają sprzyjające warunki dla rozwoju percepcji estetycznej i emocji, które stopniowo przekształcają się w uczucia estetyczne, które przyczyniają się do kształtowania estetycznego stosunku do rzeczywistości. Identyfikacja właściwości przedmiotów (kształt, struktura, rozmiar, kolor, położenie w przestrzeni) przyczynia się do rozwoju u dzieci poczucia formy, koloru, rytmu – składników zmysłu estetycznego.

Percepcja estetyczna skierowana jest przede wszystkim na przedmiot jako całość, na jego estetyczny wygląd - harmonię formy, piękno koloru, proporcjonalność części itp. Na różnych poziomach rozwoju dziecka percepcja estetyczna ma inną treść. Dlatego stosując metody nauczania na lekcjach plastyki należy wziąć ten fakt pod uwagę. Jednak holistyczna percepcja estetyczna, przepojona estetycznym poczuciem piękna, nie wystarczy jeszcze do stworzenia obrazu. Znajomość przedmiotu, który zostanie następnie przedstawiony, musi mieć szczególny charakter. Po holistycznym postrzeganiu należy poprowadzić dzieci do wyodrębnienia indywidualnych właściwości, które mogą znaleźć odzwierciedlenie w aktywności wzrokowej. Jednak bardzo ważne jest, aby uzupełnić percepcję całościowym ujęciem obiektu w całości wszystkich jego podstawowych właściwości i ocenić jego wygląd, jego cechy wyrazowe. Na przykład, po dokładnym zbadaniu brzozy, grubości pnia, kierunku gałęzi, koloru obu, należy ponownie podkreślić jej smukłość, cienkość gałęzi i ich gładkie wygięcie. W tym przypadku ponownie pojawia się uczucie estetyczne.

Autor materiału:
T.G. Rusakowa, doktor nauk pedagogicznych, profesor Wydziału Chemii i Elektroniki OGPU

METODOLOGIA NAUCZANIA SZTUK PIĘKNYCH
Liczba godzin - 8

Praktyczna lekcja №1

Temat: Monitorowanie rozwoju artystycznego i twórczego uczniów na lekcjach plastyki i zajęciach pozalekcyjnych

Formularz: lekcja praktyczna (2 godziny)

Cel: wzbogacanie arsenału technik diagnostycznych dla nauczycieli sztuk plastycznych. Utrwalenie umiejętności monitorowania i analizowania wyników własnej pracy nad rozwojem artystycznym i twórczym studentów.

Podstawowe koncepcje: diagnostyka, technika diagnostyczna.

Plan

1. Diagnostyka zdolności artystycznych i twórczych uczniów „5 rysunków” N. Lepskiej.
2. Diagnostyka rozwoju percepcji artystycznej u młodszych uczniów A. Melik-Paszajewa.
3. Diagnostyka percepcji estetycznej uczniów E. Torshilovej i T. Morozowej.

1. Diagnostyka zdolności artystycznych i twórczych uczniów

„5 RYSUNKÓW”(NA Lepskaya)

Warunki: dziecko proszone jest o wymyślenie i narysowanie pięciu rysunków na oddzielnych arkuszach papieru tego samego formatu (1/2 arkusza poziomego).

Instrukcje dla dzieci:

„Dziś zapraszam Cię do wymyślenia i narysowania pięciu obrazków. Możesz rysować, co chcesz, cokolwiek umiesz rysować, lub cokolwiek chciałbyś narysować, a nigdy wcześniej nie rysowałeś. Teraz masz taką możliwość.” Nic w instrukcji nie może być zmieniane ani uzupełniane. Możesz to tylko powtórzyć.

NA tylna strona Po ukończeniu rysunków zapisywany jest numer rysunku, nazwa i odpowiedź na pytanie „O czym jest ten rysunek?”.

Wskaźniki:

1. Niezależność (oryginalność) – rejestruje tendencję do aktywności produkcyjnej lub reprodukcyjnej, stereotypowego lub swobodnego myślenia, obserwacji, pamięci.

2. Dynamika – odzwierciedla rozwój fantazji i wyobraźni (statyka mówi o braku planu pracy, o niewykształconej umiejętności wyszukiwania i tworzenia pomysłów na własne rysunki).

3. Emocjonalność – pokazuje obecność emocjonalnej reakcji na wydarzenia życiowe, stosunek do tego, co jest przedstawiane.

4. Ekspresyjność – zdeterminowana jest obecnością obrazu artystycznego. Poziomy:

5. Grafika – świadome wykorzystanie środków i technik artystycznych w pracy z różnymi materiałami graficznymi

Tabela wyników:

3. Diagnostyka percepcji estetycznej uczniów(autorzy E. Torshilova i T. Morozova)

Diagnoza poczucia formy(Test „Geometria w kompozycji”).

Wśród zasad kształtowania się (zasada odbicia, zasada integralności, zasada proporcjonalności i proporcjonalności) w tym teście wyróżnia się zasada podobieństwa geometrycznego. Struktura geometryczna jest jedną z właściwości materii. Geometryczne kształty i bryły są uogólnionym odzwierciedleniem kształtu obiektów. Są to standardy, według których człowiek porusza się po otaczającym go świecie.

Materiał bodźcowy do testu „Geometria w kompozycji” obejmuje trzy reprodukcje: (K. A. Somov - „Lady in Blue”, D. Zhilinsky - „Sunday Afternoon”, G. Holbein the Younger „Portrait of Dirk Burke”) i cztery neutralne w kolor, identyczny w fakturze i w przybliżeniu odpowiadający rozmiarowi prototypom kompozycyjnym obrazów figur geometrycznych:

trójkąt(„Lady in Blue” - kompozycja piramidalna), koło(„dzień” - kompozycja sferyczna), kwadrat(Holbein) i postać zło formularze (dodatkowe).

Instrukcja: znajdź figurę geometryczną pasującą do każdego z obrazów. Wyjaśnienia typu „Gdzie widzisz tutaj okrąg?” są niedopuszczalne, ponieważ prowokują fragmentaryczną wizję, co jest całkowitym przeciwieństwem rozwiązania problemu wymagającego holistycznej wizji obrazu.

Ocena opiera się na zasadzie poprawnych i błędnych odpowiedzi. Najwyższy wynik to 6, 2 punkty za każdą poprawną odpowiedź. Sama wartość punktacji jest każdorazowo warunkowa i podana tak, aby sama zasada oceniania była jasna.

Przetestuj „Głośno – cicho”.

Materiał przydziałowy składa się z kolorowych reprodukcji trzech martwych natur, trzech pejzaży i trzech scen rodzajowych. Tematyka materiałów wizualnych stosowanych w całej metodologii nie obejmuje obrazów fabularnych, ponieważ prowokują one nieestetyczną percepcję, zainteresowanie znaczącymi informacjami i ocenę wydarzeń życiowych. Ponadto dobór materiału do testu musi spełniać wymóg możliwie największego podobieństwa tematycznego, tak aby przy porównywaniu czy lustracji dziecko było jak najmniej rozpraszane przez różnice, które nie mają znaczenia dla celu zadania.

Badacz może wybrać własne przykłady i sprawdzić ich „brzmienie” za pomocą oceny eksperckiej. Nie da się dokładnie opisać zasad zgodności obrazu z jego dźwiękiem (głośność – cisza), oczywiste jest jedynie, że nie należy tego wiązać z fabułą obrazu czy funkcją przedstawianych obiektów, ale z kolorystyką. nasycenie, złożoność kompozycji, charakter linii i „dźwięk” faktury.

Na przykład w diagnostyce można wykorzystać reprodukcje następujących obrazów: K. A. Korovin - „Róże i fiołki”, I. E. Grabar - „Chryzantemy”, V. E. Tatlin - „Kwiaty”.

Instrukcja: powiedz, który z trzech obrazków jest cichy, który głośny, a który środkowy, ani głośny, ani cichy. Można zadać pytanie: jakim „głosem przemawia obraz” – głośnym, cichym, średnim?

Zadanie oceniane jest plusami i minusami, których liczba jest sumowana, a dziecko otrzymuje łączną liczbę punktów za wszystkie odpowiedzi. Absolutnie poprawna odpowiedź: ++; stosunkowo prawdziwe, +-; całkowicie nieprawdziwe -. Logika takiej oceny jest taka, że ​​dziecko zmuszone jest wybierać spośród trzech „dźwięków” i oceniać trzy obrazy jakby w skali porównawczej.

TEST „MATISSE”.

Celem jest określenie wrażliwości dzieci na strukturę figuratywną dzieła i styl artystyczny autora. Jako materiał stymulacyjny dzieciom oferujemy zestaw dwunastu martwych natur autorstwa dwóch artystów (K. Petrov-Vodkin i A. Matisse) z następującą instrukcją: „Oto obrazy dwóch artystów. Pokażę wam jeden obraz tego i innego artysty. Przyjrzyj się im uważnie, a zobaczysz, że ci artyści rysują inaczej. Te dwa obrazy pozostawimy jako przykłady tego, jak malują. A ty, patrząc na te przykłady, spróbuj ustalić, który z pozostałych obrazów namalował pierwszy artysta, a który drugi i połącz je z odpowiednimi próbkami. Protokół rejestruje numery martwych natur, które dziecko przydzieliło temu i drugiemu artyście. Po wykonaniu zadania dziecko można zapytać, czym jego zdaniem różnią się te zdjęcia, czym, jakimi cechami je ułożył.

Materiał artystyczny oferowany dzieciom zasadniczo różni się stylem artystycznym. Dekoracyjność można uznać za cechę charakterystyczną martwych natur A. Matisse’a, K. Petrov-Vodkin charakteryzuje się rozwojem perspektywy planetarnej i wielkością projektów artystycznych. Prawidłowe wykonanie zadania wiąże się z umiejętnością, być może intuicyjną, dostrzeżenia cech stylu artystycznego, środków wyrazu autorów, sposobu, a nie tego, co rysują. Jeśli dziecko klasyfikując martwe natury skupia się na warstwie przedmiotowo-treściowej dzieła, na tym, co artysta przedstawia, to wykonuje to zadanie nieprawidłowo.

Typowym i dość złożonym przykładem diagnozowania poczucia stylu jest test Matisse’a.

TEST „TWARZY”.

Ujawnia zdolność dziecka do patrzenia i widzenia (percepcji artystycznej) na podstawie graficznych rysunków ludzkiej twarzy. Zdolność dziecka do zrozumienia i interpretacji przedstawionej osoby określa się na podstawie jego zdolności do określenia wyrazu twarzy stan wewnętrzny osoba, jej nastrój, charakter itp.

Jako materiał stymulacyjny dzieciom oferujemy trzy graficzne portrety A.E. Jakowlew (1887 - 1938). Pierwszy rysunek („Głowa kobiety” – 1909) przedstawia piękną kobiecą twarz, otoczoną długimi włosami, wyrażającą pewien dystans, zaabsorbowanie sobą, z odcieniem smutku. Drugi rysunek („Głowa mężczyzny” – 1912) przedstawia uśmiechniętego mężczyznę w nakryciu głowy przypominającym czapkę kucharską. Osoba przedstawiona na portrecie nr 2 ma prawdopodobnie duże doświadczenie i bystrość życiową. Oczywiście ma takie cechy, jak przebiegłość, oszustwo i sarkastyczny stosunek do ludzi, co robi raczej nieprzyjemne wrażenie, ale dzieci z reguły tego nie zauważają. Na trzecim obrazie („Portret mężczyzny” - 1911) pojawia się mężczyzna pogrążony w sobie, być może myślący o czymś smutnym i odległym. Twarz mężczyzny wyraża szereg niezbyt intensywnych negatywnych doświadczeń, pewne stany przejściowe.

Rysunki są oferowane dzieciom z następującymi instrukcjami: „Przed tobą rysunki artysty A.E. Yakovleva, spójrz na nie i powiedz mi, który portret lubisz bardziej niż inne? Który podoba Ci się mniej lub wcale? Dlaczego? Prawdopodobnie wiesz, że poprzez wyraz ludzkiej twarzy możesz wiele dowiedzieć się o człowieku, o jego nastroju, kondycji, charakterze, cechach. Na tych rysunkach przedstawiono ludzi w różnych stanach. Przyjrzyj się uważnie wyrazowi ich twarzy i spróbuj wyobrazić sobie, jakimi są ludźmi. Najpierw przyjrzyjmy się portretowi, który najbardziej Ci się podobał. Jak myślisz, w jakim nastroju jest przedstawiona ta osoba? Jaki jest jego charakter? Czy ta osoba jest miła, przyjemna, dobra, czy może jest zła, zła lub w jakiś sposób nieprzyjemna? Co jeszcze można powiedzieć o tym człowieku? Przyjrzyjmy się teraz portretowi, który Ci się nie podobał. Proszę, powiedz mi wszystko, co możesz o tej osobie. Jaki jest, jaki jest w nastroju, jaki ma charakter?”

Następnie dziecko opowiada to samo o osobie przedstawionej na trzecim portrecie. Maksymalny wyraz zdolności do percepcji społecznej (czyli postrzegania drugiej osoby) szacuje się na pięć punktów.

TEST MOTYLA.

Dziecko otrzymuje 5 par reprodukcji, z których jedna jest przykładem malarstwa „formalistycznego”, druga – realistycznego malarstwa naśladującego życie lub fotografii codziennej:

1. I. Altman „Słoneczniki” (1915) - 1a. Kartka z życzeniami z wizerunkiem różowych stokrotek na niebieskim tle.
2. A. Gorkiego „Wodospad” (1943) - 2a. Zdjęcie sadu i mężczyzny pchającego wózek z jabłkami.
3. Artystyczna fotografia trawy i pni powiększona do skali drzew. Konwencjonalne imię „dzieci” to „Algi” - For. Zdjęcie „Jesień”.
4. GWIZD. Tomplin „Numer 2” (1953) - 4a. A. Rylov „Ciągnik na drogach leśnych”. Kryptonim „Zimowy dywan” (1934).
5. G. Uecker „Rozwidlony” (1983) -5a. W. Surikow „Bulwar Zubowskiego zimą”. Imię dla dzieci „Motyl”.

Kolorystyka obrazków w parach jest podobna, tak aby upodobanie dziecka do tego czy innego koloru nie kolidowało z eksperymentatorem. Porównawcze walory artystyczne oryginałów nie służą jako główny punkt odniesienia, gdyż a) zainteresowanie wyrażają się w oczywistych dla dzieci różnicach w obrazach – abstrakcyjności lub obiektywności, dwuznaczności lub oczywistości, obrazowości estetycznej lub funkcjonalności informacji; b) jakość reprodukcji nie pozwala mówić o pełnych walorach artystycznych reprodukowanych obrazów. Niemniej jednak jako przykład formalistyczny w parze wykorzystano przykłady uznanych mistrzów (A. Gorkiego, N. Altmana itp.). Próbki formalistyczne posiadają zatem swoisty certyfikat wskazujący na ich walory estetyczne. W każdej parze obrazów jeden różni się od drugiego swoją niecodziennością i niefotograficznym charakterem, drugi natomiast, wręcz przeciwnie, zbliża się do fotografii. Zgodnie z tą zasadą dzieci z reguły natychmiast rozpoznają rozróżnienie obrazów w parze.

Instrukcje: pokaż, które zdjęcie (pary) najbardziej Ci się podoba. Wszystkie obrazki – we wszystkich zadaniach testowych – prezentowane są dziecku anonimowo, bez podawania autora i tytułu obrazka.

Można prezentować pary w dowolnej kolejności, a w ramach pary wymieniać się obrazkami, jednak nie zaleca się ograniczania do jednej pary, wybór może być całkowicie losowy.

Ocena wykonania tego zadania testowego zależy bezpośrednio od samego materiału bodźcowego i od stopnia oryginalności wyboru – typowej postawy większości dzieci.

TEST „VAN GOGHA”.

Dziecko proszone jest o wybranie najlepszego, jego zdaniem, obrazu z pary reprodukcji. Celem badania jest określenie zdolności dziecka do wykazywania cech postawy estetycznej, które na ogół nie są charakterystyczne dla większości dzieci. Dlatego w wybranych do oceny parach dzieci stają przed dość trudnym zadaniem: wybrać pomiędzy jasnymi i złymi lub miłymi, ale ciemnymi; zrozumiałe, ale monochromatyczne lub niezwykłe, choć jasne itp. E. Torshilova i T. Morozova obejmują nie tylko „smutne” obrazy, które są niezwykłe w swoim wizualnym stylu, ale także niezwykłe emocjonalnie dla dzieci, jako bardziej złożone i wymagające większego rozwoju estetycznego. Podstawą tego stanowiska jest hipoteza o kierunku rozwoju emocjonalnego w ontogenezie od emocji prostych do złożonych, od harmonijnej niezróżnicowanej integralności reakcja emocjonalna do postrzegania relacji „harmonia – dysharmonia”. Dlatego w wielu parach smutny i mroczniejszy obraz jest uważany zarówno za lepszy pod względem estetycznym, jak i za bardziej „dorosły”. Materiał testowy obejmuje sześć par obrazów.

1. G. Holbeina. Portret Jane Seymour.
   1a. D. Haytera. Portret E. K. Woroncowej.
2. Kolorowa fotografia przykładów chińskiej porcelany, białej i złotej.
   2a. P. Picasso „Puszka i miska”.
3. Zdjęcie figurki Netsuke.
   Za. „Bulka” – ryż. psy „Lion-Fo” (bystre i wściekłe; ilustracja książkowa).
4. Zdjęcie pałacu w Pawłowsku.
   4a. V. Van Gogha „Azyl w Saint-Remy”.
5. O. Renoir. „Dziewczyna z gałązką”.
   5a. F. Ude. „Księżniczka pól”
6. Zdjęcie zabawki „Koza”.
   6a. Zdjęcie zabawki Filimonowa „Krowy”.
7. Kartka z życzeniami.
   7a. M. Weilera „Kwiaty”.

Instrukcje: Pokaż mi, które zdjęcie najbardziej Ci się podoba. Warto zwrócić szczególną uwagę na stopień nieformalnego zrozumienia zadania przez dziecko i spróbować uwzględnić jego ocenę, jeśli je opuści i automatycznie wybierze zawsze prawy lub zawsze lewy obrazek.

Pary dobierane są tak, aby „najlepszy” obraz, którego wybór wskazywał na rozwiniętą orientację kulturową i estetyczną dziecka, a nie związaną z wiekiem elementarność gustu, różnił się w kierunku większej obrazowości, wyrazistości i złożoności emocjonalnej. W teście „Van Gogha” są to zdjęcia nr 1, 2a, 3, 4a, 5a i 6. Za poprawność wyboru przyznano 1 punkt.

Literatura

1. Lepskaja N.A. 5 rysunków. – M., 1998.
2. Mezhieva M.V. Rozwój zdolności twórczych u dzieci w wieku 5-9 lat / Artysta A.A. Seliwanow. Jarosław: Akademia Rozwoju: Akademia Holding: 2002. 128 s.
3. Sokolov A.V. Spójrz, pomyśl i odpowiedz: Sprawdzanie wiedzy w zakresie sztuk pięknych: Z doświadczenia zawodowego. M., 1991.
4. Torshilova E.M., Morozova T. Rozwój estetyczny dzieci w wieku przedszkolnym. – M., 2004.

Ćwiczenie 1

Wymień techniki diagnostyczne, których używasz do monitorowania rozwoju artystycznego i estetycznego uczniów. Przedstaw swoją wersję diagnozy wiedzy lub umiejętności uczniów na jeden z badanych tematów (w dowolnej formie: testy, kartki, krzyżówki itp.). Obowiązkowe jest artystyczne (estetyczne, jeśli jest to wersja komputerowa wykorzystująca druk kolorowy) projekt materiału.

Zadanie 2

Przeprowadź diagnozę percepcji estetycznej uczniów jednej grupy wiekowej (według własnego uznania), korzystając z jednej z proponowanych metod diagnostycznych. Należy przedstawić pisemną analizę wyników (ilościową i jakościową).

Lekcja praktyczna nr 2

Temat: Metody i techniki zapoznawania dzieci ze sztukami plastycznymi i działaniami artystycznymi
(Lekcja sztuki współczesnej)

Formularz: lekcja praktyczna (2 godziny)

Cel: doskonalenie wiedzy współczesnego nauczyciela plastyki na temat zasad projektowania lekcji autorskiej (obrazu lekcji), metod i form organizacji zajęć uczniów.

Podstawowe koncepcje: lekcja plastyki, lekcja obrazu, zasady projektowania lekcji, metoda, formy organizacji zajęć.

Plan

1. Lekcja sztuki współczesnej to lekcja obrazu.
2. Zasady konstrukcyjne nowa struktura lekcja sztuki.
3. Nowoczesne metody nauczania sztuk plastycznych.

W oparciu o nową koncepcję edukacji artystycznej lekcje plastyki można uznać za specjalny typ lekcja, której struktura, elementy ruchu nauczania i wychowania muszą podlegać prawom szczególnej formy działalności społecznej - prawom sztuki. Nowoczesny lekcja plastyki to lekcja obrazu, których twórcami są nauczyciel i uczniowie.

Ponieważ każdy nauczyciel jest indywidualnością, konstruowany przez niego proces może być indywidualnie niepowtarzalny. Podobnie jak w sztuce ten sam temat, idea, problem jest odmiennie wyrażany przez różnych artystów, w zależności od osobistej postawy autora, specyfiki jego języka artystycznego, stylu, cech otoczenia (społeczeństwa, czasu, epoki) w sztuce. w jakim on istnieje. Podobnie lekcje plastyki u różnych nauczycieli powinny być inne, niepowtarzalne na swój sposób. Te. można mówić o autorskim charakterze lekcji plastyki. Ponadto sukces zależy nie tylko od osobowości nauczyciela, ale w ogromnej mierze od poziomu przygotowania emocjonalnego i estetycznego klasy, każdego ucznia, jego możliwości psychologicznych i związanych z wiekiem.

Lekcja plastyczna to rodzaj „pracy pedagogicznej”, „miniprzedstawienia”, działania artystyczno-pedagogicznego (posiadającego własny plan, własną fabułę, kulminację, rozwiązanie itp.), ale wewnętrznie powiązanego z innymi „działaniami pedagogicznymi” ” - lekcje - ogniwa jednego holistycznego systemu zdefiniowanego w programie. Na podstawie charakterystyki autorskiej lekcji plastyki jako „dzieła” artystyczno-pedagogicznego zidentyfikowano następujące zasady projektowania lekcji wizerunkowej.

1. Główną zasadą konstruowania nowej struktury lekcji plastyki jest ODMOWA AUTORYTARNO-DOGMATYCZNEGO PRZEJŚCIA DO MODELU HUMANINO-DEMOKRATYCZNEGO, KTÓRYM KOŃCEM JEST OSOBOWOŚĆ UCZNIA JAKO INTEGRALNEJ I INTELIGENTNEJ CZĘŚCI „WSPÓŁPRACY” DZIAŁANIE” – zespół klasy, szkoły, środowiska oparty na komunikacji – osoba, ludzie, środa. Obejmuje:

a) priorytet wartości dorastającego człowieka i jego dalszego rozwoju jako przedmiotu samoistnie wartościowego;

b) biorąc pod uwagę wiek i warunki życia dziecka oraz zespołu dziecięcego: rodzinne, narodowościowe, regionalne, religijne itp.;

c) uwzględnienie indywidualnych cech osobowości, możliwości samorozwoju i samokształcenia w danej dziedzinie działalności artystycznej i estetycznej.

2. ZASADA PRIORYTETU KSZTAŁTOWANIA RELACJI EMOCJONALNO-WARTOŚCIOWYCH wśród głównych elementów systemu edukacji artystycznej (obiektyw, wiedza artystyczna, metody artystycznego i estetycznego oddziaływania na świat, doświadczenie działalności artystycznej i twórczej oraz doświadczenie wartości emocjonalno-emocjonalnych) relacje:

a) opanowanie rozwijającej się struktury własnego „ja” (ucznia);

b) opanowywania i przekształcania własnego „ja” zbiorowego, środowiska, społeczeństwa w oparciu o treści kultury artystycznej jako części kultury duchowej;

c) zainteresowanie i entuzjazm dla zajęć lekcyjnych;

d) przeżywanie i wczuwanie się w obraz artystyczny w procesie jego postrzegania i wykonalnej praktycznej kreacji.

3. ZASADA WOLNOŚCI AUTORSKIEJ PROJEKTOWANIA (kompozycji) przy realizacji modelu obrazu-lekcji, w zależności od możliwości twórczych, preferencji artystycznych nauczyciela oraz poziomu przygotowania artystycznego i emocjonalno-estetycznego uczniów:

b) stworzenie niezbędnych warunków (pedagogicznych i innych) do udziału dzieci w „komponowaniu” i prowadzeniu lekcji (współkreacji) w oparciu o wstępne przygotowanie uczniów (zadania domowe z obserwacji i analizy oraz oceny estetycznej otaczającej rzeczywistości, rozmowy w rodzina, komunikacja z rówieśnikami, zajęcia pozalekcyjne itp.);

c) wyraźny priorytet dialogicznej formy organizacji lekcji nad monologiem.

4. ZASADA ARTYSTYCZNEJ DRAMATURGII PEDAGOGICZNEJ – KONSTRUKCJA LEKCJI SZTUKI jako dzieła pedagogicznego opartego na realizacji praw dramaturgii i reżyserii:

a) scenariusz lekcji jako realizacja planu;

b) plan lekcji (cel główny);

c) dramaturgia samego procesu lekcji (fabuła);

d) obecność emocjonalnych i figuratywnych akcentów fabuły lekcji (epilog, fabuła, punkt kulminacyjny i rozwiązanie), zbudowanych na różnych grach artystycznych i pedagogicznych (odgrywanie ról, biznes, symulacja, organizowanie i aktywność itp.)

5. ZASADA ZMIENNOŚCI RODZAJU I STRUKTURY OBRAZU LEKCJI W ZALEŻNOŚCI OD CHARAKTU TREŚCI INTERAKCJI DZIAŁAŃ NAUCZYCIELA I UCZNIÓW, oparta na koncepcji lekcji, która określa „gatunek” lekcji lekcja, w tym:

a) w zależności od celu pedagogicznego (lekcja reportażowa, lekcja uogólniająca itp.);

b) w zależności od treści kierowania i pełnienia funkcji jego uczestników – nauczycieli i uczniów: lekcja – nauka; wyszukiwanie lekcji; lekcja-warsztat; lekcja bajki; lekcja-wezwanie; lekcja miłosierdzia; lekcja-zagadka; piosenka-lekcja; itp.;

c) swobodna, dynamiczna, urozmaicona struktura lekcji z jej ruchomymi elementami (lekcja może rozpocząć się od zadania domowego, a zakończyć sformułowaniem problemu plastycznego – kulminacją fabuły, która zostanie rozwiązana na następnej lekcji ).

6. ZASADA WOLNEJ INTEGRACJI I DIALOGU Z INNYMI RODZAJAMI DZIAŁAŃ ARTYSTYCZNYCH I ESTETYCZNYCH, zajęciami szkolnymi i pozaszkolnymi:

a) dialog kultur „horyzontalny” (wykorzystywanie doświadczeń światowej kultury artystycznej w różnych typach sztuki i „pionowy” (powiązanie czasów w różnych typach sztuki, w doświadczeniu światowej kultury artystycznej – aspekty temporalne i historyczne dialog różnych sztuk i kultur);

b) integracja sztuk pięknych z innymi rodzajami zajęć artystycznych i estetycznych (literatura, muzyka, teatr, kino, telewizja, architektura, wzornictwo itp.), w ramach których integrowane są nie lekcje, ale tematy, problemy, cykle, w zależności od intencja i cele lekcji oraz zadania kwartału, roku i całego systemu edukacji artystycznej.

7. ZASADA OTWARCIA NA LEKCJI SZTUKI:

a) włączenie specjalistów spoza szkoły do ​​pracy z dziećmi na lekcjach (na określone tematy, problemy, bloki): rodziców, osobistości z różnych dziedzin sztuki, architektury, nauczycieli innych przedmiotów itp.;

b) współpraca dzieci z różnych klas i w różnym wieku, udział w prowadzeniu zajęć dla uczniów szkół ponadgimnazjalnych z dziećmi w wieku szkolnym i odwrotnie, zwłaszcza na lekcjach uogólniających, raportowanie zajęć, w tym na potrzeby oceniania (nie mylić z ocena) wyniki działalności artystycznej i pedagogicznej;

c) prowadzenie (w miarę możliwości) zajęć plastycznych poza klasą lekcyjną i poza szkołą, w warunkach jak najbardziej zgodnych z intencją lekcji (w muzeach, salach wystawowych, pracowniach artystów, architektów, rzemiosła ludowego, drukarniach, na łonie natury itp. przy zaangażowaniu niezbędnych specjalistów), w tym przy projektowaniu wnętrz szkół, przedszkoli, organizowaniu wystaw prac dzieci (i ich dyskusji) poza szkołą (okręgi miejskie, obszary wiejskie itp.);

d) kontynuacja lekcji poza szkołą: w komunikacji uczniów z otoczeniem (w rodzinie, z rówieśnikami, przyjaciółmi), w samopoznaniu, poczuciu własnej wartości i samorozwoju, w osobistych zainteresowaniach i zachowaniu.

8. ZASADA OCENY SAMOOCENY PROCESU I WYNIKÓW DZIAŁAŃ ARTYSTYCZNO-PEDAGOGICZNYCH NA LEKCJI („krytyka artystyczna” lekcji):

a) ocena i samoocena procesu realizacji planu lekcji (przez uczniów i nauczycieli) poprzez dialog, sytuacje w zabawie, analizę i porównanie;

b) ocena i samoocena wyników działań nauczyciela i uczniów, ich zgodności z planem (celem) lekcji;

c) przeprowadzenie „publicznego przeglądu wiedzy” (w oparciu o zasadę jawności) z udziałem uczniów innych klas, rodziców, osobistości kultury, pedagogów itp.

d) wspólne ustalenie (przez nauczyciela i uczniów) kryteriów oceny zajęć na lekcji:

• emocjonalne, wartościowe i moralne (reaktywność, empatia, postawa estetyczna itp.);
• artystyczne i twórcze (ekspresja i nowość artystyczna i figuratywna);
• erudycja artystyczna i umiejętność czytania i pisania (wiedza o sposobach tworzenia obrazu artystycznego, umiejętności wizualne itp.).

metody i techniki nauczania plastyki w szkole:

Literatura

1. Goryaeva N.A. Pierwsze kroki w świecie sztuki: Książka. Dla nauczyciela. M., 1991.
2. Sokolnikova L.M. Sztuka plastyczna i metody jej nauczania w szkole podstawowej. – M., 2002.

Zalecenia metodologiczne dotyczące wykonania pracy
Wszystkie zadania wykonywane są w formie pisemnej.

Lekcja praktyczna nr 3

Lekcja praktyczna nr 4

Temat: Główne kierunki nauczania sztuk plastycznych w kontekście modernizacji oświaty

(Zajęcia do wyboru jako sposób na rozwijanie różnorodnych treści edukacji artystycznej)

Formularz: lekcja praktyczna (4 godziny)

Cel: kształtowanie wartościowej postawy wobec przedmiotu „sztuki piękne”, kształtowanie umiejętności nauczycieli w zakresie przedprofilowego i specjalistycznego kształcenia uczniów w zakresie sztuk pięknych.

Podstawowe koncepcje: zajęcia fakultatywne; zmienne uczenie się; różnicowanie; zróżnicowane podejście do nauki; Indywidualizacja; indywidualizacja treningu; kompetencja; zasada.

Plan

1. Przedmiot do wyboru jako jednostka dydaktyczna.
2. Specyfika zajęć fakultatywnych.
3. Struktura zajęć fakultatywnych.
4. Treść przedmiotów do wyboru.
5. Przykład zajęć fakultatywnych.

Przedmiot fakultatywny to celowo wybrane i ustrukturyzowane treści kształcenia (czego się uczyć?), które przy zastosowaniu odpowiedniej metody/technologii (jak się uczyć?) przybierają formę przedmiotu fakultatywnego. W ten sposób badany jest przedmiot do wyboru i opracowywany jest kurs do wyboru.

Z dydaktycznego punktu widzenia konceptualne podejście do wyboru treści przedmiotów do wyboru można sprowadzić do trzech głównych teorii: encyklopedyzmu, formalizmu i pragmatyzmu (utylitaryzmu).

Komponent technologiczny rozwijany jest w ramach szerokiej gamy podejść psychologiczno-pedagogicznych, w tym systemowych, opartych na działaniu, zorientowanych na osobowość, na osobowość i na aktywność oraz na kompetencje.

Podstawowe zasady opracowywania zajęć fakultatywnych odzwierciedlających specyfikę szkoleń specjalistycznych obejmują: zasada produktywności działalność edukacyjna, zasada integratywności, zasada zgodności treści i aktywności składników uczenia się, s. 10-10 zasada zmienności, zasada indywidualizacji, zasada regionalności.

Główna funkcja przedmioty fakultatywne – dające studentom odpowiedź na pytania: „Czego chcę i mogę studiować? Jak? Gdzie? Po co?". W końcu profil przedmiotu może formalnie skierować ucznia w ścisłe granice, odcinając indywidualnie istotne obszary kultury ludzkiej od jego ścieżki edukacyjnej. W rezultacie ścieżka edukacyjna ucznia może stać się specjalistyczna, a nie indywidualna. To przedmioty do wyboru pomagają zrekompensować to ryzyko.

Nie ma standardów edukacyjnych dotyczących zajęć fakultatywnych. Cechuje je niestandaryzacja, zmienność i krótkotrwałość zajęć fakultatywnych („przedmiotów fakultatywnych”). Zmienność zajęć fakultatywnych sugeruje, że: w ramach przygotowania przedzawodowego uczeń klasy IX, nastawiony na konkretny profil (lub wręcz przeciwnie, wahający się w swoim wyborze), musi spróbować swoich „sił” w opanowaniu różnych kursów, których powinno być wiele, zarówno pod względem ilościowym, jak i znaczącym. Dostępność duża liczba kursy różniące się od siebie treścią, formą organizacji i technologiami prowadzenia są jednym z ważnych warunków pedagogicznych skutecznego szkolenia przedprofilowego. Ramy czasowe dla poszczególnych zajęć fakultatywnych mogą się różnić. Nauczyciele muszą jednak pamiętać, że uczeń klasy 9 musi spróbować swoich sił w opanowaniu różnych przedmiotów. Dlatego pożądane jest, aby kursy były krótkotrwałe.

Inaczej wygląda sytuacja w klasach 10-11. Zajęcia do wyboru w szkole średniej, gdy uczniowie już zdecydowali się na profil i rozpoczęli naukę na określonym profilu, powinny mieć charakter bardziej systematyczny (raz lub dwa razy w tygodniu), dłuższy (co najmniej 36 godzin) i co najważniejsze, ustalony zupełnie inne cele niż to było w 9 klasie w ramach przygotowania zawodowego. W klasach 10-11 celem zajęć fakultatywnych jest poszerzenie i pogłębienie wiedzy, rozwinięcie określonych umiejętności i zdolności oraz zapoznanie się z nowymi dziedzinami nauki w ramach wybranego profilu.

Oto główne różnice między przedmiotami do wyboru w klasach 9 i 10-11; wymagania dotyczące rozwoju i projektowania są podobne.

Program nauczania powinien zawierać następujące elementy strukturalne:

• Strona tytułowa.
• Podsumowanie programu(można to zrobić osobno dla uczniów i rodziców)
• Notatka wyjaśniająca.
• Plan edukacyjno-tematyczny.
• Treść studiowanego kursu.
• Zalecenia metodologiczne (opcjonalnie)
• Wsparcie informacyjne programu nauczania.
• Aplikacje (opcjonalnie)

Notatka wyjaśniająca.

• Nota wyjaśniająca powinna zaczynać się od wskazania kierunku kształcenia, w ramach którego obejmuje dany przedmiot do wyboru, oraz krótkiego przedstawienia celów kierunku dla danego poziomu studiów i danego profilu. Pomaga to zwiększyć integralność szkolenia i umożliwia realizację wymogu jedności programu. Następnie należy ujawnić szczegółowe funkcje tego przedmiotu do wyboru.
• Najważniejszą sekcją jest formułowanie celów zajęć fakultatywnych. Przede wszystkim należy ujawnić cele wynikające z funkcji przedmiotu fakultatywnego w ramach określonej dziedziny kształcenia. Ważne jest, aby cele były sformułowane sensownie, tak aby uwzględniały: odpowiedni profil kształcenia, wcześniej zdobytą przez studentów wiedzę, wymagania stawiane przez statut instytucji edukacyjnej, możliwości informacyjne i metodyczne obszaru wiedzy .
• Po sformułowaniu celów kolejnym elementem, który należy uwzględnić w nocie wyjaśniającej, jest krótki opis składu i struktury treści przedmiotu do wyboru.
• Aby osiągnąć określone efekty uczenia się i wzmocnić instrumentalność programu, ważne są sposoby jego realizacji. Dlatego warto scharakteryzować wiodące metody, techniki i formy organizacyjne szkolenia zalecane do realizacji tych treści.
• W związku z opisem procesu uczenia się warto wymienić główne sposoby nauczania, wskazać typowe zadania diagnostyczne o charakterze zarówno praktycznym, jak i teoretycznym, które uczniowie powinni wykonywać nie tylko przy pomocy nauczyciela, ale także niezależnie. Należy wskazać, w jaki sposób realizowane jest zróżnicowane podejście do nauczania studentów.
• Formularze podsumowania realizacji programu nauczania (wystawy, festiwale, konferencje edukacyjno-badawcze, konkursy);
• Na końcu noty wyjaśniającej wskazane jest wskazanie cechy charakterystyczne ten program od programów już istniejących w tym obszarze; co nowego wprowadzono w doborze materiału, jego dystrybucji, metodach nauczania.

Plan edukacyjno-tematyczny.

Godziny wykładowe stanowią nie więcej niż 30% ogólnej liczby godzin.

• krótki opis tematów lub sekcji;
• opis wsparcia metodycznego dla każdego tematu (techniki, metody organizacji procesu edukacyjnego, materiał dydaktyczny, wyposażenie techniczne zajęć).

Wsparcie informacyjne programu edukacyjnego obejmuje:

• wykaz literatury dla uczniów i nauczycieli;
• lista zasobów internetowych (adres URL, strony WWW);
• lista produktów wideo i audio (płyty CD, kasety wideo, kasety audio).

Warunki:

Zajęcia do wyboru– obowiązkowe zajęcia fakultatywne dla uczniów, które wchodzą w skład profilu studiów na poziomie szkoły ponadgimnazjalnej. Przedmioty do wyboru realizowane są poprzez szkolny element programu nauczania i pełnią dwie funkcje. Część z nich może „wspomagać” naukę podstawowych przedmiotów kierunkowych na poziomie określonym w standardzie profilu. Inne służą wewnątrzprofilowej specjalizacji szkoleń i budowaniu indywidualnych trajektorii edukacyjnych. Liczba zajęć fakultatywnych musi przekraczać liczbę przedmiotów, które student ma obowiązek odbyć. Nie ma jednolitego egzaminu państwowego dla przedmiotów fakultatywnych.

Zmienne szkolenie– kształcenie polegające na realizacji zmiennych programów edukacyjnych, gdzie zmienność programów edukacyjnych jest zdeterminowana konstrukcją treści programów kształcenia ogólnego (głównych, dodatkowych, specjalistycznych) z uwzględnieniem zainteresowań uczniów, specyfiki regionalnej i krajowej, możliwości kadry dydaktycznej placówki oświatowej a dobór zasobów edukacyjnych środowiska.

Różnicowanie - Jest to orientacja instytucji edukacyjnych na rozwój zainteresowań, skłonności, zdolności i możliwości pedagogicznych uczniów. Różnicowanie można przeprowadzać według różnych kryteriów: na podstawie wyników w nauce, umiejętności, biorąc pod uwagę wybór przedmiotów itp.

Zróżnicowane podejście do nauki– proces uczenia się, który uwzględnia cechy różnych grup uczniów, zaprojektowany z myślą o wykonalności uczenia się dla każdej grupy.

Personalizacja– to uwzględnianie i rozwijanie indywidualnych cech uczniów we wszelkich formach interakcji z nimi w procesie szkolenia i edukacji.

Indywidualizacja treningu – trening, w którym metody, techniki i tempo są zgodne z indywidualnymi możliwościami dziecka, stopniem rozwoju jego umiejętności.

Kompetencja– zdolność człowieka do realizacji swoich planów w wieloczynnikowej przestrzeni informacyjno-komunikacyjnej.

Zasada– myśl przewodnia, podstawowa zasada, podstawowy wymóg działania i zachowania.
Przykład zajęć fakultatywnych ze sztuk pięknych i sztuki(Internet) .

Program zajęć do wyboru „Sztuka i my”(kierunek artystyczny i pedagogiczny) TELEWIZJA. Czełyszewa.

Czelyszewa T.V. „Kształcenie przedzawodowe dla uczniów klas dziewiątych. Pole edukacyjne „Sztuka”. Podręcznik edukacyjno-metodyczny. – M.: APK i PRO, 2003.

Notatka wyjaśniająca

Program ten ma na celu zapewnienie wstępnego przygotowania uczniów klas dziewiątych do podjęcia studiów na kierunku artystycznym i pedagogicznym nauk humanistycznych.

Cel, zadania i zasady realizacji treści zajęć fakultatywnych „Sztuka i My”

Celem zajęć fakultatywnych „Sztuka i my” jest rozwijanie zainteresowania i pozytywnej motywacji uczniów w kierunku artystycznym i pedagogicznym nauk humanistycznych poprzez zapoznanie ich z rodzajami i metodami działań niezbędnymi do pomyślnego opracowania programu szkolenia zawodowego dla nauczyciela muzyki lub plastyki.

Przedmiot fakultatywny „Sztuka i My” ma charakter prognostyczny (propedeutyczny) w stosunku do kierunku specjalizacyjnego o sztuce i zwiększa prawdopodobieństwo, że absolwent szkoły podstawowej dokona świadomego wyboru kierunku artystyczno-pedagogicznego na kierunku humanistycznym.

Wśród kursów tematycznych (próbnych) kurs fakultatywny „Sztuka i my” ma na celu zajęcie się następującymi zagadnieniami zadania:

• dać uczniowi możliwość realizacji swoich zainteresowań na kierunku artystycznym i pedagogicznym;
• wyjaśnienie gotowości i umiejętności studenta do opanowania wybranego kierunku na poziomie zaawansowanym;
• stworzyć warunki do przygotowania się do egzaminów fakultatywnych, tj. na tematy przyszłego profilowania artystycznego i pedagogicznego.

Oczekuje się, że ten przedmiot do wyboru przyczyni się do rozwoju psychologicznej gotowości do wyboru zawodu artystycznego i pedagogicznego do kształcenia specjalistycznego w szkole średniej. Jednocześnie skupiono się na predyspozycjach zawodowych nauczyciela plastyki, które rozpatrywane są z punktu widzenia kształtowania następujących umiejętności:

1. Zdolności do działalności psychologiczno-pedagogicznej

• umiejętność tworzenia opartej na zaufaniu, kreatywnej atmosfery w klasie;
• umiejętność zainteresowania uczniów sztuką;
• umiejętność organizacji aktywności umysłowej podczas postrzegania dzieła sztuki;
• umiejętność prowadzenia zajęć w oparciu o zasady artyzmu;
• umiejętność improwizacji artystycznej i pedagogicznej.

2. Umiejętności w zakresie krytyki artystycznej i muzykologii:

• umiejętność określenia zamysłu artystycznego dzieła;
• umiejętność uwypuklenia elementów wypowiedzi artystycznej, które stały się dla autora środkiem do realizacji założonego planu;
• umiejętność ustalenia narodowości i autorstwa utworu;
• umiejętność identyfikacji funkcji sztuki na przykładzie konkretnego dzieła sztuki;
• umiejętność kształtowania przez uczniów własnej postawy wobec życia w oparciu o jego poznanie emocjonalne i figuratywne.

3. Zdolności do wykonywania czynności zawodowych:
Muzyka.

• umiejętności performera-instrumentalisty, performera-wokalisty (pokazanie utworu, ekspresyjne jego wykonanie, wykorzystanie technik produkcji dźwięku i nauki o dźwięku w kreowaniu artystycznego obrazu dzieła, łączenie zadań technicznych i artystycznych w koncepcji kultury wykonawczej) itp.);
• umiejętności chórmistrza (przekształcenie procesu uczenia się w artystyczną i pedagogiczną analizę utworu, wykazanie się umiejętnością dyrygowania jedną ręką, a jednocześnie drugą ręką wykonywania partii chóralnej na instrumencie, praca z chórem a cappella, odzwierciedlenie wizerunku artystycznego) pracy nad gestem dyrygenta itp.);
• umiejętności akompaniatora (opanowanie niuansów, tempa; słuchanie chóru, solisty, umiejętność nie zagłuszenia go; umiejętność wsparcia ekspresją własnego wykonania; umiejętność zjednoczenia się z chórem, solistą; umiejętność wydostać się z trudnej sytuacji, gdy solista popełni błąd, być dla niego wsparciem; umiejętność wyczucia chóru; umiejętność doboru i harmonizowania melodii „w locie”);
• znajomość obsługi technicznych pomocy dydaktycznych (sprzętu do odtwarzania dźwięku i audiowizualnego).

sztuka

• opanowanie języka sztuk pięknych jako środka powszechnego przekazu (umieć rysować, malować akwarelami, olejami; opanować techniki i środki graficzne, techniki zdobnicze, techniki modelarskie; pisać 2-3 czcionkami);
• umiejętność organizowania własnej działalności artystycznej i twórczej w zakresie sztuki i rzemiosła, sztuk pięknych, rzeźby, architektury i wzornictwa;
• umiejętność komponowania kompozycji graficznych, obrazowych, dekoracyjnych i projektowych z wykorzystaniem różne techniki, techniki, środki wyrazu artystycznego i figuratywnego;
• umiejętność montażu i projektowania ekspozycji wystawienniczej dzieł sztuki, twórczości dzieci i nauczycieli: znajomość technicznych pomocy dydaktycznych.

Treści zajęć fakultatywnych realizowane są z zachowaniem zasad konsekwencji i systematyczności. Zawiera dwa działy: „Sztuka i życie”, „Specyfika sztuki i cechy edukacji artystycznej”. W procesie realizacji tych sekcji następuje z jednej strony pogłębianie i poszerzanie treści programów szkół podstawowych w zakresie muzyki i sztuk pięknych, programów przedmiotów fakultatywnych z zakresu światowej kultury artystycznej, tradycyjnej kultury ludowej itp., z drugiej z drugiej strony świadomość specyfiki zawodu artystyczno-pedagogicznego nauczycieli szkolnych.

Zakłada się, że uczniowie klas dziewiątych posiadają doświadczenie w emocjonalnym i wartościowym odbiorze dzieł sztuki, doświadczenie w działalności artystycznej i twórczej oraz własne wrażenia z działalności artystycznej i pedagogicznej nauczycieli muzyki i sztuk pięknych.

W oparciu o to doświadczenie proces przygotowania zawodowego uczniów klas dziewiątych ze szczególnym uwzględnieniem kierunku artystycznego i pedagogicznego o profilu humanitarnym budowany jest w formie „wspinania się do zawodu”. Niezbędne do tego jest kształtowanie własnej postawy uczniów, samodzielnego spojrzenia na rolę sztuki w życiu człowieka, specyfikę edukacji artystycznej i specyfikę zawodu szkolnego nauczyciela plastyki.

Podejście to ułatwia tematyczna konstrukcja sekcji kursu, które są ze sobą ściśle powiązane. Dialektyka wznoszenia się do zawodu wynika z naturalnego powiązania między wielofunkcyjnością sztuki, ogólną edukacją artystyczną jako mechanizmem kulturalnego rozwoju człowieka i społeczeństwa, a także trwałą rolą nauczyciela plastyki w tym procesie. Świadomość tematyczna, zbudowana na zasadzie od prostych do złożonych, rozwija się w trzech kierunkach:

1. Od emocjonalnej reakcji na szkolne zajęcia plastyczne – po świadomość potrzeby ich pedagogicznej organizacji.
2. Od samodzielnego doświadczenia komunikowania się z dziełami sztuki (poza szkołą) do pedagogicznie zorientowanego doświadczenia w organizowaniu tego procesu (zajęcia szkolne),
3. Od roli ucznia (naśladowcy) do roli nauczyciela (lidera).

Każda z linii otrzymuje „rozbudowę” w miarę rozwoju tematycznego (od prostych do złożonych).

Dialektyczna logika wejścia do zawodu polega na ustaleniu zgodności między tematami programu, ich koncepcją artystyczną i pedagogiczną, podstawą psychologiczno-pedagogiczną oraz zadaniami poradnictwa zawodowego uczniów, rozwiązanymi w ramach każdego tematu.

Podejście to znajduje odzwierciedlenie w poniższym „Schemacie strukturalnym i logicznym konstrukcji tematycznej przedmiotu fakultatywnego „Sztuka i my” oraz w tabeli „Dialektyczna logika wejścia do zawodu”.

Dialektyczna logika dochodzenia do zawodu

Sekcja programowa: Sztuka i życie

Kryteriami sukcesu zajęć fakultatywnych „Sztuka i My” są:

• stopień rozwoju zainteresowania zawodem;
• stopień przejawiania zdolności do działalności artystycznej i pedagogicznej;
• stopień manifestacji niezależnych poglądów, stanowisk, sądów na temat procesu i rezultatu działalności artystycznej i pedagogicznej.

Efektywność zajęć monitorowana jest według tych kryteriów na podstawie obserwacji studentów w procesie pracy, wywiadów z nimi, a także napisania eseju na jeden z proponowanych tematów.

„Sztuka jest społeczną techniką uczuć” (L.S. Wygotski).
„Człowiek w świecie sztuki”.
„Sztuka jako system języków figuratywnych”.
„Sztuka w szkole”.
„Sztuka – nauczyciel – uczeń”.
„Lekcja plastyczna – lekcja-akcja”.
„Zawód – nauczyciel-artysta”.

Streszczenie kończące naukę przedmiotu jest formą sprawozdania dla uczniów klas dziewiątych. Esej ma charakter praktyczny i zawiera refleksje uczniów na podstawie informacji uzyskanych na zajęciach, polecanych przez nauczyciela źródeł literackich, a także konkretnych przykładów z praktyki artystycznej i pedagogicznej.

Metody i formy realizacji treści zajęć fakultatywnych „Sztuka i My”

Treść zajęć realizowana jest w oparciu o metody dramaturgii artystycznej i pedagogicznej, generalizację, metodę poszukiwania problemu i metodę projektu. Metoda dramaturgii artystycznej i pedagogicznej przyczynia się do psychologicznej adaptacji uczniów w wybranym przez nich przedmiocie, co jest w pełni zgodne ze specyfiką sztuki i procesem edukacji artystycznej. Metoda poszukiwania problemu, metoda generalizacji i metoda projektu optymalizują proces wchodzenia uczniów klas dziewiątych do zawodu, pomagając w kształtowaniu niezależnego spojrzenia na niego i świadomego postrzegania jego cech.

„Sztuka i My” to dynamiczny kurs z silnym naciskiem na praktykę, o czym świadczy różnorodność typów i form zajęć. W ofercie znajdują się dwa rodzaje zajęć: pozalekcyjne i klasowe. Zajęcia pozalekcyjne obejmują: zwiedzanie sali koncertowej, teatru, wystawy sztuki itp.; uczęszczanie na lekcję muzyki lub plastyki w jednej z klas szkoły podstawowej; zajęcia pozalekcyjne (przeprowadzenie fragmentu lekcji muzyki lub plastyki w szkole podstawowej); pozalekcyjne zajęcia artystyczne i twórcze. Dzięki częstej zmianie zajęć uczniowie będą mogli realizować się w twórczości artystycznej zgodnie ze swoimi zainteresowaniami, niezależnie od posiadanych już specjalnych umiejętności, a także spróbować swoich sił w roli nauczyciela muzyki czy sztuk pięknych. Zajęcia prowadzone są w formie: zajęć problemowych z modelowaniem sytuacji edukacyjnych, seminarium, swobodnej dyskusji, okrągłego stołu z wykorzystaniem nagrań audio i wideo.

Okrągły stół kończy przedmiot fakultatywny „Sztuka i my”. W jego pracach mogą brać udział nauczyciele i uczniowie placówek oświatowych zajmujących się kształceniem nauczycieli plastyki, a także specjaliści wszelkich zawodów artystycznych. Głównym zadaniem okrągłego stołu jest identyfikacja szczególnych cech nauczyciela plastyki, które przejawiają się w jego zdolnościach psychologicznych, pedagogicznych, historii sztuki i profesjonalnej działalności performatywnej.

Podczas okrągłego stołu można wykazać poziom rozwoju tych umiejętności wśród uczniów odpowiednich placówek oświatowych (modelowane są szkolne sytuacje edukacyjne, wykonywane są „na żywo” lub nagrywane utwory muzyczne, taneczne, poetyckie lub ich fragmenty, rysunki lub prace plastyczne i powstają rzemiosła itp.). Od zaproszonych uczestników oczekujemy odpowiedzi na pytania uczniów klas dziewiątych. Po zakończeniu pracy uczniowie otrzymują mapę edukacyjną regionu wraz z broszurą reklamową każdej z reprezentowanych na niej instytucji o szczególnej orientacji artystycznej lub artystyczno-pedagogicznej.

Plan kursu i treść lekcji

Plan kursu

Plan edukacyjno-tematyczny kursu

Zawartość kursu

ROZDZIAŁ I. Sztuka i życie

Temat 1. Po co nam sztuka? (2 godziny)

Lekcja odbywa się poza szkołą: w sali koncertowej, teatrze, na wystawie lub w muzeum sztuki. Uczniowie klas dziewiątych proszeni są o skorzystanie z konkretnych przykładów tego, co zobaczyli lub usłyszeli, do samodzielnej refleksji nad znaczeniem sztuki w życiu człowieka.Refleksje zapisywane są w dzienniku wrażeń. Dla logiki refleksji proponuje się pytania przewodnie:

• Co jest wspólnego i szczególnego w różnych rodzajach sztuki?
• Czy dzieło sztuki, z którym się „komunikowałeś”, można nazwać arcydziełem?
• Dlaczego?
• Jaki jest powód nieśmiertelności wielkich dzieł sztuki?
• Co możesz powiedzieć o autorze dzieła sztuki, które widziałeś lub słyszałeś?

Temat 2. „Sztuka jest społeczną techniką uczuć” (L. S. Wygotski) (1 godzina)

Temat realizowany jest w formie swobodnej dyskusji, bazującej na materiale z poprzedniej lekcji oraz przemyśleniach uczniów klas dziewiątych, zapisanych w dzienniku wrażeń. Dyskusja opiera się na pytaniach przewodnich zaproponowanych w temacie 1.

Poprzez refleksję zbiorową należy określić funkcje sztuki związane z transformacyjną, poznawczą i wartościującą aktywnością człowieka, z jego udziałem w procesie komunikacji. W tym celu podczas zajęć prowadzone jest zbiorowe poszukiwanie odpowiedzi na pytania:

• Jakie uczucia i emocje wywołało w Tobie dzieło sztuki, które zobaczyłeś (usłyszałeś)?
• Czego się dzięki niemu nauczyłeś?
• Czy można powiedzieć, że miał Pan proces komunikacji z bohaterami dzieła i jego autorem? Dlaczego?
• Jaki jest Twój stosunek do bohaterów dzieła i dzieła jako całości?
• Co autor chciał przekazać swoim dziełem?

Temat 3. Człowiek w świecie sztuki (2 godz.)

Pierwsza godzina zajęć z tego tematu to warsztat pedagogiczny w formie zbiorowego wyjścia na jedną z lekcji muzyki lub plastyki w dowolnej klasie szkoły podstawowej.
Na 5-7 minut przed lekcją nauczyciel muzyki (plastyki) krótko charakteryzuje:

1. Uczniowie tej klasy pod względem rozwoju ogólnego i muzycznego (artystycznego):
   • ogólny rozwój dzieci – inteligencja; przemówienie; ogólna kultura i hobby; działalność; postawy wobec zajęć plastycznych; sukcesy w dyscyplinach pozasztucznych itp.;
   • rozwój muzyczny (artystyczny) dzieci - zainteresowanie określonym rodzajem sztuki; wielkość uwagi słuchacza (widza); preferencje muzyczne (artystyczne); stopień rozwoju specjalnych umiejętności i zdolności; wiedza teoretyczna, historyczna i bibliograficzna z zakresu muzyki (sztuki plastyczne) itp.
2. Program najbliższej lekcji na następujących pozycjach:
   • motyw kwartału; temat lekcji, jej miejsce w systemie lekcji kwartału, roku;
   • koncepcja artystyczna i pedagogiczna lekcji;
   • materiał muzyczny (artystyczny).

Do późniejszej pracy nad tym tematem uczniowie dziewiątych klas zapisują cechy podane przez nauczyciela, a także własne wrażenia z lekcji. Ponadto mogą brać udział w zajęciach artystycznych i twórczych tej klasy.

Druga godzina zajęć na temat „Człowiek w świecie sztuki” prowadzona jest w formie zajęć seminaryjnych. Wstępne przygotowanie do niego odbywa się przez uczniów w oparciu o następujące pytania orientacyjne:

• Czy sztuka może istnieć pośrednio z człowieka?
• Jacy ludzie biorą udział w tworzeniu i funkcjonowaniu dzieła sztuki?
• Dlaczego przedmioty artystyczne są potrzebne w szkołach średnich?
• Kto jest uczestnikiem procesu artystycznego i pedagogicznego podczas lekcji plastyki?
• Nauczyciel plastyki w szkole. Kim on jest? Jaki powinien być?

Specyficznym materiałem praktycznym do pracy na seminarium jest lekcja, na której uczestniczysz, która jest poddawana konstruktywnej analizie.

Zakłada się, że podczas seminarium, odpowiadając na zaproponowane pytania, uczniowie klas IX samodzielnie ustalają współzależność sztuki i życia, sztuki i człowieka, sztuki i zajęć szkolnych.

ROZDZIAŁ II. Specyfika sztuki i cechy edukacji artystycznej

Temat 1. Sztuka jako system języków figuratywnych (10 godz.)

Zajęcia dotyczące tego tematu podzielone są na dwa bloki: blok zajęć problemowych oraz blok zajęć artystyczno-twórczych.

Blok działań związanych z poszukiwaniem problemów- jest to osiem lekcji po godzinie każda. Zajęcia te mają charakter praktyczny, prowadzone w dowolnej formie, polegającej na modelowaniu sytuacji lekcyjnych w szkole i pokazie dzieł sztuki lub ich fragmentów. Można w tym przypadku wykorzystać materiał artystyczny, z którym uczniowie zapoznali się na lekcjach muzyki, plastyki i literatury.

Pierwsza godzina
Sztuka jako najwyższa forma estetycznego pojmowania świata. Tematy „wieczne” w sztuce. Artystyczny obraz. Piękno i prawda w sztuce. Synkretyczne początki sztuki. Rodzaje sztuki. Literatura. Muzyka. Sztuka. Tradycje i innowacje w sztuce.

Druga godzina
Teatr. Teatry dramatyczne, muzyczne, lalkowe. Aktor, reżyser, dramaturg, artysta, kompozytor - twórca akcji scenicznej. Znane nazwiska teatralne.

Trzecia godzina
Sztuki syntetyczne.
Choreografia. Język tańca. Różnorodność tańców: klasyczny, ludowy, historyczny, codzienny, towarzyski, nowoczesny. Balet lodowy. Wybitni mistrzowie i grupy choreograficzne.

Czwarta godzina
Sztuki syntetyczne. Kino jako sztuka zrodzona w wyniku rewolucji naukowo-technicznej. Rodzaje kina, jego różnorodność gatunkowa i specyfika figuratywna. Proces artystyczny powstawania filmu. Scenarzysta, reżyser filmowy, operator. Wielkie nazwiska w kinie.

Piąta godzina
Fotografia to sztuka „malowania światłem”. Tematyka gatunkowa fotografii (martwa natura, pejzaż). Zdjęcie portretowe i wydarzenia w kadrze. Informatywność obrazów fotograficznych i fotografii artystycznej.

Szósta godzina
Projekt. Sztuka organizowania otoczenia wokół człowieka, dekorowania jego życia. Sfery projektowania. Florystyka jako przejaw estetyki codziennej Zawód projektanta dzisiaj.

Siódma godzina
Nowe typy i gatunki sztuki drugiej połowy XX wieku. Telewizja: specyfika środków wyrazu oraz główne gatunki telewizyjne i wideo. Sztuka i technologia komputerowa (muzyka komputerowa, grafika komputerowa, animacja komputerowa, sztuka multimedialna, tworzenie stron internetowych itp.).

Godzina Ósma
Spektakularne formy sztuki. Cyrk (akrobatyka, balansowanie, muzyczna ekscentryczność, klaunowanie, iluzja). Różnorodność jako synteza sztuki wokalnej, dramatycznej, muzycznej, choreograficznej i cyrkowej. Znane nazwiska popowe. Tworzenie koncertów popowych i programów pokazowych.

Blok zajęć artystyczno-twórczych służy realizacji potrzeb twórczych uczniów i przeznaczony jest na dwie godziny pracy pozalekcyjnej.

Od uczniów dziewiątych klas oczekuje się pracy indywidualnej lub w małych grupach, co dodatkowo odzwierciedla się w zbiorowych zajęciach pozalekcyjnych. Główną zasadą działalności artystycznej i twórczej jest swobodny wybór konkretnego wydarzenia twórczego, do którego przygotowanie odbywa się w ramach zajęć pozalekcyjnych przeznaczonych dla tego bloku.

Przewiduje się następujące formy działalności artystycznej i twórczej:

• realizacja projektów artystycznych (przedstawienia teatralne, wieczory, wystawy, filmowanie wideo, festiwale, święta, konkursy itp.);
• zbiorowe tworzenie scenariuszy; elementy reżyserii, aktorstwa, tańca i twórczości plastycznej; oprawa artystyczna i muzyczna projektów teatralnych i rozrywkowych;
• fotografia artystyczna, tworzenie programów wideo, filmów wideo;
• elementy działalności wydawniczej (projekt plastyczny, almanachy poetyckie, wystawy fotograficzne, szkolne czasopisma i gazety tematyczne, wydania broszur itp.);
• wieczorki taneczne, taniec towarzyski jako środek komunikacji i socjalizacji uczniów.

Realizację działalności artystycznej i twórczej ułatwia wiedza i umiejętności zdobyte przez dziewiątoklasistów na zajęciach muzycznych i plastycznych w szkole podstawowej, a także informacje, które w ramach tego przedmiotu fakultatywnego otrzymali w poprzednich klasach.

Temat 2. Szkolna lekcja plastyki – co w niej wyjątkowego? (1 godzina)

Lekcja-seminarium, do którego uczniowie klas dziewiątych przygotowują się samodzielnie, korzystając z następujących pytań pomocniczych (na podstawie materiału z poprzednich lekcji w pierwszej i drugiej części programu):

• Jaka jest różnica między sztuką a nauką?
• Jaka jest różnica między przedmiotami ścisłymi i artystycznymi w szkole?
• Jaka jest różnica między szkolnymi a specjalnymi zajęciami plastycznymi?
• Jak zorganizować lekcję plastyki w szkole? Jaka jest jego dramaturgia?
• Czy konieczne jest, aby uczniowie zajmowali aktywną postawę wobec dzieł sztuki? Jak może to objawiać się na zajęciach plastycznych?
• Czym jest interakcja w triadzie „Sztuka – nauczyciel – uczeń”?
• Jaka jest rola nauczyciela w edukacji plastycznej dzieci w wieku szkolnym?

Oczekuje się, że w wyniku pracy na seminarium studenci nabiorą przekonania, że ​​lekcja plastyki w szkole średniej jest działaniem artystyczno-pedagogicznym budowanym zgodnie z prawami sztuki; ma równych uczestników; zachęca do emocjonalnego reagowania na dzieła sztuki, do aktywnej samodzielnej refleksji nad poruszanymi w nich problemami życiowymi; motywuje do działań artystycznych i twórczych; sprawia, że ​​chce się uczyć i rozumieć więcej niż to, co oferuje lekcja, poznać konkretny rodzaj działalności artystycznej.

Temat 3. Sztuka – nauczyciel – uczeń (2 godz.)

Temat realizowany jest w formie dwóch warsztatów pozalekcyjnych. mające na celu ustanowienie jedności dialogicznej w triadzie „Sztuka – nauczyciel – uczeń”.

Uczniowie klas dziewiątych uczestniczą w lekcjach muzyki i (lub) plastyki w jednej z klas szkoły głównej.

Każdy z uczniów przygotowuje fragment lekcji z dowolnym materiałem plastycznym. Jeden z dziewiątoklasistów wciela się w rolę koordynatora, którego zadaniem jest strukturalne połączenie tych fragmentów w jedno działanie artystyczno-pedagogiczne. Organizatorem tego procesu jest nauczyciel prowadzący kształcenie przedspecjalistyczne.

Temat 4. Zawód – nauczyciel-artysta (2 godz.)

Lekcja odbywa się w formie okrągłego stołu na zaproszenie nauczycieli i studentów szkół artystycznych oraz placówek oświaty plastyczno-pedagogicznej z regionu. Głównym zadaniem jest identyfikacja głównych cech zawodowych nauczyciela plastyki i przekazanie uczniom informacji o placówkach oświatowych w regionie specjalizujących się w tej dziedzinie.

1. Boldyrewa EM. Literatura rosyjska. XX wiek: Studia. informator. - M.: Drop, 2000.
2. Vardanyan R.V. Światowa kultura artystyczna: architektura. - M.: Włados; 2003.
3. Grushevitskaya T.G., Guzik M.A., Sadokhin A.P. Słownik światowej kultury artystycznej. - M.: Akademia, 2002.
4. Guzik M.A., Kuzmenko E.M. Kultura średniowiecza: gry rozrywkowe: Książka. dla uczniów klas 6-9. - M.; Oświecenie, 2000.
5. M.A. Guzik Przewodnik edukacyjny po światowej kulturze artystycznej: klasy 6-9. - M: Oświecenie, 2000.
6. M.A. Guzik Kultura rosyjska: zabawne gry: Książka. dla uczniów klas 6-9-M.: Oświecenie. 2000.
7. M.A. Guzik Kultura starożytnego Wschodu: gry rozrywkowe: Książka. dla uczniów klas 6-9-M.; Oświecenie, 2000.
8. Kashekova I.E. Język sztuk plastycznych: malarstwo, grafika, rzeźba, architektura. - M.: Edukacja, 2003.
9. Kashekova I. E. Od starożytności do nowoczesności: Style w kulturze artystycznej - M.: Edukacja, 2003.
10. Korovina V.Ya. Folklor i literatura.-M.: Skrin, 1996.
11. Korovina V.Ya. Czytanie, myślenie, argumentowanie: Materiał dydaktyczny. - M.: Oświecenie. 2002.
12. Korotkowa M.V. Kultura codzienna: historia kostiumu. - M.: Włados, 2003.
13. Laine S.V. Sztuka XX wieku: Rosja, Europa. -M.: Edukacja, 2003.
14. Maksakovsky V.P. Światowe dziedzictwo kulturowe. - M.: Edukacja, 2003.
15. Mosina Val. R., Mosina Ver. R. Projektowanie plastyczne w szkole i grafika komputerowa: Instruktaż. - M.: Akademia, 2002.
16. Naumenko T.N., Aleev V.V. Dziennik refleksji muzycznych. - M.: Drop, 2001.
17. Naumenko T.N., Aleev V.V. Muzyka. - M.: Drop, 2001 -2002.
18. Obernikhin GA. Literatura i sztuka Starożytna Ruś na lekcjach w szkole.-M.: Vlados, 2001.
19. Rozmaryn, Barton. Atlas cudów świata. - Bertelsmann Media Moskwa AO, 1995.
20. Straszny S.L. Poezja rosyjska XX wieku. - M.: Edukacja, 2001.
21. Tworogow O.V. Literatura staroruska. Czytelnik dla klas 5-9. - M.: Edukacja, 1998.
22. Twoja kariera zawodowa / wyd. S.N. Czistyakowa. - M.: Edukacja, 1998.

Twoja kariera zawodowa: Materiały dydaktyczne do kursu / Podredaktor, S.N. Czistyakowa. - M.: Edukacja, 2000.

Podczas studiowania tego kursu nauczyciele mogą zalecić: metodologiczny korzyści:

1. Dementieva E.E. Diagnostyka działalności zawodowej nauczycieli sztuk pięknych i światowej kultury artystycznej / red. Brazhe T.G. - Orenburg: Wydawnictwo OOIPKRO, 1998.
2. Tabele dynamiczne na lekcjach plastyki: Zalecenia metodyczne / MGPI, Comp. W I. Kolyakina. - Magnitogorsk, 1996.
3. Osiągnięcia uczniów sztuk pięknych w wyniku działań edukacyjnych / Oprac. N.V. Karpova. - Orenburg: Wydawnictwo OOIUU, 1998.
4. Architektura Uralu jako regionalny element edukacji artystycznej: materiały z regionalnej konferencji naukowo-praktycznej. 27-28 kwietnia 2001 / Reprezentant. wyd. W I. Kolyakina. - Magnitogorsk: MaSU, 2001.
5. Metody i techniki gier w edukacji artystycznej dzieci: Materiały miejskiego seminarium naukowo-praktycznego / wyd. OP Savelyeva. - Magnitogorsk, 2001.
6. Zabawka jako środek edukacji etnoartystycznej i rozwoju zdolności twórczych uczniów: Materiały miejskiej konferencji naukowo-praktycznej / wyd. W I. Kolyakina. - Magnitogorsk: MaSU, 2000.
7. Twórczość zbiorowa na lekcjach plastyki: Zalecenia metodyczne / MGPI, Comp. W I. Kolyakina. - Magnitogorsk, 1996.
8. Projektowanie z papieru na lekcjach plastyki w szkole podstawowej / Magnitogorsk, stan. ped int; Autorzy-komp. W I. Kolyakina, T.M. Dmitrijewa. - Magnitogorsk, 1996.
9. Krzyżówki na zajęciach plastycznych w szkole: Zalecenia metodyczne / komp. Savelyeva O.P. - Magnitogorsk: MaSU, 2000.
10. Kuzmenkova O.V. Diagnoza i rozwój osobowości nauczyciela: Podręcznik metodyczny. - Orenburg: Wydawnictwo OOIPKRO, 1999.
11. Osobiste osiągnięcia uczniów w wyniku działalności nauczyciela plastyki: Zbiór tekstów / komp. I.L. Morozkina, V.M. Drop - Orenburg: Wydawnictwo OOIPKRO, 2000.
12. Maksimova V.D. Rozwój aktywności twórczej uczniów szkół wiejskich / Zalecenia metodyczne dla organizatorów procesu edukacyjnego. - Orenburg: Wydawnictwo OOIPKRO, 2000.
13. Zalecenia metodologiczne dotyczące organizacji elementów działań zbiorowych na lekcjach plastyki /MGPI; komp. W I. Kolyakina - Magnitogorsk, 1996.
14. Morozkina I.L. Wprowadzenie elementów komponentu regionalnego do praktycznej działalności nauczyciela plastyki // Biuletyn Informacji Naukowej „Człowiek i Wychowanie” OOIPKRO, nr 5. - Orenburg, 2001, s. 80-86.
15. Tekst poetycki na lekcjach obrazu i postrzegania przyrody: Podręcznik metodyczny / MGPI; komp. W I. Kolyakina. - Magnitogorsk, 1996.
16. Rusakova T.G. Sztuka dekoracyjna na lekcji w szkole podstawowej /Wykłady z metod nauczania sztuk plastycznych. – Orenburg: Wydawnictwo OGPU, 1999.
17. Rusakova T. G. Podstawy kultury widza / Specjalny program kursu. Zestaw zadań i ćwiczeń dydaktycznych rozwijających umiejętności komunikacji artystycznej u młodszych dzieci w wieku szkolnym. – Orenburg: Wydawnictwo OGPU, 2004.
18. Rusakova T. G. Metody nauczania sztuk plastycznych z warsztatem / Kompleks edukacyjno-metodyczny. – Orenburg: Wydawnictwo OGPU, 2004.
19. Tradycje rozwoju malarstwa artystycznego we współczesnej sztuce zdobniczej Rosji: Materiały konferencji naukowo-praktycznej miasta / wyd. TELEWIZJA. Saljewa. - Magnitogorsk: MaGU.2001.
20. Chadina T.A. Jak mówi sztuka. – Orenburg: Wydawnictwo OGPU, 2005.
21. Chadina T. A. Technologie wizualne w przedszkolu i szkole podstawowej / Podręcznik metodyczny. – Orenburg: Wydawnictwo OGPU, 2005.
22. Chadina T. A. Jak i jak pracują artyści. – Orenburg: Wydawnictwo OGPU, 2005.

Ćwiczenie 1
Przeczytaj uważnie kurs fakultatywny „Przestrzeń życiowa - ART” L. V. Kirillovej i przeanalizuj wszystkie elementy konstrukcyjne programu (w formie pisemnej). Wypisz swoje mocne i słabe strony.